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8 mar 2011

Robo en el convento, robo en casa de Isabel Guerra

“Zaragoza. (EUROPA PRESS).- Según El Periódico de Aragón, La Policía Nacional está investigando la desaparición el pasado día 28 de febrero de 1,5 millones de euros en efectivo del convento de Santa Lucía, comunidad cisterciense femenina y de clausura situada en el barrio zaragozano de Casablanca.

Fuentes del Cuerpo Nacional de Policía han explicado a Europa Press que el pasado lunes 28 de febrero "nos llamaron las monjitas a primera hora de la mañana, entre las 7.30 y las 7.45 horas, diciendo que habían encontrado varias puertas forzadas" en el monasterio y que "había desaparecido una cantidad importante de dinero de allí".

Las monjas de esta congregación tenían guardado el dinero, la mayoría en billetes de 500 euros, dentro en unas bolsas de plástico en  un armario; y han declarado que una de las puertas de acceso a uno de los edificios del convento había sido forzada, aunque se desconoce si fue una o varias las personas que pudieron actuar en el asalto al monasterio.

Sobre la procedencia del dinero, "las monjas dijeron que eran ahorros de toda la vida", aunque sorprende que guardasen esa cantidad en efectivo en el convento.

Isabel Guerra-foto No sorprende tanto si sabes que en esta comunidad religiosa, conocida por su dedicación, entre otras tareas, a la restauración de antiguos libros y pergaminos, vive y trabaja la pintora Isabel Guerra, cuyas obras, de un hiperrealismo cuidado y sensible, tienen una gran demanda y cuyas exposiciones se convierten en un éxito de público.

Cualquiera de sus dibujos puede costar entre 2.500 y 12.000 euros y sus cuadros llegan a alcanzar los 48.000 euros. Suele exponer cada tres o cuatro años y vende todo lo que expone. De hecho, suele haber lista de espera de compradores en la galería Sokoa de Madrid, que lleva su representación.

En el año 2000 fue protagonista de una polémica pero exitosa exposición retrospectiva en La Lonja de Zaragoza, que vimos más de 120.000 personas.

La mirada interior

ISABEL GUERRA

Isabel Guerra nació en Madrid en 1947. Procede de una familia culta y acomodada. En la actualidad vive en Zaragoza, desde los 23 años,  cuando ingresó en el convento cisterciense del Monasterio de Santa Lucía.

De formación AUTODIDACTA, ha sido nombrada  Académica de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Luis y Académica Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo.

En una entrevista de Elena Pita, la pintora Isabel Guerra,  cuenta su vocación pictórica y religiosa para el Semanal de El Mundo, 7-XI-2004. Extractos:

(…) -¿Y usted nunca temió que una vocación solapara la otra?

-Sí; al entrar en el monasterio, pensé que probablemente la pintura sufriera, incluso que tuviera que desaparecer de mi vida. Pero el mismo día que ingresé, mis superioras me dijeron que aquí podría seguir pintando exactamente igual: era una práctica que se adaptaba perfectamente al monasterio. San Benito, autor de la regla benedictina, que también profesamos los cistercienses, dedica un capítulo de su obra a los artistas del monasterio. (…)

CONFIÓ EN TU PALABRA -Y, desde una vida tan apartada ¿qué influye en su pintura para hacerla evolucionar?

-El monasterio es un lugar riquísimo para la inspiración. Nuestro modo de vida se orienta a la búsqueda de la belleza; para nosotras la estética no es solamente escenográfica, sino vital: buscamos la paz y la serenidad, un clima de silencio y admiración hacia el Creador.

guerra16

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ilumina mi noche con tu presencia TU PALABRA QUE ILUMINA

Bibliografía en la Biblioteca de Mujeres Artistas:

20 feb 2011

Mujeres artistas y ARCO

Hoy finaliza la trigésima edición de ARCO  y hay “algunos coleccionistas que, de manera anecdótica, dicen que prefieren no comprar mujeres porque a largo plazo esa obra no tendrá la duración y firmeza del inicio ya que cuando tienen hijos la carrera se ralentiza, pero esto es una mínima parte”.  if_023783Con esta frase del galerista Luis Adelantado se confirma una lamentable realidad: el “techo de cristal” también existe en el mundo del arte, y en estos momentos de crisis económica la situación se radicaliza y se prioriza al hombre.

"No sé exactamente lo que habrá pasado este año, pero en la pasada edición solo hubo un 7% de artistas mujeres en la feria y me extrañaría que este año se hubiera multiplicado la cantidad", comenta Francesca Llopis, presidenta de la Unión de asociaciones de Artistas Visuales, en un artículo que hoy publica el diario EL PAÍS. Poco avance parece desde la primera edición celebrada en 1982, cuando fue solo del 4%.

El artículo de El País recoge los datos del último estudio realizado por MAV –Mujeres en las Artes Visuales- tras analizar cerca de mil exposiciones individuales organizadas en 22 centros de arte de toda España en los últimos diez años (entre 2000 y el 2009): Únicamente el 20% eran mujeres artistas, y tan solo el 9,4%, españolas. "El resultado de los informes son siempre peores de lo que pensamos, ya que en alguno de estos centros no han expuesto nunca mujeres españolas", aseguró Rocío de la Villa, crítica de arte y presidenta de la MAV. Los datos sorprenden, aseguró, porque estos centros son de reciente creación y porque el porcentaje de mujeres licenciadas en Bellas Artes no ha parado de crecer a lo largo de los años y es superior al 70% con respecto a los hombres. Según Villa las comparativas demuestran "que nos hallamos ante una discriminación sexista y lejos de un régimen de igualdad de oportunidades que defienden leyes como la del 2007".

No mejora la situación si hablamos de directoras de museos: en Madrid, por ejemplo, sólo 1 de los 20 centros analizados está dirigido por una mujer, y ninguna al frente de la gestión del arte contemporáneo, mientras que en Barcelona son 4 de 15.

En cuanto a los jurados que conceden becas y premios, sobre todo a los jóvenes artistas, la asociación ha comprobado que están formados mayoritariamente por hombres (siete hombres frente a tres mujeres).

Fuentes:

Otros artículos de interés en El País sobre la edición de Arco 2011:

2 oct 2010

Marie Vassilief, una precursora del arte del reciclado

Marie Vassilieff (1884-1957)

   Marie Vassilieff nació en Smolensk, Rusia. En 1903 abandonó sus estudios de medicina para ingresar en la Academia de Bellas Artes de San Petesburgo. En 1906 viajó a Paris y en 1907 entró en la Academie Matisse. Con otros artistas rusos llegados a Paris fundó en 1910 la Academia Rusa de Pintura y escultura, de la que fue directora. Ese mismo año expuso por vez primera en el Salón de los Independientes y en el Salón de Otoño, donde siguió exponiendo regularmente. 
   In 1912 Vassilief fundó su propia academia, la Académie Vassilieff, situada en la Avenue du Maine en Montparnasse. Este lugar fue su taller y punto de encuentro de alguno de los miembros más importantes de la comunidad artística del París de las vanguardias, conocidos como “escuela de Paris”.varias fotos 261

     Durante la Primera Guerra Mundial, Marie Vassilief trabajó en una unidad de ambulancias del ejercito francés, y abrió, en su academia, una cantina para artistas. varias fotos 262

 

 

 

 

 

 

Tras el nacimiento de su hijo Pierre, es ingresada en 1918, como ciudadana rusa sospechosa de bolcheviquismo. De regreso a su estudio de l'avenue du Maine, en Montparnasse, retomó sus actividades artísticas. Abandonando el estilo cubista, se dedicó a pintar niños y maternidades "art decó".

