Tras el fallecimiento -el pasado 23 de junio de 2010- de la escultora húngara, naturalizada argentina, Magda Frank, el Museo Oscar Niemeyer le consagra una gran exposición retrospectiva y exhaustiva que puede visitarse hasta el 13 de marzo de 2011 (en la Sala Frida Kahlo). Más información: MAGDA FRANK: Homenaje.
Magda Frank (Fisher) nació el 20 de julio de 1914 en Kolozvar, Transilvania. Comienza sus estudios de arte en la Escuela Superior de Bellas Artes de Budapest, en el taller Beni Ferenczy. Más tarde, continúa sus estudios en la Escuela Superior de Artes Aplicadas de Budapest, en el taller de Miklos Borsos, donde trabaja la piedra, la madera y el metal. Tras abandonar Hungría huyendo de las persecuciones nazis, se instala en Berna, Suiza, donde es acogida por la familia Caille, de la que realiza varios retratos. Más tarde, se traslada a Paris, allí estudia en la Academia Julian, donde tiene por maestro al escultor Gimond, que la guía en sus búsquedas. “Hay que hacer abstracción de la naturaleza; la construcción geométrica es el esqueleto de una escultura”, le dijo. Ya en 1950, embarca rumbo a Buenos Aires, para visitar a su único hermano sobreviviente. Sus obras, empiezan a definirse con un lenguaje propio: los planos, las líneas definidas y las rectas se acentúan cada vez más; la construcción se realiza en triángulos agudos, como una flecha gótica que trata de liberarse de la tragedia terrenal. Luego sus esculturas comienzan a encerrarse sobre ellas mismas. Los triángulos se hacen rectángulos. La composición ortogonal predomina.(…) Leer más…
Casa Museo Magda Frank
La Casa Museo de Magda Frank, abrió sus puertas en 1995, año en que la artista volvió a la Argentina para radicarse definitivamente junto con toda su obra, traída desde Francia. La colección cuenta con obras de todas sus búsquedas; tallas en piedra, maderas, bronces y obra gráfica.
¿Dónde…?
En la calle Vedia 3546, en el barrio de Saavedra, Buenos Aires –Argentina-
Marie Vassilieff nació en Smolensk, Rusia. En 1903 abandonó sus estudios de medicina para ingresar en la Academia de Bellas Artes de San Petesburgo. En 1906 viajó a Paris y en 1907 entró en la Academie Matisse. Con otros artistas rusos llegados a Paris fundó en 1910 la Academia Rusa de Pintura y escultura, de la que fue directora. Ese mismo año expuso por vez primera en el Salón de los Independientes y en el Salón de Otoño, donde siguió exponiendo regularmente. In 1912 Vassilief fundó su propia academia, la Académie Vassilieff, situada en la Avenue du Maine en Montparnasse. Este lugar fue su taller y punto de encuentro de alguno de los miembros más importantes de la comunidad artística del París de las vanguardias, conocidos como “escuela de Paris”.
Durante la Primera Guerra Mundial, Marie Vassilief trabajó en una unidad de ambulancias del ejercito francés, y abrió, en su academia, una cantina para artistas.
Tras el nacimiento de su hijo Pierre, es ingresada en 1918, como ciudadana rusa sospechosa de bolcheviquismo. De regreso a su estudio de l'avenue du Maine, en Montparnasse, retomó sus actividades artísticas. Abandonando el estilo cubista, se dedicó a pintar niños y maternidades "art decó".
In 1920 Vassilieff colaboró con el diseñador Paul Poiret creando una serie de muñecos-retratos para los Ballets Suédois -Ballets suecos- de Rolf de Maré. In 1921, Vassilieff participó en la exposición Russian Arts and Crafts en la Whitechapel Gallery, de Londres y en 1925 presentó un mobiliario exhuberante en la Exposition Internationale des Arts Industriels et Décoratifs Modernes, de Paris.
Entre 1922 y 1928 realizó una pintura de temática religiosa.
