WAR: ¡Women Art Revolution

“!Women Art Revolution: A Formerly Secret History” es un documental que recorre la evolución del movimiento artístico feminista surgido en Estados Unidos durante la década de 1960’.

Su directora, Lynn Hershman Leeson fue partícipe activa de este movimiento y ha pasado 42 años documentándolo. A través de entrevistas íntimas, obras de arte provocadoras y fragmentos de vídeos raramente vistos hasta ahora, nos acerca al que muchos historiadores e historiadoras consideran el movimiento artístico más significativo de finales del siglo XX.

“Women Art Revolution: A Formerly Secret History” se presenta este mes de enero (2011) en el apartado New Frontier, del festival Sundance y es parte de un proyecto transmedia que incluye una instalación y la creación de una página web. (Ver extracto)

RAW/WAR, la website, es un portal excelente, abierto a las contribuciones, que pretende impedir que el olvido se repita, por decirlo de alguna manera (sobre Raw/War). Sus archivos incluyen Documentales-Documentación- Cine/vídeo experimental- Entrevistas- Multimedia- Vídeos musicales-Performance-Producciones de TV y otras categorías.

La biblioteca de la Stanford University aloja los archivos de la colección Women Art Revolution -un ejemplo de colaboración que ya podría copiarse por estos lares- y desde este sitio puedes tener acceso a vídeos, transcripciones de las entrevistas, biografías, y enlaces de todo lo que aparece en el documental y a otros recursos sobre estudios feministas: WAR: Voices of a mouvement.

Un ejemplo de la información que puedes encontrar sobre las mujeres artistas que aparecen en el documental:

Antin, Eleanor

Antoni, Janine

Baca, Judith Francisca

Lacy, Suzanne

De Bretteville, Sheila

Brodsky, Judith K.

Butler, Connie

Chicago, Judy, 1939-

Da Costa, Beatriz

Edelson, Mary Beth

Fox, Howard

Grode, Susan A.

Hammond, Harmony

Heiss, Alana

Hershman-Leeson, Lynn, 1941-

July, Miranda, 1974-

Kanarek, Yael

Kelley, Mike, 1954-

Kozloff, Joyce

Kushner, Robert, 1949-

Lacy, Suzanne

Lippard, Lucy R.

Pindell, Howardena, 1943-

Rainer, Yvonne, 1934-

Reilly, Maura

Rich, B. Ruby

Ringgold, Faith

Rosenthal, Rachel, 1926-

Rosler, Martha

Roth, Moira

Sackler, Elizabeth A.

Schapiro, Miriam, 1923-

Schneemann, Carolee, 1939-

Sims, Lowery Stokes

Spero, Nancy, 1926-2009.

Tucker, Marcia

Utterback, Camille, 1970-

Vicuña, Cecilia

Wilding, Faith

Wilson, Martha, 1947-

Guerrilla Girls

Georgia O’keeffe. Biopic

FICHA TECNICA

Título: Georgia O'Keeffe
Título original: Georgia O'Keeffe
Genero: Drama | Biográfico

Año: 2009 
País: USA
Productora: City Entertainment / Lifetime Television
Director: Bob Balaban
Guión: Michael Cristofer
Reparto: Jeremy Irons, Joan Allen, Linda Emond, Tyne Daly, Henry Simmons, Luce Rains, Kathleen Chalfant, Girard Swan, Chad Brummett, Jenny Gabrielle, Sequoyah Adams-Rice, Steve Corona

Un correcto biopic sobre Georgia O’Keeffe que demuestra que amor y negocios no siempre van –bien- de la mano. El tan de moda subgénero de biopics rescata del olvido a un personaje de relevancia artística para el siglo XX, pero que nunca recibió el reconocimiento que su gran arte merecía. En el campo de la pintura abstracta, de las naturalezas muertas, O’ Keefee fue una gran precursora se imágenes llenas de originalidad, sensualidad que rozaba el erotismo y las ideas que plasmó en sus obras hablan a las claras de una artista con riesgo, ambición y un sino de incomprensión que la persiguió a lo largo de su trayectoria. Quizás sea oportuno mencionar, la figura de Georgia no ocupe el lugar que realmente merece en la historia. En cierta medida este film remite a otra figura como lo fue Jackson Pollock en la celebrada homónima opera prima de Ed Harris una década atrás.
Esta versión de estreno televisivo que dirige Bob Balaban se centra en un periodo de la vida de O’ Keefee (la impecable Joan Allen): el que comprende el momento desde que conoce en sus jóvenes años al fotógrafo Alfred Stieglitz –en principio su descubridor, padrino artístico- hasta entrometerse en la turbia relación afectiva que estos establecen. Luego de la tutela artística, llegará la seducción que envolverá a ambos en un complejo vínculo amoroso de pasiones incontrolables.

El personaje de Stieglitz que interpreta con solvencia Jeremy Irons transmite la obsesión –al punto de transformarlo en un ser despreciable- de este hombre para manejar los hilos artísticos de la carrera de su mujer. Si bien en su genio publicista no puede disimular la presión psicológica a la que la somete, una violencia emocional que torna incompatible su rol de marido con el de mentor de la estrella.

