Jessie Lipscomb

(13 de junio 1861 - 12 de enero 1952)

Jessie Lipscomb, escultora inglesa, nació el 13 de junio de 1861, en Grantham. Su padre era encargado en una mina de carbón y su madre camarera. En 1875 la familia se trasladó a Peterborough.

Jessie Lipscomb ingresó en  la National Art Training School, en South Kensington. En 1882 ganó el Queen's Prize y en 1883 una Medalla de Plata.

  Viajó a Paris para continuar su aprendizaje, visitando allí a dos antiguas estudiantes de la  National Art Training School : Amy Singer y Emily Fawcett, que compartían el estudio que Camille Claudel tenía en el 117 Rue Notre Dame des Champs. En enero de 1884 la madre de Camille escribió a Jessie confirmando el acuerdo por el que se alojaría con la familia Claudel por  200 francos mensuales.

Camille Claudel, trabajando en la escultura “Sakuntala”, y Jessie Lipscomb (1886)

Jessie Lipscomb, trabajando en  una escultura

En 1886 Jessie y Camille viajaron juntas a Inglaterra. Por entonces, Jessie estaba exponiendo un busto en terracota. –Day dreams (1886)- en la Royal Academy. A través de Jessie, Camille Claudel conoció a Florence Jeans, con quien inició una amistad que se prolongó durante años y un intercambio de correspondencia que ha permitido conocer datos que no se conocían sobre Camille Claudel y su obra y sobre aspectos de su vida y su relación con Jessie Lipscomb y August Rodin.

En 1887 expuso otra obra titulada  Sans Souci, y un retrato en escayola de Camille Claudel.

Se casó con William Elborne el 26 de dieciembre de 1887 y la pareja se estableció en Manchester.

La relación de Jessie Lipscomb con Camille Claudel se rompió y a pesar de que Camille Claudel no quiso volver a saber nada de Jessie, ésta fué una de las pocas personas que visitaron a Camille Claudel cuando, años después, fué confinada en el Asilo de Montdevergues.

Katia Acín (Huesca1923 – Pamplona 2004)

Katia Acín (en realidad llamada Ana MaríaTeresa de Jesús Katia y Titania Acín Monrás -Titania era el nombre de la reina en la obra de Shakespeare El sueño de una noche de verano- ,era la mayor de las dos hijas del artista, militante libertario y pedagogo Ramón Acín y de Concha Monrás, pianista, asesinados el 6 de agosto de 1936.

Katia Acín, que iba a cumplir entonces los 13 años y su hermana Sol, de 11, fueron llevadas a Jaca con sus primas y se quedaron a vivir con su tío Santos Acín y su esposa Rosa Solano, que eran conservadores. Como explicarían, tras mucho tiempo de obligado silencio, ambas hermanas tenían inculcados el amor por la libertad y el ansia de conocimiento de sus padres, que mantuvieron siempre. Las dos estudiaron en la Universidad de Zaragoza, donde Katia se licenció en Historia Medieval en 1944. Se casó con el abogado Federico García Bragado y tuvieron cinco hijos.

En los años 60, Katia logró una plaza como profesora en el instituto de Binéfar, en el que llegaría a ser directora. En 1988, ya jubilada, se matriculó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, residió en un colegio mayor, fue delegada de curso y obtuvo la licenciatura en 1993. Se especializó en grabado, que continuó perfeccionando en la Escuela de Arte de Tarragona (entonces vivía en Altafuya, frente al mar) , y durante su asistencia como becaria en los talleres de la Fundación Pilar i Joan Miró.

Katia y Ramón Acín

Katia Acín reunió su obra con la de su padre en una exposición que tuvo lugar en la UNED de Barbastro en octubre del 2001. Continuadora de la herencia plástica de Ramón Acín, la obra de su hija no cae en tentaciones formalistas, decidida como está a dirigir su atención al contenido sensible de las imágenes grabadas, de trazo simple, esencial y decidido , escribió entonces la crítica de arte de EL PERIODICO, Chus Tudelilla.

Los grabados y esculturas de Katia Acín se exponían en la sala La Carbonería de su ciudad natal cuando falleció, en un hospital de Pamplona el 14 de diciembre de 2004. Se le había diagnosticó cáncer sólo dos meses antes, pero ella no lo supo. Su exposición estaba en Huesca: Y la crítica (Chus Tudelilla, 4 de diciembre del 2004) señalaba: ...Katia Acín ofrece protección (a esos seres sufrientes) cuando con sus manos graba y modela en arcilla la herida, más que con la intención de denunciarla, para testimoniarla y mostrarla a la sensibilidad de quienes permanecen ajenos totalmente al dolor de los demás .

(Fuente:  ROBERTO MIRANDA, El Periódico de Aragón 15/12/2004)

Maruja Mallo: 1902-1995

MARUJA MALLO
(Vivero, Lugo, 1902 - Madrid, 1995)

1902-1929

El 5 de enero de 1902 nace Ana María Gómez González, cuarta hija de Justo Gómez Mallo, madrileño, y María del Pilar González Lorenzo, gallega.
Debido a la profesión paterna, perteneciente al Cuerpo de Aduanas, la familia se traslada a Gijón, Vigo, Vivero, Tuy, Verín, Madrid y Avilés, donde permanecerán desde 1913 a 1922.
En Avilés, Maruja Mallo comienza a pintar copiando las ilustraciones de las revistas y, dada su capacidad, su padre le busca profesor de dibujo.
En 1922 la familia se traslada a Madrid. Maruja Mallo y su hermano Cristino entran a estudiar Bellas Artes en la Escuela de San Fernando. Pronto se relaciona con los artistas y escritores jóvenes, entablando gran amistad con Concha Méndez, Gregorio Prieto, María Zambrano, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Salvador Dalí y Luis Buñuel, entre otros.
En 1927 muere su madre.
Estancia en las islas Canarias.
El 26 de mayo de 1928 tiene lugarla primera exposición de Maruja Mallo, celebrada en los salones de la Revista de Occidente y objeto de un grandísimo éxito.
Por estos años frecuenta el Lyceum Club Femenino de Madrid y mantiene una relación con Rafael Alberti, hasta que el poeta conoce a María Teresa León.

1930-1936

Comienzaa realizar viñetas para la Revista de Occidente y otras revistas, así como portadas de libros, y se interesapor la escenografía, disciplina para la que obtiene una beca de la Junta para Ampliación de Estudios para estudiar en Paris.
En 1932 consigue una ampliación de la beca de estudios y expone en la Galerie Pierre de Paris. La exposición es visitada por Picasso, André Breton, Vicente Huidrobo, Jean Cassou y Teriade.
En 1933 regresa a Madrid. Su interés por el orden geométrico e interno de la naturaleza se refleja en sus nuevas obras.
Gana la cátedra de dibujo en el Instituto de Arévalo y da clases de dibujo en el Instituto Escuela de Madrid y en la Escuela de Cerámica.
Frecuenta a Miguel Hernández y a los pintores Luis Castellanos y Benjamín Palencia y al escultor Alberto Sánchez.
En 1934 vuelve a tratar a Pablo Neruda, a quien ya había conocido en Paris.
Durante 1935 prepara la escenografía y los figurines de la ópera de Rodolfo Halffter Clavileño, que no llegó a estrenarse.

