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25 dic 2010

Las Herejes y sus Herejías

 

A principios de los años setenta, en Nueva York, un grupo de mujeres, vinculadas de diferente forma con los campos de la producción artística y la crítica, crearon el colectivo  The Heretics –las herejes-, que fue el germen de la publicación feminista sobre arte y política Heresies (1977-1992).The collective

Patsy Beckert

Joan Braderman

Mary Beth Edelson

Harmony Hammond

Elizabeth Hess

Joyce Kozloff

Arlene Ladden

Lucy Lippard

Mary Miss

overview1Marty Potteger

Miriam Schapiro

Joan Snyder

Elke Solomon

Pat Steir

May Stevens

Michelle Stuart

Susana Torre

Elizabeth Weatherford

Sally Webster

Nina Yankowitz

Death of The Patriarchy, de Mary Beth Edelson

overview4 Heresies Poster by Heresies Collective/from the collection of Mary Beth Edelson

HERESIES, la revista

Heresies pretendía estimular el dialogo y generar nuevas energías creativas entre las mujeres. Publicaron 26 números entre 1977  y 1992.

(Lee/echa un vistazo/Descarga todos los números de la revista -PDF)

 

Joan Braderman, una de las cofundadores del grupo, dirigió el documental “The Heresies”.

Página web sobre “The Heretics”, el vídeo y toda la información…

16 dic 2010

Maruja Mallo. Mitad ángel, mitad marisco.

Mauja Mallo con manto de algas-Chile ca1945 El documental Maruja Mallo. Mitad ángel, mitad marisco realiza un completo recorrido por la vida y obra de esta pintora surrealista gallega.

Emitido el 16 de diciembre 2010 en el programa de TV Imprescindibles (La 2)   Duración: 77 minutos.

Ver documental

 

Dirigido por Antón Reixa con guión de Antón Patiño, este documental –producido por la Sociedad Española de Conmemoraciones Culturales (SECC) en colaboración con la Fundación Caixa Galicia y TVE– Imprescindibles (programa de TV emitido por La 2) profundizará esta noche, a partir de las 22.00 horas, en el mundo interior y artístico de Maruja Mallo.

Maruja Mallo. Mitad ángel, mitad marisco, a través de imágenes de archivo y alguna reconstrucción de la vida real de la pintora gallega que repasa el desarrollo de su pintura y el contexto de la época, cuenta con declaraciones de la propia artista y los testimonios de Antonio Bonet Correa, Juan Manuel Bonet, Antón Castro, Isaac Díaz Pardo, Estrella de Diego, María Escribano, Antonio Gómez Conde, Fernando Huici, Emilio Insúa, Shirley Manzini, Carlos Nuevo, Guillermo de Osma, Marga Paz, Rosario Peiró, Carmen Pena, Juan Pérez de Ayala, Marifé Santiago Bolaños, José Vázquez Cereijo, Ana Vázquez de Parga y Carme Vidal.

Maruja Mallo. mitad ángel, mitad marisco simula un collage autobiográfico con un interesante recuento de los personajes que fueron influyentes en su vida, como Salvador Dalí –que fue quien la describió como “mitad ángel, mitad marisco”, André Breton, José Ortega y Gasset, Federico García Lorca, Pablo Picasso, Luis Buñuel, Ramón Gómez de la Serna y José Vázquez Cereijo, entre otros.

Más sobre Maruja Mallo:

Bibliografía, recursos, enlaces…

Biblioteca de Mujeres Artistas

Mujeres en el Arte: Archivos: Maruja Mallo
 

2 oct 2010

Marie Vassilief, una precursora del arte del reciclado

Marie Vassilieff (1884-1957)

   Marie Vassilieff nació en Smolensk, Rusia. En 1903 abandonó sus estudios de medicina para ingresar en la Academia de Bellas Artes de San Petesburgo. En 1906 viajó a Paris y en 1907 entró en la Academie Matisse. Con otros artistas rusos llegados a Paris fundó en 1910 la Academia Rusa de Pintura y escultura, de la que fue directora. Ese mismo año expuso por vez primera en el Salón de los Independientes y en el Salón de Otoño, donde siguió exponiendo regularmente. 
   In 1912 Vassilief fundó su propia academia, la Académie Vassilieff, situada en la Avenue du Maine en Montparnasse. Este lugar fue su taller y punto de encuentro de alguno de los miembros más importantes de la comunidad artística del París de las vanguardias, conocidos como “escuela de Paris”.varias fotos 261