 
El film, no sin intermitencias, aborda dicho traumático vínculo, donde mutuamente ambos se marcaron para el resto de sus vidas, poniendo el acento sobre esa simbiosis peligrosa que se crea entre ambos. Allí donde la reciproca admiración que se profesan se convierte en lazo afectivo y tiene que convivir con el monstruo que han creado, los fantasmas que acechan la tranquilidad de ambos. El film expone el talento innegable de ambos y también sus desavenencias internas, como existen en la mente de todo artista. Y rescata lo valioso de encontrar la inspiración creativa entre las etapas más oscuras que atraviesan, dejando ver el aspecto humano de estas celebridades. Sin grandes hallazgos, pero con sobriedad colocando sus figuras insertas al arte contemporáneo que contribuyeron y cautivando aun cultura inquieta en lo artístico, allá por los años ’20 y ’30 en la también política y socialmente turbulenta Estados Unidos.
Recurriendo mas de una vez a alguna bajada de línea sentimental, Balaban peca resolver los dilemas amorosos de su protagonista con exagerada verticalismo argumental y visible anticipación. Dicho en otras palabras, al film de Balaban le falta la cuota extra de riesgo y no planificación que gozaban las obras de O Keefee. Una artista que esta biopic rescata, con justicia, del olvido.

Fuentes: http://criticaycine.blogspot.com/2010/07/georgia-okeeffe-2009-de-bob-balaban.html

 

 

Nancy Spero: Disidanzas

Exposición en EL Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), Madrid. (Del 14 de octubre 2008 al 5 de enero 2009)

En la obra de Nancy Spero el movimiento, el ritmo y el color, constituyen una gramática aplicada directamente sobre el cuerpo de la mujer.

Esta exposición intenta presentar el trabajo de la pintora estadounidense como parte de un proyecto vital, en el que las piezas individuales encajan en un todo a la manera de un libro.
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta un conjunto de obras de Nancy Spero, en las que poder contemplar el camino que ha seguido la autora hasta encontrar un lenguaje propio.
El museo alberga desde algunos de sus primeros trabajos, realizados durante su etapa de estudiante en el Art Institute de Chicago y que nunca antes han sido expuestos, hasta su última presentación en la pasada Bienal de Venecia, ´Maypole 2007´.
Para esta exposición Nancy Spero ha realizado una instalación específica sobre pared, con la intención de eliminar cualquier obstáculo entre la obra y el espacio que la muestra.
Esta muestra intenta presentar el trabajo de Nancy Spero como parte de un proyecto vital en el que las piezas individuales encajan en un todo a la manera de un libro. Algo que no es de extrañar pues, la autora reconoce que la escritura es parte fundamental de su obra y que en realidad toda ella se puede leer como un libro.
Nancy Spero, junto a autoras como Martha Rosler o Adrien Piper, es considerada como una de las pioneras del arte feminista y figura fundamental de la escena contestataria del Nueva York de los años 60 y 70. Comenzó pintando lienzo a la manera del pintor tradicional pero pronto se dio cuenta de que este medio era eminentemente masculino y, como tal, la marginaba como artista.
Fue a partir de ese momento cuando sus esfuerzos se concentraron en crear un lenguaje pictórico específicamente femenino, donde la mujer expusiera su capacidad de comunicar en un espacio propio.
Este nuevo espacio, que rechaza el lienzo y apuesta por la fragilidad del papel, desenmascara estereotipos y desplaza categorías y jerarquías. En su obra el movimiento, el ritmo y el color, constituyen una gramática aplicada directamente sobre el cuerpo de la mujer que, reforzada y llena de energía, conquista ´feminizando´ el espacio masculino del arte.

MÁS INFORMACIÓN:

Fecha de inicio: 14/10/2008
Fecha de fin: 05/01/2009
Local: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS)
Horarios: De lunes a sábado, de 10:00 a 21:00h; domingo, de 10:00 a 14:30h

Día de cierre: Martes
Visitas guiadas los lunes y miércoles, 17:00h, y sábados, 11:00h.

ANA MENDIETA (1948-1985)

Ana Mendieta nació en la Habana, Cuba, en el año 1948.

En 1961, Ana y su hermana mayor llegaron a Estados Unidos, sin sus padres, como parte de la Operation Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trasladó a miles de niños cubanos a los Estados Unidos en un esfuerzo por ‘salvar’ a los niños del régimen anti-católico de Castro.

En Estados Unidos, Ana Mendieta vivía con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres durante muchos años. Obviamente, esta experiencia dolorosa marcó la formación de Mendieta y su obra refleja esta experiencia.

Ana Mendieta tuvo una carrera artística corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa que consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas.

A comienzos de los años 70' asistió a la Universidad de Iowa como estudiante de arte. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses cambiaron con su ingreso en el Intermedia Program and Center for New Performing Arts y comenzó a utilizar su cuerpo para crear arte (“body art” o “performance art”). Durante su carrera, Ana Mendieta contribuyó al desarrollo de esta tendencia artística.
La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como exiliada y como mujer.
Como artista, Ana Mendieta se atrevió a expresarse de maneras no convencionales. En una de sus series, Body Tracks, que fue documentada en video, Ana Mendieta metió las manos en una mezcla de sangre de animales y pintura roja y arrastró las manos en una pared.