(Foto: Maruja Mallo en su estudio. Madrid, 1936)

En 1936 viaja con las Misiones Pedagógicas por Galicia, donde le sorprende el estallido dela guerra civil. Logra pasar a Portugal y llega a Lisboa, donde su amiga Gabriela Mistral, embajadora de Chile en Portugal, la aloja y prepara su partida hacia Argentina.

1937 -1961

El 9 de febrero de 1937 Maruja Mallo llega a Buenos Aires. Invitada por la Asociación Amigos del Arte viaja a Montevideo para dar una conferencia, acompañada de proyecciones, sobre el "Proceso histórico de la forma en las arte plásticas", que volverá apronunciar en Buenos Aires unos meses después.

Vuelve a encontrarse con su amigo Alfonso Reyes, embajador de México en Argentina, con quien permanecerá hasta 1938, año en que regresa a México.

El 2 de agostode 1938 se estrena la Cantata en la tumba de Federico García Lorca, de Alfonso Reyes, con música de Jaime Pahissa y escenografía de Maruja Mallo.

En 1939 es invitada a Santiago de Chile a pronunciar un ciclo de conferencias. Viaja a Valparaíso y conoce las playas de Chile.

En 1940 viaja a Montevideo y visita las playas atlánticas de Punta del Este y Punta Ballena.

En 1942 se publica el libro Maruja Mallo, con un texto previo de Ramón Gómez de la Serna y donde se reproducen textos de la autora.

Colabora con la Casa Compte de Buenos Aires realizando decoraciones funcionales, "plástica ornamental" incorporada a textiles, murales, muebles y objetos para edificios y viviendas.

En 1945, durante el mes de febrero, viaja a Chile y se traslada a Viña del Mar buscando inspiración para el encargo de un mural en un cine de Buenos Aires. En compañía de Pablo Neruda visita la Isla de Pascua.

En octubre de 1945 se inaugura el cine Los Ángeles con tres murales que decoran el hall de entrada realizados por Maruja Mallo, como tres paneles o "Armonías plásticas", en los que utilizó como modelos a bailarinas de una compañía de ballet ruso.

El 11 de octubre de 1948 realiza una exposición en la galería Carroll Carstairs de Nueva York.

En el mes de marzo de 1950 expone en la Galerie Silvagni de Paris y, en 1959, en la galería Bonino de Buenos Aires.

En 1961 regresa a España y se instala en Madrid, donde, en el mes de octubre, realiza una exposición en la galería Mediterráneo.

1962-1995

Regresa a Argentina pero vuelve, ya definitivamente, a España, instalándose de nuevo en Madrid.

Retoma el dibujo de viñetas para la Revista de Occidente, es incluída en varias exposiciones sobre la pintura española de la vanguardia y vuelve a ser figura asidua de las tertulias y los acontecimientos culturales del momento.

En 1979 se organiza una exposición antológica de su obra, en la que por primera vez se muestran sus últimos cuadros de la serie Moradores del vacío.

En 1982 recibe la Medalla de Oro de Bellas Artes concedida por el Ministerio de Cultura.

(Maruja Mallo y Andy Warhol. Madrid, 1982)
Cae enferma y es internada en una residencia de Madrid.

En 1990 recibe la Medalla de Oro de la Comunidad de Madrid y en 1991 la Medalla de Oro de la Xunta de Galicia.

En 1992, con motivo de su 90 cumpleaños, se celebra una exposición anológica en la galería Guillermo de Osma de Madrid, donde se muestran, por primera vez, series de los cuadros pintados en América.

En 1993 tiene lugar una gran exposición antológica en Santiago de Compostela que inaugura el nuevo Centro de Arte Contemporáneo de Galicia. Esta muestra viaja, después, al Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.

En 1995 Maruja Mallo muere a la edad de 93 años. [1]

Notas:

[1]- Biografía extraída del catálogo: Fuera de orden: Mujeres de la Vanguardia Española, pp 191-193.

[2]-Fotografías publicadas en DIEGO, Estrella de, Maruja Mallo, 2008

[3]-Más bibliografía: FERRIS, Jose Luis, Maruja Mallo: la gran transgresora del 27

Más:

-Magia de meigas: Maruja Mallo, J. Marcaraque

SÉRAPHINE LOUIS (Séraphine de Senlis):1864-1942

El siguente texto es un resumen extraído de:
BIHALJI-MERIN, Oto: El Arte Naïf, ed. Labor, Barcelona, 1978. ISBN: 84-335-7558-9; pp. 45-46Las notas al pie son de Mercedes García Bravo.

“Séraphine Louis, algunas veces citada como Séraphine de Senlis, nació en 1864 en Assy (Oise). Jamás estudió pintura, ni durante los tiempos de su niñez, cuando fue pastora, ni posteriormente, cuando trabajaba como sirvienta.[1] ¿Cuándo empezó a plasmar con formas y colores sus sueños y sus impulsos? ¿Por qué lo haría? Sabemos muy poco del drama íntimo de su pequeño ser. Y quizás todavía sabríamos menos de su arte si el azar no la hubiera reunido con aquél hombre que, impresionado por las imaginaciones de Rousseau, seguía la huella de los modernos primitivos.

El ignorante mundo la tomó por la humilde sirvienta de Senlis. Pero ella había sido llamada para ver, para mirar, a través de los bastidores perecederos de lo temporal, y para anunciar la eternidad. (…)”

(La casa de Séraphine Louis en Senlis)

En el año 1912 Wilhem Uhde [2] se trasladó a Senlis para descansar en la paz de esa vieja y pequeña ciudad de la Ile de France, cercana a Paris y, al mismo tiempo, alejada del Barullo. Cada mañana acudía una mujer para limpiarle la vivienda. Uhde apenas se fijó en ella. Un buen día vió en una casa de Senlis un bodegón de manzanas que le llamó la atención. Preguntó el nombre del pintor. << ¡Es su asistenta Séraphine!>> Hasta ahí le había guiado el destino a ciegas. Ahora podía cuidarse Uhde de que los estáticos ramos de flores crecieran hasta convertirse en poderosos árboles de fantasía. (…)

Uhde señala que Séraphine guardaba rigurosamente el secreto de su pintura. Nadie podía mirar cuando ella pintaba, cuando mezclaba los colores y preparaba el lienzo para que todo se efectuara con perfección artesana.[3] Vivía con un recogimiento monacal en su pequeña habitación, sobre cuya chimenea siempre ardía una eterna luz a la Virgen.[4]

Pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro, pintaba en una especie de trance, como jardinero místico, los flamantes ramilletes tras los cuales se oculta la tentación de todo lo sagrado. Plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas, en cuyo resplandeciente nervio se abren ojos. Extraña malla de susurrantes y concupiscentes ramajes con sartas de perlas compuestas por bayas del arbusto de la ternura, y umbelas estrelladas del jardín de los placeres. (…)

(…) Todas las luces y las brasas de sus sueños se apagaron un día. Entonces vagó de casa en casa y predicó el fin del mundo. Su espíritu había quedado vacío y desequilibrado. En 1934 murió en el asilo de ancianos de Clermont.[5]

Para Séraphine el arte fue como una revelación. Para ella la pintura –igual que para Van Gogh- era un acto afectivo. Era como si se redimiera mediante el acto de la creación. Con los ojos inmensamente abiertos caminaba a ciegas por la uniforme monotonía de su insignificante vida.