La pobreza, mezclada con el deseo de notoriedad, le llevaron a anunciar públicamente, en 1929:
“Tras un cuarto de siglo de actividad artística, conocida en toda Europa, vencida por el actual estado de cosas, [Marie Vassilief] suspende hasta nueva orden su oficio de artista, liquidando sus obras al 100% en su estudio del 37 Rue de Froidevaux, París (14), de 4h a medianoche, todos los martes, miércoles, jueves, viernes, sábados y se ofrece como Chica Para Todo. Se come, se ríe, se conversa, se está como en casa. Sed bienvenidos a partir del 1 de febrero.” Firmado: “Marie Vassilief, pintora, escultora, decoradora, 1929.” –Trad. MGBravo-
“Muñecos y máscaras”
(Marie Vassilief en su taller)
Considerada una extravagante, Marie Vassilief puede vincularse a esa categoria de "personajes" que eligieron teatralizar una gran parte de sus actividades extra-pictóricas.
Marie Vassilief encontró una forma artística más lucrativa que la pintura con la que encauzar su creatividad: la creación de muñecos satíricos, marionetas y vestuario.
“Mis muñecos son en realidad una demostración contra la severa banalidad de la escultura moderna y clásica, que teniendo a su disposición toda la riqueza de la materia, no la sabe explotar.[…] Con mis muñecos intento excitar la imaginación de quien la tiene para que llegue a ver las cosas que no pueden explicarse más que plástica y abstráctamente”. (Trad. MGBravo)
Sus muñecos-retrato, son muñecos de trapo y objetos varios que parodiaban a personajes reconocibles por sus contemporáneos: Matisse, Picasso, el marchante Zborowski, Landru… Podían ser manipulados y puestos en diferentes posturas.
Marie Vassilief, poupée-portrait
Marie Vassilieff realizó también muñecos-escultura –poupées-sculptures- teniendo como modelos a Paul Poiret, Blaise Cendrars, Chana Orloff…, “têtes de Pierrot”, muñecos más abstractos, “statuettes” que representaban tipos y posiciones sociales, “Portraits-meubles” –retratos-mueble como la mesa Poiret-…
Entre 1929 y 1930, Vassilief trabajó para el teatro de marionetas “Arc-en-ciel” y experimentó con nuevos materiales como el rhodoïd- un material descubierto por Rhone-Poulenc (de ahí su nombre), conocido como acetato de celulosa- que permitía crear transparencias y reflejar la luz.
En 1937 utilizó las propiedades del rhodoid para crear unos trajes iluminados en una ambiciosa representación de “Sonnet aux Voyelle” –de Arthur Rimbaud- durante la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne. Ese año pintó, también, el panel “ferrocarriles del Estado” en la Gare Montparnasse.
Con estas creaciones, Marie Vassilief ironizaba sin acritud sobre un mundo que le reprochaba ser demasiado: demasiado bohemia, demasiado rusa, demasiado extravagante, demasiado alcohólica, demasiado Montparnasse…
El taller-academia-cantina de Marie Vassilief es el actual Musée du Montparnasse, situado en un encantador impasse lleno de viñas.
"TENÍA LA SENSACIÓN DE QUE LA ESCENA ARTÍSTICA PERTENECÍA A LOS HOMBRES Y DE QUE YO ESTABA, EN CIERTO SENTIDO, INVADIENDO SUS DOMINIOS. POR ELLO, HACÍA LAS OBRAS Y LUEGO LAS ESCONDÍA. ME ENCONTRABA MÁS CÓMODA SI LAS ESCONDÍA, AUNQUE AL MISMO TIEMPO, NUNCA DESTRUÍ NINGUNA. GUARDÉ CADA PIEZA. NO OBSTANTE, HOY ESTOY HACIENDO UN ESFUERZO POR CAMBIAR." (1979) incluido en el libro " Originals: American Women Artists", de Eleanor Munro y recogido en el capitulo "Apuntes(!979) de L.B., Destrucción del padre(...), Madrid, ed. Síntesis, 2002, pp54.