In 1920 Vassilieff colaboró con el diseñador Paul Poiret creando una serie de muñecos-retratos para los Ballets Suédois -Ballets suecos- de Rolf de Maré.
In 1921, Vassilieff participó en la exposición Russian Arts and Crafts en la Whitechapel Gallery, de Londres y en 1925 presentó un mobiliario exhuberante en la Exposition Internationale des Arts Industriels et Décoratifs Modernes, de Paris.

Entre 1922 y 1928 realizó una pintura de temática religiosa.

pilar de La CoupoleEn 1927 participó en la decoración de La Coupole, en el Boulevard Montparnasse.

La pobreza, mezclada con el deseo de notoriedad, le llevaron a anunciar públicamente, en 1929:

“Tras un cuarto de siglo de actividad artística, conocida en toda Europa, vencida por el actual estado de cosas, [Marie Vassilief] suspende hasta nueva orden su oficio de artista, liquidando sus obras al 100% en su estudio del 37 Rue de Froidevaux, París (14), de 4h a medianoche, todos los martes, miércoles, jueves, viernes, sábados y se ofrece como Chica Para Todo. Se come, se ríe, se conversa, se está como en casa. Sed bienvenidos a partir del 1 de febrero.” Firmado: “Marie Vassilief, pintora, escultora, decoradora, 1929.” –Trad. MGBravo-

“Muñecos y máscaras”

IMG_0956(Marie Vassilief en su taller)

Considerada una extravagante, Marie Vassilief puede vincularse a esa categoria de "personajes" que eligieron teatralizar una gran parte de sus actividades extra-pictóricas.

Marie Vassilief encontró una forma  artística más lucrativa que la pintura con la que encauzar su creatividad: la creación de muñecos satíricos, marionetas y vestuario.

“Mis muñecos son en realidad una demostración contra la severa banalidad de la escultura moderna y clásica, que teniendo a su disposición toda la riqueza de la materia, no la sabe explotar.[…] Con mis muñecos intento excitar la imaginación de quien la tiene para que llegue a ver las cosas que no pueden explicarse más que plástica y abstráctamente”. (Trad. MGBravo)

Escena extraída de la película Montparnasse, Eugene Deslaw, 1929

Sus muñecos-retrato, son muñecos de trapo y objetos varios que parodiaban a personajes reconocibles por sus contemporáneos: Matisse, Picasso, el marchante Zborowski, Landru… Podían ser manipulados y puestos en diferentes posturas.

IMG_0958 Marie Vassilief, poupée-portrait

Marie Vassilieff  realizó también muñecos-escultura –poupées-sculptures- teniendo como modelos a Paul Poiret, Blaise Cendrars, Chana Orloff…, “têtes de Pierrot”, muñecos más abstractos, “statuettes” que representaban tipos y posiciones sociales, “Portraits-meubles” –retratos-mueble como la mesa Poiret-…

Entre 1929 y 1930, Vassilief trabajó para el teatro de marionetas “Arc-en-ciel” y experimentó con nuevos materiales como el rhodoïd- un material descubierto por Rhone-Poulenc (de ahí su nombre), conocido como acetato de celulosa- que permitía crear transparencias y reflejar la luz.

En 1937 utilizó las propiedades del rhodoid para crear unos trajes iluminados en una ambiciosa representación  de “Sonnet aux Voyelle” –de Arthur Rimbaud- durante la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne. Ese año pintó, también, el panel “ferrocarriles del Estado” en la Gare Montparnasse.

Con estas creaciones, Marie Vassilief ironizaba sin acritud sobre un mundo que le reprochaba ser demasiado: demasiado bohemia, demasiado rusa, demasiado extravagante, demasiado alcohólica, demasiado Montparnasse…

El taller-academia-cantina de Marie Vassilief es el actual Musée du Montparnasse, situado en un encantador impasse lleno de viñas.

Paris 2010 (760) Bibliografía:

26 jul 2010

El Museo de Rosa Bonheur. Visita guiada

Rosa Bonheur: Biografía

¿DÓNDE?:

 Museo-Estudio de Rosa Bonheur. By (Thomery)

 

7 jul 2010

CARMEN GÓMEZ PÉREZ-NEU

Pintora y autora del libro Galeria universal de pintoras, Editora Nacional, 1964.
Senti curiosidad tras leer su introduccion al libro y he encontrado esta informacion sobre ella:
Biografia (Encontrada en www.ribadavia.com)
Nace en Ribadavia en 1919. Allí pasa su infancia y comienza a destacar y a ser admirada por sus profesores dada la calidad de los dibujos que realiza.
Se traslada a vivir a Vigo donde estudia Comercio en el colegio Cluny, alternando clases de dibujo y pintura.
En 1936 pasa una temporada en Santiago de Compostela donde estudia con el profesor Mariano Tito Vázquez.
Finalizada la guerra civil, va a Madrid y se dedica exclusivamente a la pintura; copia en el Museo del Prado, da clases con Enrique Cubells y con Eduardo Chicharro.
En 1941 hace su primera presentación en público en la Exposición Nacional de Bellas Artes. En este mismo año presenta también, por primera vez, en Galicia, dos cuadros en la Exposición Regional de Bellas Artes en Compostela.
En 1943 contrae matrimonio con Joaquín Robla Díez, que fue alcalde de Ribadavia desde 1957 hasta 1964. También en este año hace su primera exposición individual en la sala Aeollán de Madrid.
En 1949 empieza a interesarse por el mundo celta, y con un grupo de amigos de Ribadavia, visita castros, lugares arqueológicos; experiencia que más tarde se verá plasmada en cuadros sobre este tema.
En 1953, expone en Madrid en la Sala do Circulo Cultural Medina tema “Os Celtas”.
En 1956 realiza las pinturas murales de la Capilla del Colegio Menor Calvo Sotelo de Ourense.
En 1959, expone en el Liceo Recreco Ourensano
En 1960-62, hace una exposición regional de arte en el Museo Municipal de Vigo y una exposición de “Arte Actual en Ourense”, celebrada en Madrid.
Así, hasta hoy en día, no darían estas lineas para cubrir su amplio currículo profesional.
Desde el año 1963 reside en Madrid donde tiene su estudio, en la Plaza España, alternando su estancia en la capital del estado con temporadas en su casa natal de Ribadavia.
Persona con una sensibilidad extraordinaria, posee una importante y tierna colección de monedas de todo las las épocas y países.
Otros datos encontrados:
carmen GPerez-NeuCuadro de Carmen G. Perez-Neu en venta (3.000.-Euros)
Encontrarás este anuncio en http://www.segundamano.es/

17 ene 2010

MUSEOS

NWMA (National Museum of Women in the Arts)
MUSEO MARIE LAURENCIN
GEORGIA O’KEEFFE MUSEUM
Museo FRIDA KAHLO
The Marevna Gallery –Athelhampton-
Le LOUVRE
Museo PABLO GARGALLO. Zaragoza

26 jul 2009


Centre Pompidou, 27 mayo 2009 - 24 de mayo 2010

Por primera vez en el mundo, un museo presenta sus colecciones en femenino. Esta nueva presentación de las colecciones del Museo nacional de arte moderno se dedica totalmente a las mujeres artistas, desde el siglo XX hasta la actualidad.