NOTAS:

[1]-Séraphine Louis nació en Arsy (Oise) el 3 de septiembre de 1864. Su padre era obrero-según la partida de nacimiento- y su madre procedía de una familia de campesinos. Cuando Séraphine tenía a penas un año murió su madre. Su padre, que había vuelto a casarse, murió seis años después. Huérfana, vivía con su hermana mayor. Empezó a trabajar como pastora, y a partir de 1881 trabajó como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia, en Clermont (Oise). En 1901 comenzó a trabajar como criada en diferentes casas de Senlis.

[2]-Willhem Uhde: Coleccionista, marchante, galerista y crítico de Arte, el nombre de Wilhelm Uhde se asocia con la vanguardia artística parisina de principios del siglo XX. En 1908 se casó con la pintora Sonia Delaunay. Tras dedicarse a comprar y exponer la obra de impresionistas y cubistas, comenzó a consagrar gran parte de su energía y de su fortuna a los pintores “naïfs” o ingenuos, a los que prefería llamar “primitivos modernos” y a los que también llamó “pintores del Sagrado Corazón” en la primera exposición que les dedicó en París, en 1929 , con obras de Henri Rousseau, Séraphine de Senlis, Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant...

Más: Biografía de Wilhelm Uhde (Colegas invitados)

[3]-Su técnica, completamente particular, consistía en el uso de la pintura Ripolin –la más común del mercado-, mezclada con la cera de velas que cogía en la iglesia, tierra extraída del cementerio y otros campos, de su propia sangre, que extraía de sus heridas y daba vida a sus cuadros…

[4]-Séraphine comenzó a pintar, según decía, por indicación de los ángeles y la Virgen. Cuando salía del aislamiento de su habitación iba a hablar y abrazar a los árboles y las flores.

[5]-Séraphine Louis, que había nacido el mismo año que Camille Claudel, vivió sus últimos años, como la escultora, que sólo le sobrevivió un año, internada en un asilo mental. Murió el 11 de diciembre de 1942, a los 78 años, en un anexo del hospital de Villers-sous-Erquery, a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas y la falta de alimento durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial y que fueron fatales para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. Fue enterrada en una fosa común.

En la Biblioteca de Mujeres Artistas:
CLOAREC, Françoise: Séraphine:La vie rêvée de Séraphine de Senlis

BRIDGET BATE TICHENOR

Bridget Bate Tichenor, era hija de Sarah Gertrude Arkwright, de origen británico y famosa colaboradora de Coco Chanel, y de Frederick B. Bate, comentarista americano de la NBC en Europa durante la guerra.

Bridget Bate Tichenor vivió sus primeros cinco años en Londres antes de ir a Paris, donde estudió francés y época de la que datan sus primeros dibujos conocidos, realizados con el consejo y la enseñanza meticulosa de su padre, que había descubierto prontamente su talento artístico. Posteriormente estudió en la Slade School, de Londres.

Se instala en Roma de 1930 a 1939 y posteriormente se traslada a NuevaYork. Allí ingresa en la Art Students League y estudia bajo la tutela de H. Marsh y de H. Stenberg. También recibe clases de Paul Cadmus, de George Tooker y de Yves Tanguy. Conoce el ambiente de los surrealistas Max Ernst, André Masson, Dalí y Matta, entre otros. Trabaja como editora en Vogue.

En 1940 se casó con Hugh Chisholm, hijo de una conocida familia neoyorquina de origen canadiense, con el que tuvo a su único hijo. En 1945, tras divociarse, se casó con el fotógrafo Jonathan Tichenor.

En 1953, sola, llegó a México y conoció a Luis Barragán y Matías Goeritz, que le convencieron para que se quedara allí a pintar. Durante unos años residió en Ciudad de México hasta su traslado a Ario de Rosales -Michoacán- en 1960.
Bridget Bate Tichenor se concentró envarios temas: inicialmente dibujaba y pintaba abstractamente, usando técnicas "automáticas" (1954-1956); luego descubrió sus fantásticos personajes del mundo surrealista. En su trabajo se aprecia su gran vida interior, que refleja su gran aprecio por la naturaleza y muy particularmente por los animales. En la magia radica, también, parte de su inspiración.

En 1954 realiza su primera exposición en la Galería Arte Mexicano, de Inés Amor. Es el principio de su trayectoria como artista profesional; más tarde expuso regularmente con Antonio Souza, su protector y promotor. Su ingreso como artista en los Estados Unidos fué en la Karning Gallery, dirigida por Robert Isaacson (1955).

En 1972 y 1974 expuso en la Galería Pecannins.

En 1978 dejó su rancho de Michoacán para vivir en Ciudad de México.

De 1982 a 1984 se instaló nuevamente en Roma, volviendo frecuentemente a México, y pinta sus series de "Máscaras, Guías espirituales y Deidades duales". Estos personajes fantásticos llenan su mente y la guían en sus momentos difíciles. Su hijo Jeremy fallece en 1982.

Su última exposición, una retrospectiva muy completa, se realizó en febrero de 1990 en el Instituto de Bellas Artes de San Miguel de Allende, donde se radica los últimos años de su vida.

Su pintura es muy cuidada y depurada, en general de pequeño y mediano tamaño.

El 20 de octubre de 1990 falleció en Ciudad de México, dejando una obra de unos 200 cuadros al óleo.

La obra de Bridget Bate Tichenor se encuentra en colecciones privadas de México, Estados Unidos y Europa.

(Artículo de Carlos de Laborde -economista y coleccionista de arte-. Publicado en Intramuros -sf)

Dos retratos de María Felix, pintados por Bridget Bate Tichenor, en colaboración con Antoine Tzapoff, que pintó los rostros de María Felix.

"Si pintaba gente dentro de un huevo no sé si es cierto, pero es probable que me encontrara yomisma en un huevo que no podía romper. Por fín lo rompí y entonces salieron caras de colores; era una salida y gracias a mi vida en México y de su libertad salieron otras imágenes, otros conceptos" -Bridget Tichenor-

MARÍA BLANCHARD (Santander, 1881- Paris, 1932)

   El 6 de marzo de 1881 nació en Santander María Gutiérrez Blanchard, primogénita del matrimonio formado por Enrique Gutiérrez Cueto y Concepción Blanchard Santisteban. María nació con una deformidad, producida por una caída sufrida por su madre durante el embarazo. Su joroba, cojera, enanismo y miopía marcaron su vida convirtiéndola en una persona solitaria, pese a los cuidados y la atención constante con la que sus padres quisieron recompensarle.