Louise Bourgeois, fotografiada por Annie Leibovitz
"EL PRIMER SUCESO AFORTUNADO DE MI VIDA CONSISTIÓ EN QUE EL MERCADO ARTÍSTICO DECIDIÓ DEJARME A UN LADO, ASÍ QUE ME QUEDÉ SOLA PARA TRABAJAR A MI AIRE DURANTE QUINCE AÑOS", Publicado en 1986 EN PARKETT, nº9 de una entrevista con Robert Storr. Aparece en L.B. DESTRUCC(...),Madrid, Síntesis, 2002, pp.80.
"UNA HIJA CONSTITUYE UNA DECEPCIÓN. CUANDO SE TRAÍA UNA HIJA A ESTE MUNDO, HABÍA QUE SER PERDONADA. ASÍ, POR EJEMPLO, SE PERDONÓ A MI MADRE GRACIAS A QUE YO ERA LA VIVA IMÁGEN DE MI PADRE. ESE FUÉ MI PRIMER GOLPE DE SUERTE.", Apunte recogido en 1992 por Ammann Verlag, Zurich, en "Louise Bourgeois: Designing by Free Fall", aparece en L.B. destrucción(...) Madrid, Síntesis, 2002 pp 125
"LA NECESIDAD INTERIOR DEL ARTISTA DE SER UN ARTISTA CONECTA ÍNTIMAMENTE CON SU GÉNERO Y SU SEXUALIDAD. LA FRUSTRACIÓN DE LA MUJER ARTISTA Y SU FALTA DE UN PAPEL INMEDIATO DE ARTISTA DENTRO DE LA SOCIEDAD ES CONSECUENCIA DE ESTA NECESIDAD, Y SU IMPOTENCIA (INCLUSO SI LLEGA A TENER ÉXITO) ES CONSECUENCIA DE ESTA NECESARIA VOCACIÓN" Fragmento del texto"tiene el arte un género?, escrito para una mesa redonda en YMCA, N.Y. 16 de feb de 1972, recogido en L.B. destrucción(...), Madrid, Síntesis, 2002, pp.47
"Me sentí atraída del arte porque me aislaba de las difíciles conversaciones en las que mi padre se jactaba de lo bueno y maravilloso que era... Cogí un pedazo de pan blanco, lo mezclé con saliva y moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura empecé a amputarle los miembros con un cuchillo. Considero esto como mi primera solución escultórica. Fue apropiada para el momento y me ayudó. Fue una importante experiencia y determinó ciertamente mi dirección futura."
"Todos los días uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor." Louise Bourgeois. Memoria y Arquitectura. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Catálogo de la exposición del mismo nombre del 16 de noviembre de 1999 al 14 de febrero del 2000.
La escultora francesa Louise Bourgeois murió este lunes, 31 de mayo, a los 98 años de edad en la ciudad de Nueva York, dos días después de sufrir un infarto.
Nacida en Paris, el día de Navidad de 1911, en el seno de una familia dedicada a la restauración y venta de tapices y textiles antiguos, Louise Bourgeois siempre reconoció que su trabajo se inspiraba en las experiencias de su infancia y adolescencia.
Con gran talento para las matemáticas, en la adolescencia comenzó a ayudar en el negocio familiar, reparando pequeñas partes de tapices y añadiendo hojas de parra en los genitales de las figuras desnudas que aparecían en obras destinadas a los pudorosos clientes americanos. En esa época su mujeriego padre introdujo en casa a su joven amante, una inglesa llamada Sadie, que se convirtió en su tutora. Con ella aprendió inglés, y supo de celos y odios.
Todo esto se convirtió en parte de la leyenda de Bourgeois y en clave de su arte. Como artista francesada emigrada, llegó a Nueva York en 1938 y su carrera se desarrolló lentamente. Alcanzó el éxito comercial y de crítica cumplidos los sesenta años. Cuando en 1982 el MOMA de Nueva York le dedicó una retrospectiva –la primera organizada en torno a una mujer- ya era bien conocida, aunque vista como inclasificable, marginal e incluso excéntrica. La exposición la convirtió en la Gran Dama del Arte americano.