Tras Big Bang en el 2005 y el Mouvement des Images (El movimiento de las Imágenes) en 2006-2007, elles@centrepompidou es la tercera presentación temática de las colecciones del Centro Pompidou.

Asì la institución que ha sabido constituir la primera colección europea de arte moderno y contemporáneo, puede afirmar su compromiso acerca de las mujeres artistas, de todas nacionalidades y disciplinas, y volver a colocarlas al centro de la historia del arte moderno y contemporáneo del siglo XX y del siglo XXI.

Figuras emblemáticas como Sonia Delaunay, Frida Kahlo, Dorothea Tanning, Joan Mitchell y Maria-Elena Vieira da Silva se codean con las grandes creadoras contemporáneas. Entre ellas Sophie Calle, Annette Messager y Louise Bourgeois han sido el objeto de exposiciones monográficas recientes en el Centro Pompidou.

La programación pluridisciplinaria subraya los ámbitos culturales en los que las mujeres se dedican desde hace un siglo, tanto en literatura como en historia del pensamiento, del baile o también del cine.


RECORRIDO DE LA EXPOSICIÓN

Pioneras
Nivel 5. Abstractas, primitivas, funcionales, urbanas, transdisciplinarias, surreales, amazonas, objetivas... Ocho salas presentan las obras de estas pioneras que han acompañado las vanguardias y las evoluciones, en todos los medios artísticos: Shirley Jaffe, Joan Mitchell, Sonia Delaunay, Natalia S. Gontcharova, Hannah Höch, Frida Kahlo, Judit Reigl, Suzanne Valadon, Diane Arbus, Dora Maar.
LISTADO DE ARTISTAS "PIONERAS":
· Abbott Berenice
· Abraham Janine
· Albin-Guillot Laure
· André Rogi
· Arbus Diane
· Blanchard Maria
· Boom Irma
· Cahun Claude
· Chevalier Yvonne
· Delaunay Sonia
· Dulac Germaine
· Franck Martine
· Frankenthaler Helen
· Freund Gisèle
· Gontcharova Natalia
· Gray Eileen
· Halicka Alice
· Henri Florence
· Hicks Sheila
· Höch Hannah
· Hugo Valentine
· Jaffe Shirley
· Kahlo Frida
· Knoll Basset Florence Margaret
· Krull Germaine
· Laurencin Marie
· Laverrière Janette
· Lempicka Tamara de
· Maar Dora
· Mitchell Joan
· Model Lisette
· Nemours Aurélie
· Orloff Chana
· Penalba Alicia
· Perriand Charlotte
· Reigl Judit
· Richier Germaine
· Rothschild Judith
· Smithson Alison et Peter
· Tanning Dorothea
· Valadon Suzanne
· Varo Remedios
· Vieira da Silva Maria-Elena
· Weiss Sabine

Fuego a voluntad
En apertura en el Nivel 4. Niki de Saint Phalle, Karen Knorr, Rosemarie Trocket entre otras, representan a todas aquellas comprometidas en la historia, feministas, críticas, fotógrafas e intérpretes, con sus visiones personales de la realidad.
LISTADO DE ARTISTAS:
· Abakanowicz Magdalena
· Aeppli Eva
· Aulenti Gae
· Axell Evelyne
· Bajevic Maja
· Barabash Ruth
· Barrada Yto
· Benzaken Carole
· Denes Agnès
· Duras Marguerite
· EXPORT VALIE
· Francken Ruth
· Fraser Andrea
· Friedmann Gloria
· Gallagher Ellen
· Ghazel
· Guerrila Girls
· Horn Rebecca
· Iturbide Graciela
· Ivekovic Sanja
· Jacob Wendy
· Knorr Karen
· Krystufek Elke
· Landau Sigalit
· Lawler Louise
· Meiselas Susan
· Messager Annette
· Moorman Charlotte
· Mréjen Valérie
· Neshat Shirin
· Pane Gina
· Ristelhueber Sophie
· Saint Phalle Niki de
· Schneemann Carolee
· Sedira Zineb
· Simon Taryn
· Spero Nancy
· Tompkins Betty
· Trockel Rosemarie
· Vasquez de la Horra Sandra
· Wilke Hannah

Cuerpo eslogan
Nivel 4. Precoces e inventivas, tanto en fotografía como en vídeo, las mujeres artistas han transformado más recientemente las prácticas del dibujo, revisitando la propia noción del cuerpo. ORLAN, Atsuko Tanaka o Ana Mendieta se han orientado hacia la representación del cuerpo, de sus estereotipos, en particular lo del género, así como su puesta en escena, en los comienzos de la performance.

Eccentric Abstraction
Nivel 4. Esenciales en la redefinición de las categorías visuales y teóricas, las mujeres artistas han comentado y explorado múltiples vías entre la abstracción y la figuración, lo orgánico y lo sistemático, lo conceptual y lo sensual. Como lo demuestran, entre otras, las obras de Louise Bourgeois, Agnes Martin, Vera Molnar, Valérie Jouve, Hanne Darboven.

Una habitación propia
Nivel 4. Juntadas bajo del libro en el que Virginia Woolf se interroga sobre las condiciones de producción de la obra de arte, aquí se puede descubrir las obras de artistas que abordan la cuestión del espacio privado, que tejen nuevos vínculos entre proyecciones mentales y espacios de exposición. Aquí encontramos a Dorothea Tanning, Tatiana Trouvé, Charlotte Perriand, Sophie Calle.
LIstado de ARTISTAS:
· Andrade Sonia
· Bedin Martine
· Boeri Cini
· Bourgeois Louise
· Bourget Marie
· Calle Sophie
· Castelli-Ferrieri Anna
· Ditzel Nanna
· Dumas Marlene
· Elemento Nathalie
· Ellena Véronique
· Export Valie
· Genzken Isa
· Hatoum Mona
· Huws Bethan
· Jeong-a Koo
· Lamiel Laura
· Messager Annette
· Mori Mariko
· Nevelson Louise
· Nicola L.
· Paradeis Florence
· Perriand Charlotte
· Quarante Danielle
· Rist Pipilotti
· Rosler Martha
· Saint Phalle Niki de
· Schneider Anne-Marie
· Skoglund Sandy
· Tanning Dorothea
· Tribel Annie
· Trouvé Tatiana
· Vignelli Lella
· Von Wulffen Amelie