     Durante la Primera Guerra Mundial, Marie Vassilief trabajó en una unidad de ambulancias del ejercito francés, y abrió, en su academia, una cantina para artistas. varias fotos 262

 

 

 

 

 

 

Tras el nacimiento de su hijo Pierre, es ingresada en 1918, como ciudadana rusa sospechosa de bolcheviquismo. De regreso a su estudio de l'avenue du Maine, en Montparnasse, retomó sus actividades artísticas. Abandonando el estilo cubista, se dedicó a pintar niños y maternidades "art decó".

In 1920 Vassilieff colaboró con el diseñador Paul Poiret creando una serie de muñecos-retratos para los Ballets Suédois -Ballets suecos- de Rolf de Maré.
In 1921, Vassilieff participó en la exposición Russian Arts and Crafts en la Whitechapel Gallery, de Londres y en 1925 presentó un mobiliario exhuberante en la Exposition Internationale des Arts Industriels et Décoratifs Modernes, de Paris.

Entre 1922 y 1928 realizó una pintura de temática religiosa.

pilar de La CoupoleEn 1927 participó en la decoración de La Coupole, en el Boulevard Montparnasse.

La pobreza, mezclada con el deseo de notoriedad, le llevaron a anunciar públicamente, en 1929:

“Tras un cuarto de siglo de actividad artística, conocida en toda Europa, vencida por el actual estado de cosas, [Marie Vassilief] suspende hasta nueva orden su oficio de artista, liquidando sus obras al 100% en su estudio del 37 Rue de Froidevaux, París (14), de 4h a medianoche, todos los martes, miércoles, jueves, viernes, sábados y se ofrece como Chica Para Todo. Se come, se ríe, se conversa, se está como en casa. Sed bienvenidos a partir del 1 de febrero.” Firmado: “Marie Vassilief, pintora, escultora, decoradora, 1929.” –Trad. MGBravo-

“Muñecos y máscaras”

IMG_0956(Marie Vassilief en su taller)

Considerada una extravagante, Marie Vassilief puede vincularse a esa categoria de "personajes" que eligieron teatralizar una gran parte de sus actividades extra-pictóricas.

Marie Vassilief encontró una forma  artística más lucrativa que la pintura con la que encauzar su creatividad: la creación de muñecos satíricos, marionetas y vestuario.

“Mis muñecos son en realidad una demostración contra la severa banalidad de la escultura moderna y clásica, que teniendo a su disposición toda la riqueza de la materia, no la sabe explotar.[…] Con mis muñecos intento excitar la imaginación de quien la tiene para que llegue a ver las cosas que no pueden explicarse más que plástica y abstráctamente”. (Trad. MGBravo)

Escena extraída de la película Montparnasse, Eugene Deslaw, 1929

Sus muñecos-retrato, son muñecos de trapo y objetos varios que parodiaban a personajes reconocibles por sus contemporáneos: Matisse, Picasso, el marchante Zborowski, Landru… Podían ser manipulados y puestos en diferentes posturas.

IMG_0958 Marie Vassilief, poupée-portrait

Marie Vassilieff  realizó también muñecos-escultura –poupées-sculptures- teniendo como modelos a Paul Poiret, Blaise Cendrars, Chana Orloff…, “têtes de Pierrot”, muñecos más abstractos, “statuettes” que representaban tipos y posiciones sociales, “Portraits-meubles” –retratos-mueble como la mesa Poiret-…

Entre 1929 y 1930, Vassilief trabajó para el teatro de marionetas “Arc-en-ciel” y experimentó con nuevos materiales como el rhodoïd- un material descubierto por Rhone-Poulenc (de ahí su nombre), conocido como acetato de celulosa- que permitía crear transparencias y reflejar la luz.