Ese mismo año, el fotógrafo Robert Mapplethorpe realizó varios retratos de Bourgeois que se ha hecho célebres.
Louise Bourgeois realizó esculturas en todo tipo de soporte y medio, realizó también grabados y dibujos, creó instalaciones claustrofóbicas, pequeñas muñecas de trapo y gigantescas arañas de metal, criaturas con múltiples pechos, manos esculpidas en mármol, objetos sexuales y extraños que sugieren secretos y una violencia apenas escondida.
Su reconocido prestigio internacional viene avalado por los premios recibidos: Grand Prix en Escultura del Ministerio de Cultura Francés (1991), León de Oro en la 48 Bienal de Venecia; Praemium Imperiale, Asociación Japonesa de Arte (1999) y Wexner Prize Wall de Wexner Center for the Arts de la Ohio State University (1999).
El año 2008 Louise Bourgeois recibió el Premio Aragón-Goya "por la trayectoria de una obra que, con una singular visión femenina en donde la introspección psicoanalítica se funde con la narratividad, es deudora directa de las consecuencias que el arte de Goya tiene en el presente". El mismo año se celebró una retrospectiva en el Centre Pompidour, de Paris
A pesar de haber vivido gran parte de su vida en Estados Unidos y contar con la nacionalidad de ese país, el presidente de Francia, Nicolas Sarkozy, ya ha decidido conceder la Legión de Honor como homenaje a la "gran artista" fallecida.
Sin duda se ha ido una de las artistas más originales.
Jessie Lipscomb, escultora inglesa, nació el 13 de junio de 1861, en Grantham. Su padre era encargado en una mina de carbón y su madre camarera. En 1875 la familia se trasladó a Peterborough.
Jessie Lipscomb ingresó en la National Art Training School, en South Kensington. En 1882 ganó el Queen's Prize y en 1883 una Medalla de Plata.
Viajó a Paris para continuar su aprendizaje, visitando allí a dos antiguas estudiantes de la National Art Training School : Amy Singer y Emily Fawcett,que compartían el estudio que Camille Claudel tenía en el 117 Rue Notre Dame des Champs.En enero de 1884 la madre de Camille escribió a Jessie confirmando el acuerdo por el que se alojaría con la familia Claudel por 200 francos mensuales.
Camille Claudel, trabajando en la escultura “Sakuntala”, y Jessie Lipscomb (1886)
Jessie Lipscomb, trabajando en una escultura
En 1886 Jessie y Camille viajaron juntas a Inglaterra. Por entonces, Jessie estaba exponiendo un busto en terracota. –Day dreams (1886)- en la Royal Academy. A través de Jessie, Camille Claudel conoció a Florence Jeans, con quien inició una amistad que se prolongó durante años y un intercambio de correspondencia que ha permitido conocer datos que no se conocían sobre Camille Claudel y su obra y sobre aspectos de su vida y su relación con Jessie Lipscomb y August Rodin.
En 1887 expuso otra obra titulada Sans Souci, y un retrato en escayola de Camille Claudel.
Se casó con William Elborne el 26 de dieciembre de 1887 y la pareja se estableció en Manchester.
La relación de Jessie Lipscomb con Camille Claudel se rompió y a pesar de que Camille Claudel no quiso volver a saber nada de Jessie, ésta fué una de las pocas personas que visitaron a Camille Claudel cuando, años después, fué confinada en el Asilo de Montdevergues.
Actualmente se puede disfrutar de una breve muestra del trabajo de Chana Orloff en Madrid, en dos exposiciones diferentes:
La exposición MODIGLIANI Y SU TIEMPO (Madrid - Museo Thyssen-Bornemisza - del 5 febrero al 18 mayo de 2008 (Torse, 1912-izda.)
La exposición AMAZONAS DEL ARTE NUEVO(Madrid - Fundacion MAPFRE - del 29 enero al 30 de marzo de 2008 (Grande baigneuse accroupie,1925- dcha.)
Chana Orloff nació en la ciudad ucraniana de Tsare Constanstinovska –o Konstantinovka- el 12 de julio de 1888.