La palabra a la obra
Nivel 4. Desde la narración hasta la enumeración, pasando por la autobiografía, la cita, la leyenda y las múltiples derivas del libro de artista, creadoras como Jenny Holzer, Barbara Kruger, Natacha Lesueur, Cristina Iglesias, Eija-Liisa Ahtila exploran los usos distintos del lenguaje en el arte. Arte conceptual, mitologías cotidianas, apropiación y post-modernismo, utilizan la palabra como medio, mientras que las instalaciones de vídeo redefinen la idea de narración.
LISTADO DE ARTISTAS:
· Aballéa Martine
· Abramovic Marina
· Ahtila Eija-Liisa
· Antin Eleanor
· Benglis Lynda
· Benning Sadie
· Calle Sophie
· Dean Tacita
· Geiger Anna Bella
· Gonzales Forsters Domnique
· Grau (groupe)
· Holzer Jenny
· Iglesias Cristina
· Knorr Karen
· Kruger Barbara
· Kubelka Bondy Friedl
· Lesueur Natacha
· Lublin Léa
· Messager Annette
· Melikian Nathalie
· Mouraud Tania
· Pane Gina
· Smith Alexis
· Trockel Rosemarie
· Thurnauer Agnès
· Vergier Françoise
· Yalter Nil

Las Inmateriales
Nivel 4. Matali Crasset, Alisa Andrasek, Tacita Dean, Louise Campbell, Isa Genzken, Nancy Wilson-Pajic, Geneviève Asse, entre otras, concluyen sobre una de las características más sorprendentes del arte contemporáneo, es decir la desmaterialización de la obra de arte. Su título es un guiño a una de las exposiciones culto del Centro Pompidou: Les immatériaux (Los inmateriales).
LISTADO DE ARTISTAS:
Liste des artistes exposées
· Anderson Laurie
· Andraseck Alisa
· Asse Geneviève
· Ballet Elisabeth
· Blees Luxemburg Rut
· Bloch Pierrette
· Boom Irma
· Campbell Louise
· Coutas Evelyne
· Crasset Matali
· De Bevilacqua Carlotta
· Front
· Gautrand Manuelle
· Genzken Isa
· Greiman April
· Hadid Zaha
· Hutchins Alice
· Kubisch Christina
· Levrant de Bretteville Sheila
· Lutter Vera
· Martin Agnes
· Nemours Aurelie
· Ono Yoko
· Onodera Yuki
· Oppenheim Kristin
· Reigl Judit
· Reist Delphine
· Renouf Edda
· Rickett Sophy
· Shiomi Mieko
· Smith Patti
· Smith Seton
· Somers Wieki
· Sosnowska Monika
· Strba Annelies
· Strunz Katja
· Varela Cybèle
· Villiger Hannah
· Wilson Pajic Nancy
Con motivo de la exposición «elles@centrepompidou», el Centre Pompidou y Ina han creado la página web http://elles.centrepompidou.fr/. Allí se puede recorrer virtualmente parte de la exposición, ver vídeos de archivo sobre algunas de las artistas presentes, reproducciones de las obras y más información.
También puedes verlos en nuestra MEDIATECA


16 jun 2009

Tamara de Lempicka. Exposición en México.

El Museo del Palacio de Bellas Artes de México inauguró, el pasado 4 de junio, una exposición retrospectiva dedicada a Tamara de Lempicka, una de las grandes artistas del siglo XX. Además de excelente dibujante, la pintora es considerada pieza clave del Art decó y la única retratista dentro de ese estilo, desarrollado entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. La obra –sin duda fascinante– de Tamara de Lempicka ha sido presentada en diversas exposiciones en Europa y los Estados Unidos; al tiempo que se cotiza dentro del mercado del arte en varios millones de dólares. Sin embargo, la exposición del Palacio de Bellas Artes –espacio que sin duda se presta a tal propósito como pocos otros, dadas las características estilísticas de sus interiores– es la primera de tal amplitud en toda Latinoamérica.

Tamara de Lempicka, en el Palacio de Bellas Artes, es una exposición “de gabinete”, conformada por 87 obras, entre óleos, dibujos y fotografía. Éstas provienen de colecciones privadas de España, Francia, Estados Unidos (entre ellas, la del actor Jack Nicholson) y México; así como de 10 museos en Francia y el Museo de Varsovia. Uno de los intereses de la muestra es, precisamente la reunión de todas estas piezas procedentes de diferentes puntos del globo. Dado que los coleccionistas y las instituciones reciben cada vez más solicitudes de préstamo de las obras de Tamara de Lempicka, la complejidad de la organización de una exposición retrospectiva aumenta a tal punto que, en opinión de Alain Blondel, ésta puede ser la última en su género.


La exposición está dividida en 4 núcleos temáticos. A saber: Olvido y descubrimiento, dedicado a sus diversas influencias (por ejemplo, en algunas naturalezas muertas), y a los temas relacionados con la guerra, la pobreza y la religión. En el siguiente apartado, Pintora de los años locos, se deja sentir toda la fuerza y el talento de la artista, de manera muy especial en sus personajes femeninos. Sujetos y afectos reúne una serie de cuadros de diferentes fechas, habiendo sido una parte fundamental de su producción los retratos de familiares, mecenas, personajes del mundo intelectual y de la sociedad. En esta sección resulta ciertamente sorprendente la variedad de recursos técnicos que Tamara era capaz de utilizar para conseguir la contundencia de la expresión. Finalmente, Narcisismo a contraluz, está dedicado a los temas del erotismo y la vida nocturna. Los espléndidos desnudos llaman poderosamente la atención, con sus particulares proporciones, su frontalidad y su cercanía.
El recorrido incluye, además, a lo largo de las cuatro salas, una serie de fotografías y reproducciones en gran formato de Tamara de Lempicka, de manera que el personaje de la artista está siempre presente. Al final, un espacio audiovisual ofrece a los visitantes un breve recorrido por la vida y la obra de la artista, así como la oportunidad de ver algunas imágenes más de su persona.
La exposición Tamara de Lempicka estará en el Museo del Palacio de Bellas Artes hasta el 2 de agosto de 2009.
Más: TAMARA DE LEMPICKA: nuestro blog especial dedicado a la artista (Biografía-Obras-Tamaramanía...)
Tamara de Lempicka en la BIBLIOTECA DE MUJERES ARTISTAS
Sobre esta exposición:

7 abr 2009

Remedios Varo. La aventura del saber

El programa de televisión "La aventura del saber" emitió el pasado 31 de marzo de 2009 un programa dedicado a la pintora española Remedios Varo.
Tras los comentarios de la escritora Julia Navarro -y algunas cuestiones sobre la ONU y la pena de muerte que quitaré del vídeo cuando pueda - un documental recorre la biografía y la obra de Remedios Varo. Con aportaciones de su sobrina, BeatrizVaro, de Marina Nuñez y de Juan Manuel Bonet.