   Pronto empezó a mostrar grandes dotes para el dibujo y su padre aceptó que María se trasladara a Madrid para estudiar con el pintor Emilio Sala, en 1902.

   Tras la muerte de su padre, en 1904, la familia se trasladó a Madrid y María continuó sus estudios de pintura con diferentes maestros.

   En 1906 presentó su obra "Gitana" a la Exposición Nacional de Bellas Artes, y en 1908 obtuvo la Tercera Medalla por su obra "Los primeros pasaos".

   En 1909 se trasladó a Paris, donde asistió a la Academia Vitti, con Hermen Anglada Camarasa, que le enseñó a superar el academicismo y usar libremente los colores, y Kees Van Dongen, que le acercó a la estética fauvista, como profesores.

   En 1910 obtuvo la Segunda Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes por su cuadro "Ninfas encadenando a Sileno".

   En Paris, donde siguió viviendo los años siguientes, María mantuvo estrecha relación con los pintores Diego Rivera, Angelina Beloff y Jacques Lipchitz, con quienes se encontraba de viaje en Mallorca cuando les sorprendió el estallido de la I Guerra Mundial, en 1914.

   Ante la imposibilidad de regresar a Paris, el grupo se traslada a Madrid, donde María comparte estudio con Diego Rivera, en la calle Goya, y se encuentra con los pintores Marie Laurencin, Foujita y el matrimonio formado por Robert y Sonia Delaunay.

   En 1915 Ramón Gómez de la Serna organizó la exposición Pintores Integros, primera muestra de Arte de vanguardia que se celebró en el Salón de Arte Moderno de Madrid, y en la que participaron, entre otros, Diego Rivera y la propia María Blanchard. La exposición fué un fracaso y su obra "Venus de Madrid", hoy en paradero desconocido, causó un gran escándalo.

   Obligada por la precaria situción económica de su familia, María aceptó la cátedra de dibujo en la Escuela Normal de Salamanca, pero las burlas de sus alumnos respecto a su aspecto físico le hicieron abandonar la enseñanza y trasladarse definitivamente a Paris, donde se alojó en casa de su amigo Juan Gris y comenzó a integrarse en un nuevo movimiento artístico: el cubismo.

   En 1918 conoció al galerista Leonce Rosenberg, propietario de "L'Effort Moderne", y a los pintores André Lothe, Francis Picabia y George Braque. Comenzó a exponer y fué bien considerada por la crítica. Participó en exposiciones internacionales y su obra se incluyó las muestras del Salon des Indépendants.

    Pero María Blanchard fué abandonando poco a poco el cubismo e inclinándose hacia la figuración. Perdió el apoyo de Leonce Rosenberg y volvió a sufrir dificultades económicas, hasta que el mecenas belga Frank Flausch le ofreció un contrato mensual que le permitió seguir pintando y exponiendo hasta 1926, cuando su amigo y mecenas murió.

    La muerte de su otro gran amigo, Juan Gris,en 1927, sus problemas de salud agravados por la tuberculosis y el hecho de tener que hacerse cargo de su hermana Carmen y sus sobrinos, que buscaron refugio en su casa, llevaron a María Blanchard a un gran aislamiento y a la búsqueda de consuelo en la religión, llegando a plantearse entrar como novicia en el convento de las Ursulinas de Paris, pero fué disuadida por su confesor.

   Durante sus últimos años, su salud siguió empeorando y sus apuros económicos, teniendo que mantener a su familia, siguieron aumentando, lo que llevó a María Blanchard a caer en un delirio obsesivo, pintando flores de extraños colores.

   María Gutiérrez Blanchard murió a los cincuenta y un años en su estudio de la calle Boulard de Paris, en abril de 1932.

   Poco después Federico García Lorca escribió su "Elegía a María Blanchard", que él mismo leyó en el Ateneo de Madrid.

BIBLIOGRAFÍA:

  

- VVAA, Fuera de Orden: Mujeres de la Vanguardia Española, Fund. Cultural Mapfre Vida, Madrid, 1999. Catálogo de exposición.

- COMBALÍA, Victoria, Amazonas con pincel: vida y obra de las grandes artistas del siglo XVI al siglo XXI.Ed. Destino, Barcelona, 2006, pp 98-102.

- CAFFIN MADAULE, Liliane, Catalogue raisonné des oeuvres de Maria Blanchard, London, Liliane Caffin Madaule, 1992-94. (2 v.)

- Siete pintores españoles de la Escuela de París : María Blanchard, Juan de Echevarría, Juan Gris, Francisco Iturrino, Joan Miró, Pablo Ruiz Picasso, Daniel Vázquez Díaz, Madrid, Caja de Madrid, 1993

  MÁS:

- Federico GARCÍA LORCA, Elegía a María Blanchard

TARSILA do AMARAL (1886-1973)

Tarsila do Amaral nació el 1 de septiembre de 1886 en la hacienda Sao Bernardo, en el municipio de Capivari, en el interior del estado de Sao Paulo. Hija de José Estanislau do Amaral y Lydia Dias de Aguiar do Amaral. Era nieta de José Estanislau do Amaral, conocido como“el millonario” por su inmensa fortuna, que acumuló abriendo haciendas en el interior de Sao Paulo. Su padre heredó una apreciable fortuna y diversas fincas en la que Tarsila pasó su infancia y adolescencia.

Estudió en Sao Paulo en el Colegio Sión y completó sus estudios en Barcelona, en España, donde pintó su primer cuadro, “Sagrado Corazón de Jesús”, a los 16 años (1902). En 1906 se casó con André Teixeira Pinto, con quien tuvo a su única hija, Dulce. Al separarse de él comienza a estudiar escultura en 1916 con Zadig e Mantovani en Sao Paulo. Posteriormente estudia dibujo y pintura con Pedro Alexandrino.

En 1920 embarca de nuevo hacia Europa, donde estudia en el taller de Émile Renard (1850-1930). En 1922 una tela suya es admitida en el Salón Oficial de Artistas Franceses. En ese mismo año regresa a Brasil y se integra con los intelectuales del grupo modernista. Forma parte del “grupo de los cinco” juntamente con Anita Malfatti, Oswaldo de Andrade, Mário de Andrade y Menotti del Picchia. En esa época comienza su relación con el escritor Oswaldo de Andrade.

De regreso a Europa en 1923 tiene contacto con los modernistas que se encontraban allí: intelectuales, pintores, músicos y poetas. Estudia con André Lothe (1885-1962), Albert Gleizes (1881-1953) y Fernand Léger (1881-1955), grandes maestros cubistas, y mantiene estrecha amistad con Blaise Cendrars, el poeta vanguardista franco-suizo.