En 1904, la familia Orloff, judía, emigró a Israel tras las persecuciones que los judíos sufrían por parte de Rusia. Seis años más tarde, en 1910, Chana se trasladó a Paris. Su intención era aprender costura. Trabajó en el taller del modisto Paquin, que se fijó en ella y le animó a que desarrollara sus dotes artísticas.
Obtuvo el segundo puesto en la prueba de ingreso para la Escuela Nacional de Artes Decorativas, y tras esta etapa de formación se inscribió en el Taller de escultura de Marie Vassilief, en la Academia Rusa, en Montparnasse. Es entonces cuando entra en contacto con el ambiente artístico y traba amistad con Pablo Picasso, Chaim Soutine, Jules Pascin, Ossip ZadKine, Moise Kisling …y tantos otros artistas llegados a Paris desde diferentes países que conformaron el fenómeno conocido como la Escuela de París, un amplio grupo de artistas que no compartía una sola tendencia artística sino más bien una relación de amistad, de mutuo apoyo en su común pobreza y de alegres noches en los cafés y bares de Montmartre y Montparnasse entre 1910 y 1940. Gran parte de ellos vivía y trabajaba en La Ruche (la colmena). Habían llegado atraídos por las vanguardias artísticas del impresionismo, el cubismo y el fauvismo y encontraron el campo propicio para trabajar y aprender los unos de los otros.
La mayor afinidad de Chana Orloff se produjo con Amadeo Modigliani, para quien posó en numerosas ocasiones. Fue Chana quien llevó al estudio de Modigliani a la que sería su pareja por varios años y madre de su única hija, Jeanne Hébuterne, que era una de sus amigas del taller. La amistad con esta pareja era tan estrecha, que cuando Modigliani murió, el 25 de enero de 1920 (poco después de ser llevado al hospital por el pintor chileno Julio Ortiz de Zárate), fue Chana quien acompañó a Jeanne, nuevamente embarazada, a la casa de sus padres, donde se quitó la vida.
Ya en 1913, poco después de su llegada a Francia, una obra de Chana Orloff fue seleccionada para el exigente Salón de Otoño. Después expuso también en el Salón de las Tullerías y en el de los Independientes; Tres años después realizó su primera exposición individual en la Galería Bernheim Jeune.
En 1917 contrajo matrimonio con el poeta Ary Justman, que murió de gripe española en 1919, dejándole con un hijo –Didi- de un año. En ese momento Chana trabajaba más que nunca, esculpe en piedra, mármol, madera, bronce… y se convirtió en retratista de la élite parisina, género en el que destacó por su sutileza y cierta malicia, sin llegar a caer en lo caricaturesco. El estilo de las numerosas obras (495 de ellas catalogadas) de Chana Orloff recibió variadas influencias a lo largo de su vida, aunque su fuente inicial es el cubismo, que se refleja en retratos muy sintéticos, de planos lisos y marcados, buscando contrastes de luz y sombra. “Un día hizo un retrato de Mac Orlan y, desde entonces, Mac Orlan no es más que el reflejo del verdadero Mac Orlan creado por la artista…” (E. Des Courières)
Posteriormente incorporó a su temática esculturas de mujeres, sentadas, embarazadas, con niños, bañándose… maternidades y también figuras de animales, a los que dotará de un sentido simbólico.
En 1928, su exposición en Estados Unidos, recibió críticas elogiosas.
En 1937 le fue reservada una sala para ella sola en el Petit Palais de Paris.
La guerra interrumpió su trabajo y se refugió en Ginebra con su hijo. Nunca olvidó la acogida calurosa que le dieron sus amigos suizos, que le cedieron un estudio, material con el que seguir trabajando y encargos para realizar retratos. La galería Moos le dedicó una exposición en 1945.
De vuelta a París, Chana Orloff abandona las formas lisas y adopta un modelado más inquieto con temas más intimistas, como mujeres sentadas.