20 feb 2009

MARÍA BLANCHARD (Santander, 1881- Paris, 1932)


   El 6 de marzo de 1881 nació en Santander María Gutiérrez Blanchard, primogénita del matrimonio formado por Enrique Gutiérrez Cueto y Concepción Blanchard Santisteban. María nació con una deformidad, producida por una caída sufrida por su madre durante el embarazo. Su joroba, cojera, enanismo y miopía marcaron su vida convirtiéndola en una persona solitaria, pese a los cuidados y la atención constante con la que sus padres quisieron recompensarle.
   Pronto empezó a mostrar grandes dotes para el dibujo y su padre aceptó que María se trasladara a Madrid para estudiar con el pintor Emilio Sala, en 1902.
   Tras la muerte de su padre, en 1904, la familia se trasladó a Madrid y María continuó sus estudios de pintura con diferentes maestros.
   En 1906 presentó su obra "Gitana" a la Exposición Nacional de Bellas Artes, y en 1908 obtuvo la Tercera Medalla por su obra "Los primeros pasaos".
   En 1909 se trasladó a Paris, donde asistió a la Academia Vitti, con Hermen Anglada Camarasa, que le enseñó a superar el academicismo y usar libremente los colores, y Kees Van Dongen, que le acercó a la estética fauvista, como profesores.
   En 1910 obtuvo la Segunda Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes por su cuadro "Ninfas encadenando a Sileno".

   En Paris, donde siguió viviendo los años siguientes, María mantuvo estrecha relación con los pintores Diego Rivera, Angelina Beloff y Jacques Lipchitz, con quienes se encontraba de viaje en Mallorca cuando les sorprendió el estallido de la I Guerra Mundial, en 1914.
   Ante la imposibilidad de regresar a Paris, el grupo se traslada a Madrid, donde María comparte estudio con Diego Rivera, en la calle Goya, y se encuentra con los pintores Marie Laurencin, Foujita y el matrimonio formado por Robert y Sonia Delaunay.
   En 1915 Ramón Gómez de la Serna organizó la exposición Pintores Integros, primera muestra de Arte de vanguardia que se celebró en el Salón de Arte Moderno de Madrid, y en la que participaron, entre otros, Diego Rivera y la propia María Blanchard. La exposición fué un fracaso y su obra "Venus de Madrid", hoy en paradero desconocido, causó un gran escándalo.

   Obligada por la precaria situción económica de su familia, María aceptó la cátedra de dibujo en la Escuela Normal de Salamanca, pero las burlas de sus alumnos respecto a su aspecto físico le hicieron abandonar la enseñanza y trasladarse definitivamente a Paris, donde se alojó en casa de su amigo Juan Gris y comenzó a integrarse en un nuevo movimiento artístico: el cubismo.
   En 1918 conoció al galerista Leonce Rosenberg, propietario de "L'Effort Moderne", y a los pintores André Lothe, Francis Picabia y George Braque. Comenzó a exponer y fué bien considerada por la crítica. Participó en exposiciones internacionales y su obra se incluyó las muestras del Salon des Indépendants.
    Pero María Blanchard fué abandonando poco a poco el cubismo e inclinándose hacia la figuración. Perdió el apoyo de Leonce Rosenberg y volvió a sufrir dificultades económicas, hasta que el mecenas belga Frank Flausch le ofreció un contrato mensual que le permitió seguir pintando y exponiendo hasta 1926, cuando su amigo y mecenas murió.
    La muerte de su otro gran amigo, Juan Gris,en 1927, sus problemas de salud agravados por la tuberculosis y el hecho de tener que hacerse cargo de su hermana Carmen y sus sobrinos, que buscaron refugio en su casa, llevaron a María Blanchard a un gran aislamiento y a la búsqueda de consuelo en la religión, llegando a plantearse entrar como novicia en el convento de las Ursulinas de Paris, pero fué disuadida por su confesor.
   Durante sus últimos años, su salud siguió empeorando y sus apuros económicos, teniendo que mantener a su familia, siguieron aumentando, lo que llevó a María Blanchard a caer en un delirio obsesivo, pintando flores de extraños colores.
   María Gutiérrez Blanchard murió a los cincuenta y un años en su estudio de la calle Boulard de Paris, en abril de 1932.
   Poco después Federico García Lorca escribió su "Elegía a María Blanchard", que él mismo leyó en el Ateneo de Madrid.
BIBLIOGRAFÍA:
  
- VVAA, Fuera de Orden: Mujeres de la Vanguardia Española, Fund. Cultural Mapfre Vida, Madrid, 1999. Catálogo de exposición.
- COMBALÍA, Victoria, Amazonas con pincel: vida y obra de las grandes artistas del siglo XVI al siglo XXI.Ed. Destino, Barcelona, 2006, pp 98-102.

- CAFFIN MADAULE, Liliane, Catalogue raisonné des oeuvres de Maria Blanchard, London, Liliane Caffin Madaule, 1992-94. (2 v.)


- Siete pintores españoles de la Escuela de París : María Blanchard, Juan de Echevarría, Juan Gris, Francisco Iturrino, Joan Miró, Pablo Ruiz Picasso, Daniel Vázquez Díaz, Madrid, Caja de Madrid, 1993

  MÁS:

"Elegía a María Blanchard". Federico García Lorca.

Transcripción de la conferencia pronunciada por Federico García Lorca en el Ateneo de Madrid, poco después de la muerte de María Blanchard, en 1932.

"Señoras y Señores:

Yo no vengo aquí, ni como crítico ni como conocedor de la obra de María Blanchard, sino como amigo de una sombra. Amigo de una dulce sombra que no he visto nunca pero que me ha hablado a través de unas bocas y de unos paisajes por donde nunca fue nube, paso furtivo o animalito asustado en un rincón. Nadie de los que me conocen pueden sospechar esta amistad mía con María Gutiérrez Cueto, porque jamás hablé de ella, y aunque iba conociendo su vida a través de relatos originales siempre volvía los ojos al otro lado, como distraído, y cantaba un poco porque no está bien que la gente sepa que un poeta es un hombre que está siempre ¡por todas lascosas! a punto de llorar.
    ¿Usted conocía a María Blanchard? Cuénteme...
   Uno de los primeros cuadros que yo vi en la puerta de mi adolescencia, cuando sostenía ese dramático diálogo del bozo naciente con el espejo familiar, fue un cuadro de María. Cuatro bañistas y un fauno. La energía del color puesto con la espátula, la trabazón de las materias y el desenfado de la composición me hicieron pensar en una María alta, vestida de rojo, opulenta y tiernamente cursi como una amazona.
   Los muchachos llevan un carnet blanco, que no abren más que a la luz de la luna, donde apuntan los nombres de las mujeres que no conocen para llevarlas a una alcoba de musgos y caracoles iluminados, siempre en lo alto de las torres. Esto lo cuenta Wedekind muy bien y toda la gran poesía lunar de Juan Ramón está llena de estas mujeres que se asoman como locas a los balcones y dan a los muchachos que se acercan a ellas una bebida amarguísima de tuétano de cicuta.
   Cuando yo saqué mi cuartilla para apuntar el nombre de María y el nombre de su caballo me dijeron: "es jorobada".
   Quien ha vivido como yo y en aquella época en una ciudad tan bárbara bajo el punto de vista social como Granada, cree que las mujeres o son imposibles o son tontas. Un miedo frenético a lo sexual y un terror al "que dirán" convertían a las muchachas en autómatas paseantes, bajo las miradas de esas mamás fondonas que llevaban zapatos de hombre y unos pelitos en el lado de la barba.
   Yo había pensado con la tierna imaginación adolescente que quizá María, como era artista, no se reiría de mí por tocar al piano "latazos clásicos", o por intentar poemas, no se reiría, nada más, con esa risa repugnante que muchachas y muchachos y mamás y papás sucios tenían para la pureza y el asombro poético, hasta hace unos años, en la triste España del 98.
   Pero María se cayó por la escalera y quedó con la espalda combada expuesta al chiste, expuesta al muñeco de papel colgado de un hilo, expuesta a los billetes de lotería.
   ¿Quién la empujó? Desde luego la empujaron; "alguien", Dios, el demonio, alguien ansioso de contemplar a través de pobres vidrios de carne la perfección de un alma hermosa.
   María Blanchard viene de una familia fantástica. El padre un caballero montañés, la madre una señora refinada; de tanta fantasía que casi era prestidigitadora. Cuando anciana iban unos niños amigos míos a hacerle compañía y ella, tendida en su lecho, sacaba uvas, peras y gorriones de debajo de la almohada. No encontraba nunca las llaves y todos los días tenía que buscarlas y las hallaba en los sitos más raros, por debajo de las camas o dentro de la boca del perro. El padre montaba a caballo y casi siempre volvía sin él, porque el caballo se había dormido y le daba lástima el despertarlo. Organizaba grandes cacerías sin escopetas y se le borraba con frecuencia el nombre de su mujer. En esta distracción y este dejar correr el agua, María Gutiérrez se iba volviendo cada vez más pequeña, una mano le tiraba de los pies y le iba hundiendo la cabeza en su cuerpo como un tubo de "Don Nicanor que toca el tambor".
   En este tiempo que corresponde a la apoteosis final de Rubén, vi yo el único retrato de María que he visto, y era una criatura triste, no sé de quién, en la que está al lado de Diego Rivera el pintor mexicano, verdadera antítesis de María, artista sensual que ahora, mientras que ella sube al cielo, él pinta de oro y besa el ombligo terrible de Plutarco Elías Calles.
   En la época en que María vive en Madrid y cobija en su casa a todo el mundo, a un ruso, a un chino, a quien llame a la puerta, presa ya de este delicado delirio místico que ha coronado con camelias frías de Zurbarán su tránsito en París.
   La lucha de María Blanchard fue dura, áspera, pinchosa, como rama de encina, y sin embargo no fue nunca una resentida, sino todo lo contrario, dulce, piadosa, y virgen.
   Aguantaba la lluvia de risa que causaba, sin querer, su cuerpo de bufón de ópera, y la risa que causaban sus primeras exposiciones, con la misma serenidad que aquel otro gran pintor, Barradas, muerto y ángel, a quien la gente rompía sus cuadros y él contestaba con un silencio recóndito de trébol o de criatura perseguida.
   Aguantaba a sus amigos con capacidad de enfermera, al ruso que hablaba de coches de oro, o contaba esmeraldas sobre la nieve, o al gigantón Diego Rivera que creía que las personas y las cosas eran arañas que venían a comerlo, y arrojaba sus botas contra las bombillas y quebraba todos los días el espejo del lavabo.
   Aguantaba a los demás y permanecía sola, sin comunicación humana, tan sola, que tuvo que buscar su patria invisible, donde corrieran sus heridas mezcladas con todo el mundo estilizado del dolor.
   Y a medida que avanzaba el tiempo, su alma se iba purificando y sus actos adquiriendo mayor trascendencia y responsabilidad. Su pintura llevaba el mismo camino magistral, desde el cuadro famoso de "La primera comunión" hasta sus últimos niños y maternidades, pero atormentada por una moral superior daba sus cuadros por la mitad del precio que le ofrecían, y luego ella misma componía sus zapatos con una bella humildad.
   La vida y pasión de Cristo fue tomando luz en su vida y, como el gran Falla, buscó en ella norma, dogma y consuelo. No con beatería, sino con obras, con grave dolor, con claridad, con inteligencia. Lo más español de María Blanchard es esta busca y captura de Cristo, Dios y varón realísimo; no al modo de la fantástica Catalina de Siena que se llega a casar con el niño Jesús y en vez de anillos se cambian corazones, sino de un modo seco, tierra pura y cal viva, sin el menor asomo de ángeles o milagro.
   Su cintura monstruosa no ha recibido más caricia que la de ese brazo muerto y chorreando sangre fresca, recién desclavado de la cruz.
   Ese mismo brazo fue el que, lleno de amor, la empujó por la escalera para tenerla de novia y deleite suyo, y esa misma mano la ha socorrido en el terrible parto, en que la gran paloma de su alma apenas si podía salir por su boca sumida. No cuento esto para que meditéis su verdad o su mentira, pero los mitos crean al mundo, y el mar estaría sordo sin Neptuno y las olas deben la mitad de su gracia a la invención humana de la Venus.
   Querida María Blanchard: dos puntos... dos puntos, un mundo, la almohada oscurísima donde descansa tu cabeza...
   La lucha del ángel y el demonio estaba expresada de manera matemática en tu cuerpo.
   Si los niños te vieran de espaldas exclamarían: "¡la bruja, ahí va la bruja!". Si un muchacho ve tu cabeza asomada sola en una de esas diminutas ventanas de Castilla exclamaría: "¡el hada, mirad el hada!". Bruja y hada, fuiste ejemplo respetable del llanto y claridad espiritual. Todos te elogian ahora, elogian tu obra los críticos y tu vida tus amigos. Yo quiero ser galante contigo en el doble sentido de hombre y de poeta, y quisiera decir en esta pequeña elegía, algo muy antiguo, algo, como la palabra serenata, aunque naturalmente sin ironía, ni esa frase que usan los falsos nuevos de "estar de vuelta". No. Con toda sinceridad. Te he llamado jorobada constantemente y no he dicho nada de tus hermosos ojos, que se llenaban de lágrimas, con el mismo ritmo que sube el mercurio por el termómetro, ni he hablado de tus manos magistrales. Pero hablo de tu cabellera y la elogio, y digo aquí que tenías una mata de pelo tan generosa y tan bella que quería cubrir tu cuerpo, como la palmera cubrió al niño que tú amabas en la huída a Egipto. Porque eras jorobada, ¿y qué? Los hombres entienden poco las cosas y yo te digo, María Blanchard, como amigo de tu sombra, que tú tenías la mata de pelo más hermosa que ha habido en España."