Ese año -1923- escribe en una carta a su familia:

"Me siento incluso más brasileña. Voy a ser una pintora de mi pais. ¡Qué agradecida estoy por haber pasado toda mi infancia en la granja! Los recuerdos de esos tiempos han llegado a ser muy queridos para mí. Quiero, en arte, ser la niñita de campo se Sao Bernardo, que juega con muñecas de paja, como en el último cuadro en que estoy trabajando... no penseis que esta tendencia se considera aquí negativamente. Por el contrario. Lo que aquí quieren es que cada uno traiga la contribución de su propio pais. Esto explica el éxito de los ballets rusos, las artes gráficas japonesas y la música negra. París ya ha tenido demasiado arte parisiense"

Acompañada por Andrade y Cendrars, regresa a Brasil, donde el trío comenzó a explorar la cultura popular de Brasil. En Semana Santa hicieron un viaje a las ciudades históricas de Minas Gerais, con sus casas rústicas y sus iglesias barrocas del s.XVIII. Tarsila escribió:

"En Minas encontré los colores que había adorado de niña. Más tarde me enseñaron que esos colores eran feos y sencillos"

En 1926 expone en Paris, con gran éxito y ese mismo año se casa con Oswaldo de Andrade. En 1928 comienza su periodo más creativo: pinta “Abaporu -hombre que come-” como regalo de aniversario a Oswaldo que se sorprende con la tela y crea el Movimento Antropofágico, cuyo principio central era que los artistas brasileños debían devorar influencias extranjeras, digerirlas cuidadosamente y convertirlas en algo nuevo.

En 1929 expone individualmente por primera vez en Brasil y su pintura comienza a evolucionar hacia un realismo social. Se separa de Oswaldo en 1930.

En 1933 pinta el cuadro “Operarios” . El año siguiente participa en I Salón Paulista de Bellas Artes. Comienza a vivir con el escritor Luis Martins durante casi veinte años, desde mediados los años 30 hasta mediados los años 50. De 1936 a 1952, trabaja como columnista en los Diarios Asociados.

En los años 50 vuelve al tema “pau brasil"-pobre Brasil-. Participa en 1951 en la I Bienal de Sao Paulo. En 1963 le dedican una sala especial en la VII Bienal de Sao Paulo y el año siguiente tiene una participación especial en la XXXII Bienal de Venecia.

Tarsila do Amaral falleció en Sao Paulo el día 17 de enero de 1973.

BIBLIOGRAFÍA:

-LUCIE-SMITH, Edward, "Arte latinoamericano del siglo XX". Ed. Destino, Barcelona,1994.

-MARTÍNEZ DÍEZ, Noemí, "Arte y artistas latinoamericanas", en L.F. CAO, Marian (Coord.), "Creación artística y mujeres: recuperar la memoria". Narcea, Madrid, 2000.

-AMARAL, Aracy, "Tarsila", en "Tarsila, Frida y Amelia", Fund. La Caixa, Barcelona,1997. Cat. expo.

EXPOSICIONES:
-"Tarsila, Frida, Amelia". Barcelona. Fundación la Caixa, 1997.
-"Tarsila do Amaral". Madrid. Fundación Juan March. 2009. -Del 6 de febrero al 3 de mayo-

MÁS:
- "Manifiesto antropofágico" (extracto). Oswald de Andrade.

OBRAS COMENTADAS:

-Abaporu, 1928

ANA MENDIETA (1948-1985)

Ana Mendieta nació en la Habana, Cuba, en el año 1948.

En 1961, Ana y su hermana mayor llegaron a Estados Unidos, sin sus padres, como parte de la Operation Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trasladó a miles de niños cubanos a los Estados Unidos en un esfuerzo por ‘salvar’ a los niños del régimen anti-católico de Castro.

En Estados Unidos, Ana Mendieta vivía con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres durante muchos años. Obviamente, esta experiencia dolorosa marcó la formación de Mendieta y su obra refleja esta experiencia.

Ana Mendieta tuvo una carrera artística corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa que consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas.

A comienzos de los años 70' asistió a la Universidad de Iowa como estudiante de arte. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses cambiaron con su ingreso en el Intermedia Program and Center for New Performing Arts y comenzó a utilizar su cuerpo para crear arte (“body art” o “performance art”). Durante su carrera, Ana Mendieta contribuyó al desarrollo de esta tendencia artística.
La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como exiliada y como mujer.
Como artista, Ana Mendieta se atrevió a expresarse de maneras no convencionales. En una de sus series, Body Tracks, que fue documentada en video, Ana Mendieta metió las manos en una mezcla de sangre de animales y pintura roja y arrastró las manos en una pared.

Su fascinación con la sangre marcó alguna de sus obras principales. Percibió la sangre como algo mágico y poderoso. Algunas de sus obras que incorporan la sangre se refieren a violaciones cometidas contra mujeres. Otras reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México que había estudiado.
Otro elemento significante de la obra de Ana Mendieta es la manera en que incorporó su cuerpo en la naturaleza (land art o earthworks). En varias obras aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra, invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, afro-cubanos, mesoamericanos y de antiguas culturas de Asia y Europa.

En Silueta Series (1973), una de sus series más conocidas, Ana Mendieta creó más de cien obras en las que su cuerpo formaba parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, y usar elementos naturales como piedras o velas.
La obra de Ana Mendieta es impresionante. Durante su breve carrera logró dejar un impacto en el mundo artístico.

En 1985, con treinta y seis años, Ana Mendieta murió al caer desde la ventana de su apartamento del piso 34, en Roma. Su pareja, el escultor Carl André fué sospechoso y juzgado por haberle empujado. Pero las pruebas no fueron concluyentes y el juicio por su muerte concluyó en suicidio.

Más:

Corazones Lastimados: "¿Donde está Ana Mendieta?

BIBLIOGRAFÍA:

María Ruido, Ana Mendieta, ed.Nerea 2002

ETHEL SANDS: Té con Sickert

ETHEL SANDS

Ethel Sands nació el 6 de julio de 1873 en America (Newport, Rhode Island, U.S.A), pero creció en Gran Bretaña y estudió en Paris con Eugène Carrière entre 1896–1900.

De familia adinerada, poseía casas en Chelsea, en Newington, cerca de Oxford y en Auppegard, en Normandia, donde fue pintado el cuadro Tea with Walter Richard Sickert . Vivió e Garsington entre 1900-1920, luego se instaló en Londres y se nacionalizó británica.

Expuso en el Salon d'Automne desde 1903; Su primera exposición en Londres (con Anna Hope Hudson, Nan-1869-1957) tuvo lugar en la Carfax Gallery, en 1912; en 1922 expuso individualmente en la Goupil Gallery, con gran proyección y que fué ampliamente recogida en los principales periódicos. Fué miembro fundador del London Group, en 1913, y expuso regularmente con la Allied Artists Association.

Murió en Londres, el 19 de marzo de 1962.

Tea with Sickert

ca 1911-2

Ethel Sands

El título original del cuadro que actualmente se conoce como "Tea with Sickert"-Té con Sickert- era "A Tea Table" -Una mesa de té- y con este título fué expuesto en 1912, en la Galería Carfax. En 1988 fué retitulado para incluir el nombre del famoso pintor y hacerlo más vendible en una subasta de Christie's.