Llegó entonces un periodo de grandes retrospectivas y la consagración definitiva de Chana Orloff tanto en Europa como en Estados Unidos y en Israel, donde además de numerosas exposiciones, recibió el encargo de realizar diversos monumentos.
En 1968, el 18 de diciembre, Chana Orloff murió mientras preparaba la gran exposición retrospectiva organizada por el Museo de Tel Aviv.
(Fotografías: Chana Orloff en su taller; Amadeo Modigliani, 1949; Vierge-Jeanne Hebuterne, 1914; Retrato de Mlle. C. Cahun, 1921)
Más:
-Excelente página sobre Chana Orloff que contiene un ámplio catálogo de sus obras: escultura, dibujos, grabados, óleos...información sobre museos, exposiciones, etc.
J.P. Quiñonero nos ofrece en su blog "una temporada en el infierno", este estupendo artículo que descaradamente copio para nuestros lectores:
"Primera, majestuosa, sombría y espectacular retrospectiva de Francia a su hija pródiga más sulfurosa, Louise Bourgeois, una de las más grandes escultoras de nuestro tiempo, cuya obra está dominada por el sexo, la angustia, la destrucción del hogar, la profanación del recuerdo de su padre, la ruptura con todas las tradiciones convencionales y un oscuro diálogo con las tradiciones indias y africanas.[ .. ]
Comisariada por Marie Laure Bernadac, la retrospectiva del Centro Pompidou consagrada a Louise Bourgeois reúne más de doscientas obras de toda la carrera de la artista, desde los primeros años treinta, hasta hoy.
Por vez primera, la más grande, quizá, de las artistas francesas vivas, recibe un histórico homenaje a una trayectoria que comenzó en París, creció y ganó celebridad en Nueva York, muy tardíamente, ya pasados los cincuenta años, al margen y enriqueciéndose con todas las escuelas dominantes de su tiempo, surrealismo, expresionismo abstracto, diálogo con las artes indias y africanas.
Todo comenzó en París, en el barrio de Saint-Germain-des-Prés, donde su padre, arquitecto paisajista, instaló a su amante en la casa familiar, provocando a su esposa e hijos atroces sufrimientos morales, que Louise Bourgeois a descrito de este modo: “Un buen día, mi padre nos torturaba a todos con sus historias, su cinismo. Y, repentinamente, mi madre, mi hermano y yo nos precipitamos sobre él, para pegarle. Durante muchos años, tuve insomnios con aquella imagen. En sueños, llegué a imaginar que devorábamos a mi padre”.
En el París de entre guerras, la joven Louise solo se siente atraída por la obra de otro marginal, Alberto Giacometti. Pero el hombre de su vida será un americano, historiador del arte, Robert Goldwater, especialista en relaciones entre el arte occidental y el arte de las civilizaciones africanas. La pareja Bourgeois – Goldwater huirá de Francia. Y ella no volverá nunca. Su obra se hará en Nueva York, aunque sus raíces últimas se pierdan siempre en la parisina alcoba íntima de sus padres.
MUÑECAS, SEXO, CASAS Y HOGARES VACÍOS
Expatriada, al margen de todas las escuelas, Louise Bourgeois se abandonó con una precisión turbadora a las imágenes sádicas que persiguen a la mujer madura, evocando sin cesar las pesadillas de la infancia y la adolescencia. Un buen día, en París, su padre se “distrajo”, a los postres de una comida familiar, “esculpiendo” el cuerpo de una ninfa violada (su hija Louise) en la cáscara de una naranja, con un cuchillo de cocina. Décadas más tarde, la hija se “vengaría” con una instalación legendaria, La destrucción del padre (1974).
La majestuosa e inquietante retrospectiva del Centro Pompidou permite reconstruir esa relación íntima de la artista con las pesadillas de una vida encantada por terrores infantiles: muñecas violadas y despedazadas, sexos masculinos en permanente y trágica erección, grupos de hombres y mujeres que copulan sin cesar y sin placer, sexos femeninos profanados como objetos de supermercado, hogares violados con una violencia amarga, desolada, destructora.