En 1937 utilizó las propiedades del rhodoid para crear unos trajes iluminados en una ambiciosa representación  de “Sonnet aux Voyelle” –de Arthur Rimbaud- durante la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne. Ese año pintó, también, el panel “ferrocarriles del Estado” en la Gare Montparnasse.

Con estas creaciones, Marie Vassilief ironizaba sin acritud sobre un mundo que le reprochaba ser demasiado: demasiado bohemia, demasiado rusa, demasiado extravagante, demasiado alcohólica, demasiado Montparnasse…

El taller-academia-cantina de Marie Vassilief es el actual Musée du Montparnasse, situado en un encantador impasse lleno de viñas.

Paris 2010 (760) Bibliografía:

29 ago 2010

Georgia O’keeffe. Biopic

Georgia_O_Keeffe_biopic FICHA TECNICA

Título: Georgia O'Keeffe
Título original:
Georgia O'Keeffe
Genero:
Drama | Biográfico

Año: 2009 
País:
USA
Productora:
City Entertainment / Lifetime Television
Director:
Bob Balaban
Guión:
Michael Cristofer
Reparto:
Jeremy Irons, Joan Allen, Linda Emond, Tyne Daly, Henry Simmons, Luce Rains, Kathleen Chalfant, Girard Swan, Chad Brummett, Jenny Gabrielle, Sequoyah Adams-Rice, Steve Corona

Un correcto biopic sobre Georgia O’Keeffe que demuestra que amor y negocios no siempre van –bien- de la mano. El tan de moda subgénero de biopics rescata del olvido a un personaje de relevancia artística para el siglo XX, pero que nunca recibió el reconocimiento que su gran arte merecía. En el campo de la pintura abstracta, de las naturalezas muertas, O’ Keefee fue una gran precursora se imágenes llenas de originalidad, sensualidad que rozaba el erotismo y las ideas que plasmó en sus obras hablan a las claras de una artista con riesgo, ambición y un sino de incomprensión que la persiguió a lo largo de su trayectoria. Quizás sea oportuno mencionar, la figura de Georgia no ocupe el lugar que realmente merece en la historia. En cierta medida este film remite a otra figura como lo fue Jackson Pollock en la celebrada homónima opera prima de Ed Harris una década atrás.
Esta versión de estreno televisivo que dirige Bob Balaban se centra en un periodo de la vida de O’ Keefee (la impecable Joan Allen): el que comprende el momento desde que conoce en sus jóvenes años al fotógrafo Alfred Stieglitz –en principio su descubridor, padrino artístico- hasta entrometerse en la turbia relación afectiva que estos establecen. Luego de la tutela artística, llegará la seducción que envolverá a ambos en un complejo vínculo amoroso de pasiones incontrolables.

El personaje de Stieglitz que interpreta con solvencia Jeremy Irons transmite la obsesión –al punto de transformarlo en un ser despreciable- de este hombre para manejar los hilos artísticos de la carrera de su mujer. Si bien en su genio publicista no puede disimular la presión psicológica a la que la somete, una violencia emocional que torna incompatible su rol de marido con el de mentor de la estrella.georgiaokeefe-biopic-2

 
El film, no sin intermitencias, aborda dicho traumático vínculo, donde mutuamente ambos se marcaron para el resto de sus vidas, poniendo el acento sobre esa simbiosis peligrosa que se crea entre ambos. Allí donde la reciproca admiración que se profesan se convierte en lazo afectivo y tiene que convivir con el monstruo que han creado, los fantasmas que acechan la tranquilidad de ambos. El film expone el talento innegable de ambos y también sus desavenencias internas, como existen en la mente de todo artista. Y rescata lo valioso de encontrar la inspiración creativa entre las etapas más oscuras que atraviesan, dejando ver el aspecto humano de estas celebridades. Sin grandes hallazgos, pero con sobriedad colocando sus figuras insertas al arte contemporáneo que contribuyeron y cautivando aun cultura inquieta en lo artístico, allá por los años ’20 y ’30 en la también política y socialmente turbulenta Estados Unidos.
Recurriendo mas de una vez a alguna bajada de línea sentimental, Balaban peca resolver los dilemas amorosos de su protagonista con exagerada verticalismo argumental y visible anticipación. Dicho en otras palabras, al film de Balaban le falta la cuota extra de riesgo y no planificación que gozaban las obras de O Keefee. Una artista que esta biopic rescata, con justicia, del olvido.