8 feb 2009

Mujeres Artistas: Textos / Artículos / Ensayos





-“Maika Rivera: obituario”

- Vorticismo
- BRESLAU versus BARKITSHEFF, Janet Flanner (1927)
- Rebuscando en la biblioteca de Remedios Varo: otra excusa para una nueva exposición
- "Elegía a María Blanchard". Federico García Lorca
- "Sonia Delaunay: Arte y moda".
- "El ángel del hogar": un modelo de mujer en el siglo XIX
- "Suzanne Valadon y Erik Satie: Arte, música y una relación tempestuosa".
- "Vexations, o cómo sobrevivir a Suzanne Valadon".
- "Artistas Australianas en Paris: un descubrimiento".
- "Leonora Carrington, Max Ernst y el surrealismo, según AnaïsNin".
- Maruja Mallo. Obituario-
-"Maruja Mallo: Magia de meigas"
- "Meraud Guinness Guevara, ma mère", Alladine Guevara.
- "Eva Bonnier: 1857-1909".
- "Transgresiones: Ellas llevan los pantalones". Mercedes G. Bravo
- "Especial Centenario: Frida Kahlo". Recopilación de blogs.
- "El ángel del hogar: un modelo de mujer en el s.XIX".Mercedes G. Bravo
- 46, Gordon Street: Vanessa Bell y Virginia Woolf
- "12 rue Cortot: un estudio, tres artistas"
- "Suzanne Valadon y su hijo, Maurice Utrillo". Y lo que no es lo mismo, aunque lo parezca:
- "Maurice Utrillo y su madre, Suzanne Valadon"
- "Dos mujeres del entorno surrealista: Remedios Varo y Claude Cahun".

7 feb 2009

Mujeres Artistas: BIOGRAFÍAS / CRONOLOGÍAS





- SÉRAPHINE Louis (Séraphine de Senlis)
- TOYEN (Maria Cerminova)
- Suzanne VALADON
- Remedios VARO (Documental. Vídeo)
Remedios Varo:Contacto con las vanguardias (1932-1937)
Remedios Varo:Surrealista en Paris (1937-1941)

29 dic 2008

Louise Breslau (1856-1927)

Louise C. Breslau: Autorretrato
Marie Louise-Catherina Breslau nació en Munich el 6 de diciembre de 1856 en el seno de una próspera familia burguesa. Creció en Zúrich, donde su padre, médico, aceptó el puesto de jefe del servicio de ginecología en la universidad. La repentina muerte de su progenitor a causa de una infección en 1866, cuando Louise Breslau tenía tan sólo siete años, le llevó a decidirse años después por una vida profesional. Con 20 años se trasladó a París a estudiar en la Académie Julian, donde fue alumna, entre 1878 y 1881, del pintor Tony Robert-Fleury. Visitó Inglaterra y después viajó por Europa a Italia, Alemania y Holanda.
(Retrato de Mlle. M. Zillhardt. Louise Breslau)

Hacia 1886 estableció su residencia en Neuilly-sur-Seine junto a Madeleine Zillhardt, amiga y compañera de estudios con quien vivió durante 40 años, hasta su muerte. Participó en todos los salones de París celebrados entre 1879 y 1889, y en sus catálogos siempre tuvo un agradecido recuerdo a todo lo aprendido junto a Robert-Fleury. Como las de su maestro, sus obras de estos años eran escenas de género y retratos, entre los que destacan el del escritor Michael Georg Conrad (1882, Historisches Museum, Baden), del escultor Jean Carriés (Musée du Petit Palais, París] o del.pintor suizo Ernst Josephson (Castle Museum, Grispsholm). Su obra mereció la atención de Jean-Louis Forain, Henri Fantin-Latour y, sobre todo, de Edgar Degas, que expresó en numerosas ocasiones su admiración por la obra de la artista.
En 1889 fue una de los fundadores de la Société Nationale des Beaux-Arts, donde expuso regularmente hasta su fallecimiento. A partir de 1895 se especializó en retratos de niños y muchachas jóvenes, que desde 1900 le darían celebridad. Otro de tos temas por los que su obra fue reconocida fueron las pinturas de flores, que llevaron a Robert de Montesquiou a decir en 1904: "…; la señorita Breslau, delicada pintora de retratos, pinta las flores como a las mujeres". Sus contemporáneos se referían a ella como pintora intimista por la temática de su obra, su luminosa paleta y la penetración psicológica que evidenciaban sus retratos.
Alcanzó el éxito social y público hacia 1900: fue galardonada con las medallas de oro de las exposiciones celebradas en París en 1889 y 1900; en 1901 le fue otorgado el título de Caballero de la Légion de Honor. Ese mismo año celebró su primera exposición en solitario, en la Künstlerhaus de Zúrich. Años después, en 1910 y 1926, la prestigiosa Galerie Durand-Ruel de París le organizó sendas exposiciones individuales. Adquirieron sus obras numerosos museos suizos y franceses, como el Musée d'Art et d'Histoire de Ginebra, el Kunstmuseum de Berna y el Louvre de París.
Durante los años de la Primera Guerra Mundial abandonó los retratos de niños y mujeres, y se dedicó fundamentalmente a retratar a oficiales del ejército. Por otro lado, su tradicional enfoque de la pintura se resintió con la aparición de las nuevas tendencias vanguardistas, lo que la apartó de su activa vida artística anterior a la guerra.
Pasó sus últimos años inválida en Neuilly, donde murió el 12 de mayo de 1927 a consecuencia de las secuelas de una operación,.
Madeleine Zillhardt, heredera de Louise Breslau, se dedicó desde entonces a velar por su obra.
En 1928 L'école des Beaux-Arts de Paris reunió 195 obras de la artista en una exposición conmemorativa.
En 1930 Madeleine Zillhardt donó una treintena de cuadros al museo de Beaux-arts de Dijon y en 1932 escribió « Louise Breslau et ses amis ».
Pero como ha sido habitual en lo referente a la obra de tantas mujeres artistas, pese a haber conocido el éxito, sus cuadros cayeron en el olvido y no salieron de la sombra hasta el año 2006, cuando fueron expuestos en Dijon –del 18 de noviembre al 27 de febrero- en una muestra titulada « En la intimidad del retrato » -Dans l'intimité du portrait-.

9 jul 2008

12 rue Cortot : un estudio, tres artistas.