El pintor Walter Sickert (1860-1942) y Ethel Sands se conocieron en 1906, cuando él mostró su admiración por una pintura que ella había enviado al Salon de Otoño de Paris y que quería adquirir. El año siguiente Sickert le invitó a unirse al recientemente creado Fitzroy Street Group, que deseaba promover una forma de Impresionismo naturalista en Gran Bretaña.
Entre 1906 y 1914 Sands se convirtió en una importante mecenas literaria y artística, y su casa en uno de los centros del arte moderno en Londres.
La obra artística de Ethel Sands muestra una mezcla de influencias anglo-francesas, comparable a la de su amigo Jacques-Emile Blanche (1861-1942), aunque el tratamiento impresionista del color y el tema intimista de Tea with Walter Richard Sickert también es comparable a las pinturas de Edouard Vuillard (1868-1940).
El retrato de Sickert es interesante ya que le muestra durante el periodo del Camden Town Group -del que tanto Ethel Sands como otras mujeres estaban excluídas- y refleja su relación con Sands y la pareja de ésta, la pintora Nan Hudson (1869-1957). A pesar de que el nuevo título identifica a la figura masculina con el pintor Sickert, que aparece sentado relajadamente, fumando, en un sillón, en la parte más alejada de la escena, la figura que domina en la escena es la mujer que aparece en primer plano, de espaldas, y que podría ser Nan Hudson. El servicio de té, sobre la mesa, está preparado para tres personas, con la tapa de la tetera abierta, lo que nos hace suponer que Ethel Sands ha dejado su lugar para pintar la escena.

El cuadro pertenece a la TATE Collection (Londres).

Walter Sickert retrató a Ethel Sands en un cuadro titulado "Ethel Sands bajando la escalera de Newington"
Bibliografía:
Wendy Baron, Miss Ethel Sands and her Circle, London, 1977, pp.93, 95-6

Ethel Sands: Flowers in a jug (ca.1920')

Otros artículos relacionados:-Walter Sickert: Amor a la miseria. Realquilado en la casa de Jack el destripador
-TATE Women Artists (BIBLIOTECA de Mujeres Artistas)-¿SICKERT el Destripador? (Una estantería anexa)

Leonora Carrington: cronología

Leonora Carrington nació el seis de abril de 1917 en Clayton Green, cerca de Chorley, en el condado de Lancashire, Inglaterra. Su madre era irlandesa y su padre inglés, magnate de la industria textil.
1920- La familia se muda a Crookhey Hall, cerca de Lancaster, y Leonora y sus tres hermanos quedan bajo los cuidados de una institutriz francesa, un instructor de religión, y una nana irlandesa, Nanny, que alentó su ardiente imaginación con historias de crímenes terribles y cuentos de lo sobrenatural de origen irlandés y alemán.

Crookhey Hall

1926- Leonora asiste sucesivamente a dos colegios católicos (Holy Sepulchre, situado en un castillo construido por Enrique VIII, en Reading, y Saint Mary's en Ascot), de ambos fué expulsada. Decían que no mostraba ningún interés en las asignaturas impartidas y hacía contínuamente preguntas del estilo de "¿Quién dijo que dos y dos son cuatro...?"; su escritura era ilegible, aparentemente, hasta que descubrieron que cobraba sentido al verse en un espejo.

Leonora Carrington, ca 1930

Leonora Carrington a lomos de su caballo, Winkie, 1931

1932- Decididos a encontrar la manera de civilizar a su hija, sus padres la enviaron a la Academia de Miss Penrose, un internado en Florencia. Los estudios de arte y los cuadros que descubrió en la Galería de los Ufizzi marcaron toda su vida como pintora. Después le enviaron a París. En un internado duró dos meses y de otro, el estricto colegio de Miss Sampson, se éscapó una noche. Mientras tanto, la madre soñaba con un enlace adecuado para Leonora.
1934- El uno de mayo es presentada en la corte del rey George V, y sus padres ofrecen un baile en su honor en el Ritz. (En la foto: Leonora Carrington y su madre el día de su presentación en la corte). Esta experiencia está reflejada en su historia La debutante.
1936- Decidida a convertirse en artista, pese a lo que se esperaba de ella, Leonora logró convencer a sus padres para que le permitieran asistir a una escuela de pintura. Ingresó en la Academia que Amedée Ozenfant, el pintor futurista, acababa de fundar en Londres. Fué su primera alumna. En esa misma época comenzó a interesarse en la alquimia.
1937- A través de una compañera de clase conoce a Max Ernst, que estaba en Londres con motivo de su exposición en la Mayor Gallery. Leonora se había interesado en el surrealismo tras leer varias publicaciones y visitar la Exposición Internacional Surrealista de Londres.

Ese mismo verano viaja a Cornwall con Ernst, Paul Eluard y Nusch Eluard, Man Ray, Lee Miller y Roland Penrose.

Lee Miller, Ady Fidelin, Nush Eluard y Leonora Carrington, 1937.

Poco después de este viaje, con 19 años, Leonora se fugó a París con Max Ernst y comenzó una relación que duró tres años. Sus padres le repudiaron y Leonora nunca volvió a ver su padre, una separación que le marcó y aparece en algunas de sus obras literarias. Escribe "El pequeño Francis", una historia sobre la relación triangular entre ella, Max Ernst y la esposa de éste, Marie-Berthe, con el inicio de la Guerra Civil española como fondo.

En Paris, Leonora ayuda a Ernst con el diseño de los escenarios para la producción de Ubu Roi de Alfred Jarry.


1938- Ernst y Carrigton se mudan a Saint-Martin-d'Ardèche en el sur de Francia, donde restauraron una casa abandonada y la poblaron de caballos y seres míticos en frescos, esculturas y relieves que cubrían muros enteros. recibían las visitas de Lee Miller, Roland Penrose, Remedios Varo, Leonor Fini y otros.

Leonora Carrington en St. Martin d'Ardèche

Expone con los surrealistas en París y en Amsterdam. Aparece "La casa del miedo" y escribe los relatos que recogerá en "La dama Oval", con ilustraciones de Ernst.
1939- Estalla la guerra y Ernst -de origen alemán- es recluido en calidad de extranjero enemigo en el campo de concentración de L'argentière, en Francia. Carrington se encarga de su liberación, en diciembre.
1940- En mayo, Max Ernst vuelve a ser apresado, esta vez en Les Milles, cerca de Aix en Provence. Tras un intento fallido por obtener su liberación, Leonora sale hacia España. Durante el trayecto sufrió una crisis nerviosa y fué ingresada en un asilo mental en Santander. Más tarde escribió "Memorias de Abajo", un recuerdo autobiográfico de esta penosa experiencia, durante la que fué sometida a un tratamiento excesivo con medicamentos que provocaban fuertes convulsiones. Una primera versión, escrita en inglés, fué rechazada por la editora americana Jannet Flanner y se perdió. La versión que conocemos fué escrita en francés en 1943.

1941- Liberada del asilo y tras pasar por Madrid, viajó a Lisboa. Allí pidió asilo en la embajada Mexicana, donde se encontró con el periodista y diplomático Renato Leduc, diecinueve años mayor que Leonora, con quien se casó para poder viajar a América.