Fuentes: http://criticaycine.blogspot.com/2010/07/georgia-okeeffe-2009-de-bob-balaban.html

 

 

26 jul 2010

El Museo de Rosa Bonheur. Visita guiada

Rosa Bonheur: Biografía

¿DÓNDE?:

 Museo-Estudio de Rosa Bonheur. By (Thomery)

 

11 abr 2010

Suzanne Valadon. Autorretrato, 1897


Suzane Valadon, Autoportrait, 1894

Análisis de la obra “Autorretrato”, un dibujo realizado a tinta china por Suzanne Valadon en 1897 y que pudo verse en la exposición Valadón-Utrillo (Pinacoteque de Paris, 2009). En francés.

Cargado por culturexpo. - Videos web independientes.

6 dic 2009

Marie Laurencin y los músicos


Un bonito trabajo de animación que nos lleva a otro tiempo: el tiempo de Marie Laurencin.
Todo un espectáculo:
tanto en el escenario como en el patio de butacas.

4 ago 2009

Valadon-Utrillo. Exposición en la Pinacothèque, Paris




Suzanne Valadon - Maurice Utrillo
En la Pinacothèque de Paris, del 6 de marzo de 2009 al 15 de septiembre de 2009
Es una importante exposición que reúne más de cincuenta obras de cada uno de los dos artistas.

Esta "pareja" madre-hijo, atipica, bohemia y transgresora, vivió en el centro de un universo artistico a caballo entre dos periodos: el del Impresionismo y la Escuela de Paris.
Refleja la historia del difícil paso de una época de artistas pertenecientes a la clase burguesa a un nuevo grupo de artistas pertenecientes a categorías sociales mucho más populares que en algunos casos viven difícilmente su condición de artistas.

Le Moulin de la Galette, la rue Marcadet, el famoso cabaret « Lapin Agile », son algunos de los lugares que a Maurice Utrillo, artista maldito y alcóholico, le gustaba pintar y le dió la fama, poniéndole a la cabeza de la Escuela de Paris en los años 1910. Su pintura no puede desligarse de la relación que el artista mantenía con su madre, Suzanne Valadon, una pintora y una mujer libre para su época, al margen de los códigos, que realizaba una obra mucho más energica y colorista que la de su hijo, pero que comenzó a ser reconocida mucho más tarde.


Suzanne Valadon y Maurice Utrillo, 1890


Más información:

7 abr 2009

Remedios Varo. La aventura del saber

El programa de televisión "La aventura del saber" emitió el pasado 31 de marzo de 2009 un programa dedicado a la pintora española Remedios Varo.
Tras los comentarios de la escritora Julia Navarro -y algunas cuestiones sobre la ONU y la pena de muerte que quitaré del vídeo cuando pueda - un documental recorre la biografía y la obra de Remedios Varo. Con aportaciones de su sobrina, BeatrizVaro, de Marina Nuñez y de Juan Manuel Bonet.




5 abr 2009

Maruja Mallo: obras. Rodolfo Halffter: música

Dos exilios. Un regreso
Maruja Mallo
Rodolfo Halffter

25 oct 2008

ANA MENDIETA (1948-1985)