Su fascinación con la sangre marcó alguna de sus obras principales. Percibió la sangre como algo mágico y poderoso. Algunas de sus obras que incorporan la sangre se refieren a violaciones cometidas contra mujeres. Otras reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México que había estudiado.
Otro elemento significante de la obra de Ana Mendieta es la manera en que incorporó su cuerpo en la naturaleza (land art o earthworks). En varias obras aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra, invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, afro-cubanos, mesoamericanos y de antiguas culturas de Asia y Europa.

En Silueta Series (1973), una de sus series más conocidas, Ana Mendieta creó más de cien obras en las que su cuerpo formaba parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, y usar elementos naturales como piedras o velas.
La obra de Ana Mendieta es impresionante. Durante su breve carrera logró dejar un impacto en el mundo artístico.

En 1985, con treinta y seis años, Ana Mendieta murió al caer desde la ventana de su apartamento del piso 34, en Roma. Su pareja, el escultor Carl André fué sospechoso y juzgado por haberle empujado. Pero las pruebas no fueron concluyentes y el juicio por su muerte concluyó en suicidio.

Más:

Corazones Lastimados: "¿Donde está Ana Mendieta?

BIBLIOGRAFÍA:

María Ruido, Ana Mendieta, ed.Nerea 2002

Anna Klumpke (1856-1942)

Anna Elizabeth Klumpke (1856–1942), pintora especialmente conocida por sus retratos, nació en San Francisco, California (Estados Unidos).

Anna fue la mayor de ocho hermanos, entre los que se cuentan la astrónoma Dorothea Klumpke-Roberts, la violinista Julia Klumpke, y la neuróloga Augusta Déjerine-Klumpke. No cabe duda que sus padres, y en especial su madre, Dorothea Mattilda Tolle, concedieron a sus hijas la educación necesaria para converirse en profesionales cualificadas, en una época en la que el acceso de las mujeres a los estudios oficiales estaba vetado.

A los tres años, Anna sufrió una fractura de fémur tras una caída. A los cinco años se le diagnosticó osteomielitis y artrítis en la rodilla. Intentando una cura, su madre se trasladó con con sus hijas a Alemania, para ser tratada por un prestigioso doctor. Anne no mejoró y quedó coja para siempre.

Cuando Anna tenía quince años, sus padres se divorciaron y ella y sus hermanas (de las que vivían cinco) se mudaron con su madre a vivir en Göttingen. A los diecisiete años la familia se trasladó a Clarens, en Suiza, donde comenzó a tomar clases de arte, en su casa.

En octubre de 1877 se trasladó a Paris con su familia, y en 1883 ingresó en la Academia Julian, una de las pocas escuelas que aceptaban mujeres como alumnas. Fué alumna de Tony Robert-Fleury y Jules Lefebvre, y más tarde de Vuillefroy.

Presentó su primera obra importante en el Salón de París de 1884, donde ganó una medalla. Durante los años siguientes expuso regularmente.

Tras su periodo de aprendizaje, regresó a Estados Unidos y pasó los siguientes años en Boston.

En 1889 regresó a Paris con un propósito: realizar el retrato de Rosa Bonheur.

Desde niña, Anne había tenido una muñeca "Rosa", inspirada en la pintora de animales francesa Rosa Bonheur, que había llegado a ser tan famosa que se hicieron muñecas inspiradas en su imágen.

Fingiendo representar a un marchante de caballos, se presentó a la pintora en su estudio del Chateau de By, en Fointainebleau.

Al poco tiempo se trasladó a vivir allí y durante los diez años siguientes, hasta la muerte Rosa Bonheur en 1899, las dos pintoras vivieron juntas.

Klumpke fué nombrada heredera universal y supervisó la venta de las obras de Rosa Bonheur en 1900.
Fundó el Premio Rosa Bonheur, en la Societé des Artistes Fraçais, y creó el Museo de Rosa Bonheur, en el Chateau de By, en Fointainebleau.

En 1908 publicó una biografía de Rosa Bonheur, "Sa vie son ouvre", basada en su propio diario, en las cartas de Bonheur, dibujos y otros escritos. En el libro, que sólo se publicó en inglés en 1998, Anna Klumpke cuenta cómo la conoció, cómo se enamoraron y cómo se convirtió en su retratista oficial y en su compañera.

Tras la muerte de Bonheur, Anna pasó temporadas entre Francia, Boston y San Francisco, donde se instaló definitivamente en los años 30'.

Durante la I Guerra Mundial instaló un hospital para soldados heridos en el Chateau de By.

En 1940, a los 84 años, Anna Klumpke publicó su autobiografía, "Memoirs of an Artist".

Anna Klumpke murió en 1942, a los 86 años, en San Francisco.

(Museo-Estudio de Rosa Bonheur. En el caballete, otro de los tres retratos de Rosa Bonheur pintado por Anna Klumpke)

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