" Utrillo, Valadon, Utter - 12, rue Cortot : un atelier, 3 artistes ", es el título de la exposición que el Musée Utrillo-Valadon, en Sannois (1 abril- 31 de julio 2008) dedica al trío formado por los pintores Suzanne Valadon, Maurice Utrillo, su hijo, y André Utter, su amante. Se trata de una exposición itinerante que ya se ha podido ver anteriormente en otros lugares y probablemente lo siga haciendo.
Nos muestra el contexto en el que se desarrolló la relación que vivieron los tres pintores , en el estudio del número 12 de la Rue Cortot, en Montmartre, el edificio que actualmente alberga el Musée de Montmartre.
Durante más de veinte años, la tribu Valadon vivió en la colina -la Butte- en un ambiente de novela rusa. La maldita trinidad era conocida por sus explosiones pasionales, que estremecían la vieja calle Cortot.
La exposición se encuadra en la conmemoración del setenta aniversario de la muerte de Suzanne Valadon, el 7 de abril de 1938, y reúne cuarenta obras, pinturas y dibujos, de Suzanne Valadon (1865-1938), Maurice Utrillo (1883-1955) y André Utter (1886-1948), pertenecientes a colecciones públicas y privadas (Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Paul Dini, Musée des Beaux-Arts de Nantes), realizadas, la mayoría, entre 1909 et 1935.
La muestra permite comparar las obras de tres artistas que trabajaban juntos en el mismo estudio, pintaban los mismos temas y motivos y se tenían como modelos respectivos, como se aprecia en alguna de las obras presentadas: Etude pour Le Lancement du filet (Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, 1914) de Valadon et Portrait de Suzanne Valadon nue (collection privée, vers 1913) de Utter.
Numerosa fotografías que acompañan las obras muestran el interior del 12, rue Cortot, el lugar donde vivían y creaban.
Artículos sobre SUZANNE VALADON
Artículos sobre MAURICE UTRILLO




25 may 2008

Retrato de Erik Satie. Suzanne Valadon

El Retrato de Eric Satie es una pequeña obra alargada y de dimensiones poco habituales.
Suzanne Valadon parece haber cortado bruscamente los brazos del músico, enfatizando con esta verticalidad el aspecto del modelo, cuyo rostro emerge del negro que le rodea, iluminado por el cuello blanco sobre el que parece asentarse, convencionalmente situado en el centro de la composición y ocupando tres cuartos del total de la obra.
La intensidad de la mirada, enfrentada a la del espectador, tras los impertinentes que siempre llevaba, el bigote engominado, el pelo descuidado y el alto sombrero negro son los únicos atributos que dotan de personalidad al retratado, un Erik Satie que por entonces tenía 26 años y había comenzado, con la pintora y modelo Suzanne Valadon, la primera y unica relación amorosa que tuvo en su vida.
Si bien esta obra tiene toda la personalidad de Valadon, se pueden apreciar en el Retrato de Erik Satie algunas influencias. La fuerte y abrumadora presencia de la imágen evoca alguna de las obras de Toulousse Lautrec - su Aristide Bruand, por ejemplo-; Cezanne está presente en la forma de aplicar el color, y la economía de trazos con la que construye la imágen está cercana a la tradición caricaturesca y satírica de muchos artistas de Montmartre.
Artículos relacionados:

"VEJACIONES". O cómo sobrevivir a Suzanne Valadon

Santiago Rusiñol: Retrato de Erik Satie al piano


"Vexations" es el título de una pieza musical escrita por Erik Satie e inspirada, al parecer, en su relación amorosa con Suzanne Valadon.
En apariencia es extremadamente simple.
Lo que la convierte en una obra de difícil interpretación es la nota añadida por Satie a la partitura:

"Hay que advertir que para tocar esta pieza 840 veces consecutivas, uno debe prepararse previamente, en profundo silencio y completa inmovilidad".

Esta enigmática instrucción, en una partitura que sólo ocupa una página bajo el título "Vexations", ha convertido esta pieza para piano en una auténtica leyenda de la historia de la música experimental.
Salió de oscuridad en 1949, cuando Henri Sauget, un amigo de Satie en sus últimos años, se la dió a conocer a John Cage, que se interesó en su concepto pero rechazó la posibilidad de una representación.
"Vexations", realmente, es un reto para el oído y para la vista del intérprete, que al repetirlo tantas veces, tiene dificultades para recordarlo y debe mantener una intensa concentración para no cometer errores, comenzando cada repetición como si fuera la primera. Una y otra vez, 840 veces...
... Aunque la verdad es que no dice que el intérprete deba repetirla 840 veces. Sólo dice: "para tocar esta pieza 840 veces..."
¿...Podrían ser menos repeticiones..., podrían ser más...? Nunca lo sabremos, porque la partitura no fué publicada por Satie durante su vida ni fué representada públicamente.
Hermético, obsesivo y catársico, podemos imaginar a Erik Satie, bohemio, afectado, excéntrico y pobre, repitiendo las mismas simples notas, una y otra vez, concentrado hasta la ofuscación, en su pequeña habitación de Paris, del 6 rue de Cortot, a pocos pasos del estudio donde vivía Suzanne Valadon -en el número 12 de la misma calle-.
Santiago Rusiñol: Erik Satie


Artículos relacionados:

24 may 2008

Suzanne Valadon y Erik Satie: arte, música y una relación tempestuosa.

La pintora y modelo Suzanne Valadon (1865-1938) mantuvo, desde enero hasta junio de 1893, seis meses de intensa relación amorosa con el músico Erik Satie. Una relación que parece haber sido la única que tuvo el músico en toda su vida, y sólo una más de las muchas de la pintora.
Esta desigual relación comenzó cuando el músico, conocido como el "padre de la música moderna" conoció a Suzanne Valadon, "la terrible Marie", en el Auberge du Clou, un bullicioso y barato local de Pigalle, donde él tocaba el piano (abajo, en la imágen , ca 1890-1990)
Esa misma noche, el 14 de enero de 1893, Erik Satie propuso matrimonio a Suzanne Valadon. Obsesionado con la artista, a la que llamaba su "Biqui", le escribía apasionadas notas en las que hablaba de "todo su ser, de sus hermosos ojos, de sus dulces manos y sus pequeños pies".
El fin de la relación, sólo seis meses después, dejó a Satie sin "nada excepto una helada soledad que llena el cerebro de vacío y el corazón de tristeza".
Suzanne Valadon hizo un retrato de Satie ( imagen de la derecha) y se lo regaló a él.
Erik Satie compuso dos piezas musicales inspiradas en Valadon... y se las quedó.
Las partituras aparecieron juntas, tras la muerte de Satie, en su habitación de Arceuil.
Se trata de las piezas "Bonjour, Biqui, bonjour!" -que fué compuesto por Erik Satie como regalo de Pascua para Suzanne Valadon el 2 de abril de 1893 (imágen de la izquierda), y de "Vexations", una hermética pieza musical con la que Satie, de forma casi catársica, intenta reflejar el dolor que sentía por el fin de su relación con Valadón.
(Mercedes García Bravo)


Artículos relacionados:
- Suzanne Valadon y su hijo, Maurice Utrillo (En Una estantería anexa)
- Maurice Utrillo y su madre, Suzanne Valadon (En Una estantería anexa)
- Suzanne Valadon: "eres de los nuestros" (en los archivos de esta Galería de Mujeres)
- Suzanne Valadon: Bibliografía (Biblioteca de Mujeres Artistas)

-12, Rue Cortot: Musée de Montmartre (Ciudad de las Mujeres: Paris)

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