Ana Mendieta nació en la Habana, Cuba, en el año 1948.
En 1961, Ana y su hermana mayor llegaron a Estados Unidos, sin sus padres, como parte de la Operation Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trasladó a miles de niños cubanos a los Estados Unidos en un esfuerzo por ‘salvar’ a los niños del régimen anti-católico de Castro.
En Estados Unidos, Ana Mendieta vivía con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres durante muchos años. Obviamente, esta experiencia dolorosa marcó la formación de Mendieta y su obra refleja esta experiencia.
Ana Mendieta tuvo una carrera artística corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa que consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas.
A comienzos de los años 70' asistió a la Universidad de Iowa como estudiante de arte. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses cambiaron con su ingreso en el Intermedia Program and Center for New Performing Arts y comenzó a utilizar su cuerpo para crear arte (“body art” o “performance art”). Durante su carrera, Ana Mendieta contribuyó al desarrollo de esta tendencia artística.
La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como exiliada y como mujer.
Como artista, Ana Mendieta se atrevió a expresarse de maneras no convencionales. En una de sus series, Body Tracks, que fue documentada en video, Ana Mendieta metió las manos en una mezcla de sangre de animales y pintura roja y arrastró las manos en una pared.
Su fascinación con la sangre marcó alguna de sus obras principales. Percibió la sangre como algo mágico y poderoso. Algunas de sus obras que incorporan la sangre se refieren a violaciones cometidas contra mujeres. Otras reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México que había estudiado.
Otro elemento significante de la obra de Ana Mendieta es la manera en que incorporó su cuerpo en la naturaleza (land art o earthworks). En varias obras aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra, invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, afro-cubanos, mesoamericanos y de antiguas culturas de Asia y Europa.
En Silueta Series (1973), una de sus series más conocidas, Ana Mendieta creó más de cien obras en las que su cuerpo formaba parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, y usar elementos naturales como piedras o velas.
La obra de Ana Mendieta es impresionante. Durante su breve carrera logró dejar un impacto en el mundo artístico.
En 1985, con treinta y seis años, Ana Mendieta murió al caer desde la ventana de su apartamento del piso 34, en Roma. Su pareja, el escultor Carl André fué sospechoso y juzgado por haberle empujado. Pero las pruebas no fueron concluyentes y el juicio por su muerte concluyó en suicidio.
Más:
Corazones Lastimados: "¿Donde está Ana Mendieta?
BIBLIOGRAFÍA:
María Ruido, Ana Mendieta, ed.Nerea 2002


3 may 2008

Cine y Arte: Montparnasse 19 (Les amants de Montparnasse)





Ficha técnica
Género: Cine / Drama
Nacionalidad: Francia, Italia
Duración: 104 minutos
Año: 1957
Director: Jacques Becker
Intérpretes: Gérard Philipe, Lilli Palmer, Lino Ventura, Gérard Séty


Argumento:
Montparnasse es el barrio bohemio de París, lleno de artistas que conviven intentando lograr el difícil triunfo, que muy pocos consiguen. En 1919 residía allí Amadeo Modigliani (Gérard Philippe), arrastrando una tormentosa existencia, ya que su arte no era comprendido y su pobreza sólo era aliviada por el alcohol y las mujeres. Enfermo y borracho, su vida se repartía entre Rosalie (Lea Padovani), una joven tabernera, sencilla pero tan pobre como él, y Beatrice Hastings (Lilli Palmer), una rica y extravagante escritora inglesa que le proporcionaba opio y pagaba sus facturas. Una mañana en la academia de dibujo, Modigliani conoce a Jeanne Hébuterne (Anouk Aimée), una joven burguesa, de la que inmediatamente se enamora. Decidido a iniciar una nueva vida le propone vivir juntos.
Reconstrucción de la vida del gran pintor Amedeo Modigliani, que muestra tanto su talento creativo viviendo una existencia mísera, como sus dos pasiones amorosas, la pura y romántica que mantiene con una joven sencilla y la mucho más interesada, con una rica y extravagante escritora. El gran Gérard Philipe interpreta, de forma magistral, al pintor, en una película exquisita, magníficamente ambientada y fotografiada, que es ya uno de los clásicos del cine francés.


“Yo sólo puedo emborracharme de mí mismo” asegura Amadeo Modigliani (Gérard Philipe) en un instante de Montparnasse 19, revindicando esa figura de perdedor desangelado que se tambalea por las callejuelas bohemias de París atrapado por su propio genio. Y es precisamente la dificultad de poder ser un genio lo que Becker muestra en esta película, el dolor que produce el intento de no desviarse de la norma general cuando el duende de uno es incontrolable hasta tal punto que plegarse a la autodestrucción es la única manera de intentar ser sincero.
Maestro llaman algunos personajes del film a Modi a lo largo del mismo, y esta postura respetuosa que mantienen hacia el artista golpeado en su elegante miseria hace, junto a la manera de narrar/filmar del propio Becker, que el tono del film esté en sintonía con ese atormentado pintor que cita con emoción a Van Gogh mientras se da cuenta de que acceder a ese mundo supuestamente mejor al que quienes le rodean creen que aspira no supone sino rebajarse hacia la mediocridad más extrema. Porque realmente la victoria se encuentra en la derrota, en la venta ambulante de sus dibujos por las mesas de café, en ese fundido en negro que marca el fin de Modi y en el saqueo de su obra ante la inocente alegría de su mujer por parte del siniestro marchand. Ese grandísimo perdedor que era el maestro Modi no se merecía menos.
Un desgarrado retrato captado por Jacques Becker con la maestría de quien graba con una maquina infalible a un genial vagabundo, un ángel abúlico y dependiente, un artista a tiempo completo que fue realizando su mejor obra en su propia persona, creando sobre sí mismo el retrato de un mito."
Iñigo Larrauri