1942- Tras una estancia en Nueva York, donde también se encontraban Max Ernst y su nueva mujer, Peggy Guggenheim, Leonora llegó a Ciudad de México y obtuvo la nacionalidad mexicana, que el país ofrecía a todos los europeos refugiados de la Segunda Guerra Mundial. Se divorció de Leduc en 1943 y comenzó a mantener una estrecha amistad con Remedios Varo y su compañero, el poeta Benjamín Péret, así como con el trío formado por Wolfgang Paalen, su esposa la pintora Alice Rahon y Eva Sulzer. Conoció al psicoanalista y escritor Pierre Mabille, que le animó a escribir "Memorias de Abajo", al director de cine aragonés Luis Buñuel, con quien entabló una buena amistad, y al fotógrafo húngaro Emerico "Chiki" Weisz.

(De izda. a dcha.: Gerardo Lizarraga, Chiki Weisz, José Horna, Leonora Carrington, Remedios Varo, Günter Gerszo, Benjamin Péret y Miriam Wolf)

1944- Conoce a Edward James, el rico y extravagante inglés, mecenas de los surrealistas, que se convierte en el coleccionista más importante de su obra. James, además, la introduce en el conocimiento del Libro Tibetano de los Muertos.
1946- Se casa con Chiki Weisz. Tienen dos hijos: Gabriel, quien nace ese mismo año, y Pablo, nacido en 1947.

Gabriel, Leonora y Pablo

1948- Primera exposición retrospectiva de La obra de Leonora Carrington en la Galería Pierre Matisse de Nueva York.

1950- Exposición retrospectiva en la Galeria Clardecor, Mexico D.F. Se involucra con los seguidores del movimiento espiritual de Gurdjieff.

1957-Diseña y produce para el escenario una de sus propias obras, Penélope.

1960-1970- "Exposición Retrospectiva de pinturas y tapices de Leonora Carrington" en el Museo Nacional de Arte Moderno, de Ciudad de Mexico (1960). Estudia los escritos de Jung. Diferentes exposiciones y publicaciones.
1963- Es comisionada para pintar un gran mural, El mundo mágico de los mayas, en el que celebra a los mayas de Chiapas, en el Museo de Antropología de la Ciudad de México(1963)
1968- Abandona México con sus hijos como protesta por el salvaje manejo del movimiento estudiantil. Regresa a México, el año siguiente. Durante el periodo 1968-70 realiza frecuentes viajes a Nueva York.
1971- Estudia bajo la guía del lama tibetano -en el exilio en Canadá y Escocia-y permanece como discípula suya.
1972- Participa en la formación del Movimiento feminista de México DF., y diseña el póster Mujeres Conciencia1985 -Abandona nuevamente México y se establece en Nueva York.
1988-90 Se muda a Chicago. Retrospectivas en EEUU, Tokio (Japón) y México.

1990-Regresa a México.2000-Nombrada Ciudadana de Honor de México D.F. El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) celebra un Coloquio Internacional sobre Leonora Carrington.
2008-Leonora Carrington sigue viviendo y trabajando en Ciudad de México. Gran Exposición de esculturas al aire libre.Enlaces:

Leonora Carrington en la Biblioteca de Mujeres Artistas

Remedios y Compañía: el entorno personal de Remedios Varo

Descargas:

La Debutante (pdf)

ROSA BONHEUR:1822-1899.

Marie-Rosalie Bonheur, conocida como Rosa Bonheur (16 de marzo 1822 - 25 de mayo de 1899) llegó a ser una importante pintora y escultora francesa de tendencia realista. Su padre era un pintor paisajista de Burdeos, y era hermana del pintor Auguste Bonheur y del escultor Isidore Jules Bonheur. En este ambiente es fácil imaginar que pronto empezó a aprender a pintar en el taller familiar, con su padre, ya que la educación artística estaba vetada a las mujeres.

En seguida mostró su preferencia por la pintura de animales, influenciada por el pintor inglés Edward Landseer, que se convirtió en su especialidad y le dieron fama y dinero.

(En la imágen: Retrato de Marie-Roselie Bonheur, dite Rose Bonheur. Pintado por el artista Dubufe)

Estudió la anatomía animal visitando mataderos y haciendo disecciones. Preparaba cientos de bocetos y hacía multitud de estudios detallados antes de comenzar un nuevo cuadro o escultura.

En 1848 obtuvo la medalla de oro en el Salon Oficial, la muestra de arte más importante de Francia y en 1855 presentó el que sería su gran lanzamiento: la monumental "Feria de caballos":

(La feria de caballos. Rose Bonheur. Abajo, detalle en el que se aprecia un supuesto autorretrato de la pintora, que se abría pintado en el personaje con camisa azulada, a caballo, que mira al espectador.)

El cuadro le dió fama y reconocimiento internacional, y ese mismo año viajó a Escocia, invitada por la reina Victoria, que admiraba sus obras. En escocia hizo un gran número de bocetos que le sirvieron para realizar, después, alguno de los cuadros que seguirían dandole fama, como A Scottish Raid, terminado en 1860, y Highland Shepherd (en la imágen). Estas obras, que muestran un estilo de vida que había desaparecido un siglo antes, gustaba a la sensibilidad victoriana y se hicieron muy populares en Inglaterra, aunque no tanto en Francia.

Considerada, ya en su época, como la mujer artista más famosa, era representada por los galeristas más importantes, en especial por Ernest Gambart (1814-1902), que obtuvo los derechos de reproducción y venta de grabados realizados a partir de sus obras, en su galería londinense de Pall MAll.

Fué la primera mujer que recibió la Legión de Honor, en 1865, que le fué impuesta por su amiga, la Emperatriz Eugenia (de Montijo) y en 1894 se convirtió en Oficial de la Legión de Honor, máxima distinción que otorga el estado francés.

Pero si hoy en día es más tenida en cuenta, y a menudo es considerada como una protofeminista, es por su hábito de vestir ropa masculina:
"Me dí cuenta que la ropa femenina era una constante molestia. Por eso decidí solicitar la autorización para vestir ropa de hombre al prefecto de policía. Pero el traje que llevo es mi traje de trabajo, no significa nada más. Lo que digan los imbéciles no me ha preocupado nunca. "

(TRANSCRIPCIÓN)

Permission de travestissement accordée à Rosa Bonheur
Paris, le 12 Mai 185- Nous. Préfet de Police. [...] Autorisons la demoiselle Rosa Bonheur demeurant à Paris, rue ... n° 320 à s'habiller en homme ; pour raison de santé sans qu'elle puisse, sous ce travestissement, paraître aux Spectacles. Bals et autres lieux de réunion ouverts au public. la présente autorisation n'est valable que six mois, à compter de ce jour.

Durante cincuenta años vivió con su compañera Nathalie Micas en su propiedad, el Chateau de By, cerca de Fointainebleau.

Tras la muerte de Micas se unió a la pintora americana Anna Elisabeth Klumpke (1856–1942), que realizó uno de los retratos más apreciados de Rose Bonheur.

Murió a los 77 años, el 25 de mayo de 1899.

En 1900 se realizó una gran subasta con las obras de Rose Bonheur, supervisada por Anna E. Klumpke, que había sido nombrada heredera universal.