En cuero, “latex” y materiales de modernidad industrial, fabricados en serie, la obra escultórica de Louise Bourgeois luce con una negra luz inquietante. El visitante la descubre a través de una de sus legendarias arañas gigantes: monstruos familiares que asaltan al visitante con solo abrir la puerta de un hogar vacío. Inquieto, despavorido, a sabiendas que entra en un mundo de íntimas pesadillas, el visitante descubrirá desérticos paisajes poblados con muñecos eróticos, enormes falos sufrientes y desafiantes.
La más célebre de las arañas / esculturas de Louise Bourgeois se llama Mamá. Una de sus esculturas más famosas se llama Fillete (Chiquilla): se trata de un enorme pene colgando en el vacío. La foto más conocida de Louise Bourgeois es un retrato realizado por Robert Mapplethorpe: la artista, con ese falo en los brazos. Entre sus obras más misteriosas, dibujos, esculturas, de casas vacías, habitadas por inquietantes sombras. Entre esas obras íntimas, hay una “instalación”: Casa vacía. En verdad, esa casa vacía era la casa que Louise Bourgeois compró para un hijo adoptado, en 1940, y fallecido prematuramente. La escultora decidió guardar ese hogar ya para siempre vacío, convirtiéndolo en una obra de arte, rara, misteriosa, Casa vacía. La anciana casi centenaria (96 años) continúa perseguida por la profanación del hogar donde nació, creció y descubrió, con espanto, la tragedia y el misterio de vivir en soledad."
La Fundación Mapfre dedica la primera Exposición retrospectiva sobre la obra de Camille Claude en España.
Del 7 noviembre 2007 al 13 enero 2008
El recorrido de la exposición se inicia presentando al personaje, a través de cartas, fotografías y documentos. "Queríamos que las obras de Camille hablaran por sí mismas y nos contaran la historia", y por ello se muestran a continuación los retratos de familia realizados por la escultora, para continuar con los creados cuando entró en el taller de Rodin, en los que se ve como las obras de ambos se confunden.
En esta etapa, Claudel esculpió una de sus obras más importantes, 'Sakountala', que se muestra en la exposición en los diferentes materiales y versiones que hizo, "cuyos pasos siempre se empeñó en controlar ella misma. En su búsqueda frenética de la originalidad avanzó mucho en la escultura de la época e innovó mucho". Rodin además de a Camille estaba unido a otra mujer, Rose, a la que nunca se planteó dejar, ni siquiera cuando la escultora se quedó embarazada de un hijo que nunca llegó a nacer. Los celos amorosos y artísticos minaron la relación y la rivalidad entre ambos fue creciendo hasta romper en 1898.
En sus últimos años junto a Rodin, desarrolló su verdadera personalidad a través de grupos de obras que la consagran definitivamente. Las diferentes versiones de 'La valse' o de 'Le petite Châtelaine' se han convertido en sus piezas más representativas de este periodo, junto a otras como 'Clotho', 'Les causeuses' o 'La vague'.
La escultura 'La edad madura' materializa su ruptura con Rodin y es una de sus obras más famosas en la que se muestra "la enorme maestría y la exquisitez técnica que alcanzó su escultura" a la vez que se convierte en testimonio del desgarro físico e intelectual que supuso su ruptura con el escultor.
Tras encerrarse en su estudio, en 1905 empezó a sufrir crisis y en 1913 su familia la ingresó en un psiquiátrico donde estuvo 30 años hasta su muerte.
En la imagen, 'Sakountala', una de las obras más importantes de la muestra. (Foto: EFE/Paco Campos)
Tras el fallecimiento -el pasado 23 de junio de 2010- de la escultora húngara, naturalizada argentina, Magda Frank, el Museo Oscar Niemeyer le consagra una gran exposición retrospectiva y exhaustiva que puede visitarse hasta el 13 de marzo de 2011 (en la Sala Frida Kahlo). Más información: MAGDA FRANK: Homenaje.
Camille Claudel, trabajando en la escultura “Sakuntala”, y Jessie Lipscomb (1886)
Jessie Lipscomb, trabajando en una escultura
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