Klumpke creó el Premio Rosa Bonheur en la Société des Artistes Français, y le dedicó un museo en el Chateau de By.

Artículos relacionados:

-Modelos de mujer en el siglo XIX. Transgresiones: Ellas llevan los pantalones

-Anna Klumpke

-Museo-estudio de Rosa Bonheur

Gabriele MÜNTER, notas biográficas

Gabriele Münter (Berlín, 1877 - Murnau, 1962)

Pese a de las dificultades que las mujeres que pretendían dedicarse a la pintura pudieran encontrar para formarse adecuadamente, Gabriele Münter estudió arte tanto en Düsseldorf (1897) como en Múnich (1901). Entre 1898 y 1901 viajó por América, visitando San Luis y Nueva York.

A su regreso a Europa, como no estaba satisfecha con la enseñanza que recibía, dio un paso significativo y se apuntó al curso nocturno que impartía el pintor ruso Wassily Kandinsky en la Phalanxschule, donde tuvo ocasión de familiarizarse con el Jugendstil. Entre 1902 y 1914 sus exploraciones artísticas estuvieron íntimamente relacionadas con las que llevaba a cabo Kandinsky. Esta colaboración mutua se vio reforzada por una relación personal que se prolongó hasta 1914, año en que Kandinsky regresó a Rusia. La pareja hizo numerosos viajes por el extranjero. En París, Münter admiró profundamente la obra de los maestros del impresionismo, integrando sus teorías en los paisajes de gran formato que ejecutó por aquel entonces, entre los que cabe destacar "En Kallmünz" (1903, colección particular) y "Calle de Sèvres" (1906-1907, Múnich, Städtische Galerie im Lenbachhaus).

A finales de esta década, la pintora empezó a expresarse a través de otros medios, tales como xilografías, linografías y dibujos. En 1907 expuso en el Salon d’Automne de París una serie de retratos realizados mediante linografías coloreadas, entre los que figuraba uno de Kandinsky.

En 1911 la artista ya había adoptado una intensa paleta compuesta principalmente por colores primarios y, junto con Kandinsky, Jawlensky y Franz Marc, participó en la génesis de Der Blaue Reiter, movimiento fundamental para el desarrollo del expresionismo alemán. Durante la guerra, ella y Kandinsky se trasladaron provisionalmente a Suiza y, cuando él se marchó a Rusia, Münter dejó de pintar durante algún tiempo. Posteriormente regresó a Alemania y, aunque la censura nazi le afectó profundamente, siguió trabajando.

Gabriele Münter murió en su casa de Murnau, Baviera, el 19 de mayo de 1962.

(Dominique Lora. Texto extraído de la página web del Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid)

Bibliografía:

-VVAA, Gabriele Münter: The search for expression 1906-1918 (Biblioteca de Mujeres Artistas)

Gabriele Münter, Autorretrato

Natalia GONTCHAROVA (1881-1962)

NATALIA GONCHAROVA (Natalia Sergeevna Goncharova) (Nagayevo, 1881 - París, 1962) nació el 16 de junio de 1881, en el seno de una familia relativamente culta de la pequeña población de Nagayevo, en la provincia rusa de Tula. En 1891 su familia se trasladó a Moscú, donde Natalia asistió a la escuela primaria. Cuando tenía diecinueve años de edad conoció al pintor Mikhail Larionov, con el que compartiría tanto su vida personal como su carrera. En 1901 Goncharova emprendió su formación artística asistiendo a las clases de escultura de la academia de pintura, escultura y arquitectura de Moscú, siguiendo las enseñanzas de Sergei Volnukhin y del príncipe Paolo Trubetskoi. Su formación se prolongó hasta 1903, fecha en que dejó la academia y empezó a pintar por su cuenta, aunque a veces bajo la tutela del pintor Konstantin Korovin y de su compañero, Larionov. Su talento no tardó en ponerse de manifiesto, pues en 1906 Sergei Diaghilev decidió incluir varios pasteles suyos en la sección de arte ruso del Salon d'Automne de París.

Las primeras obras de Goncharova están impregnadas del espíritu popular ruso, aunque fraguadas en el lenguaje moderno que había aprendido de las vanguardias artísticas francesas, y en particular de Matisse y de Cézanne. Sus cuadros neoprimitivos, como el políptico de 1911 titulado "Los evangelistas" (San Petersburgo, Museo Ruso), se caracterizan por un ambiente sobrio e icónico, plasmado mediante formas geométricas. Durante la primera década del siglo veinte, la artista trabajó en el ámbito del arte ruso joven, realizando también ilustraciones de libros y diseños para vestuarios y decorados de teatro. Tras una serie de controvertidas exposiciones, entre las que cabe citar la individual que tuvo lugar en 1910 en la Asociación de la Libre Estética de Moscú, que provocó escándalo, la artista se consagró, como pintora y como propulsora de su teoría, al grupo La cola de caballo, surgido en 1911 a partir de una iniciativa de Larionov; entre sus miembros se contaban figuras tan destacadas como Vladimir Tatlin y Kazimir Malevich. Más o menos por esa misma época el talento de Goncharova empezó a tener resonancia en el extranjero; prueba de ello son las exposiciones en las que participó, tanto en Múnich (en la muestra de Der Blaue Reiter de 1911) como en Londres.

El interés de Goncharova abarca aspectos y géneros del arte visual tan variados como la pintura, la obra gráfica y el diseño decorativo, con una morfología que incluye diversas contaminaciones estilísticas, desde el arte bizantino y el folclore ruso hasta el Cubismo y el Futurismo. Goncharova dio un paso significativo cuando fundó, junto con Larionov, el movimiento denominado Rayismo (en ruso Luchizm), cuyo manifiesto se publicó en 1913 con el título Rayistas y Futuristas. Entre sus obras rayistas de la primera época cabe destacar "Gatos" (1913, Nueva York, Solomon R. Guggenheim Museum), magnífico ejemplo de su nuevo modo de construir el espacio mediante la observación de los rayos de luz que se reflejan sobre la superficie de los objetos.

En 1914 Goncharova y Larionov fueron a París, donde diseñaron el vestuario y los decorados para la ópera-ballet rusa Le Coq d'Or; al mismo tiempo celebraron una exposición en la Galerie Paul Guillaume. Tras una nueva estancia en Rusia (la última y muy breve), la pareja viajó primero por Europa antes de instalarse en 1917 definitivamente en París, donde pasarían el resto de su vida; en 1938 se les concedió la ciudadanía francesa. Goncharova participó en numerosas exposiciones en el extranjero, presentó obras a los salones parisinos y, junto con Larionov, con el que se casó en 1955, trabajó intensamente como diseñadora de decorados para obras de teatro, ballet y ópera, entre las que cabe destacar El pájaro de fuego de Stravinsky, el ballet Sur le Borysthene de Prokofiev y el ballet ruso Bogatyrs de Massine.

Natalia Goncharova murió en París el 17 de octubre de 1962; está enterrada en el cementerio de Ivry.

(Ekaterina Kudriavtseva. Extraído de la página web del Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid)

Más:

Natalia Goncharova: Obras comentadas: "La pesca" (Pescadores),1909