2 may 2008

Maurice Utrillo y su madre, Suzanne Valadon

De salud frágil, el pequeño Maurice Valadon (posteriormente Utrillo) nació en 1883 y fué confiado al cuidado de su abuela materna. Desprovista de toda autoridad, esta mujer "buena pero débil", que había tenido dificultades para educar a su hija, temía las crisis de cólera del niño, que a los dos años comenzó a sufrir ataques de epilepsia que le dejaron secuelas durante el resto de su vida. Reclamaba de forma tiránica y continuamente la presencia de su madre y sólo esperaba su atención.
Pero su madre, Marie Clementine Valade, conocida como Suzanne Valadon, la modelo firmemente decidida a convertirse en artista, seguía su camino por los talleres de pintores y escultores. Posando para artistas como Puvis de Chavannes, Degas, Renoir, Toulousse Lautrec... pudo conseguir los medios económicos para que su hijo Maurice estudiara en un colegio privado, l’École de la Flesnelle, en la rue Labat. Pero Maurice no se adaptaba, tenía problemas de aprendizaje y fué trasladado de una escuela a otra, mostrando siempre una gran frustración y la sensación de abandono.

Con motivo de la Exposición Universal de 1889, Miguel Utrillo i Molins llegó a Paris. Este ingeniero, pintor, ilustrador, periodista y crítico de arte ya había conocido a Suzanne a principios de la decada de 1880 y, el 27 de enero de 1891, reconoció oficialmente como suyo al hijo de Suzanne. Desde entonces se llamará Maurice Utrillo y más tarde, firmará sus pinturas con este nombre, seguido de una V., la inicial materna y símbolo de una ausencia.
Desgraciadamente para el muchacho, la relacion entre Suzanne y Miguel era tumultuosa y terminó cuando su madre conoció al músico Erik Satie, con quien comenzó una relación en 1983 que duró algunos meses.
A partir de la segunda mitad del año 1894, Suzanne vivió con Paul Moussis, comerciante de tejidos, agente de bolsa y banquero que ofreció a Suzanne el confort y la garantía de poder ofrecer a su hijo una mejor educación. La familia conoció una respetabilidad y una estabilidad nueva. Suzanne renunció a sus aventuras amorosas y se consagró a la pintura. La pareja se estableció en el 2-4 de la rue Cortot, una casa en la que Suzanne pudo tener su propio estudio.
En 1896, Maurice fué testigo del matrimonio de Suzanne Valadon y Paul Moussis. Gracias a la posición económica de Paul, Maurice pudo ingresar interno en la Institution Molin, en Pierrefitte, una pequeña localidad al norte de Paris en la que Paul alquiló una casa, para que la familia pudiera mantenerse en contacto. Maurice, que seguía mostrándo un carácter insoportable, cambió repetidamente de escuelas y colegios hasta que en 1900 fué expulsado al considerar que sus ausencias, su indisciplina, su irregularidad y su negligencia le hacían incapaz de continuar sus estudios.
Gracias a la influencia de Paul Moussis, Maurice Utrillo comenzó a trabajar como ayudante de un representante de comercio. Sólo duró cuatro meses. Siguieron varios empleos conseguidos por la recomendación de su padrastro, que siempre acababan mal por sus accesos de cólera y su mal carácter, acentuados cuando comenzó a beber habitualmente, lo que afectó inmediatamente a su salud y le convirtió en un "terrible perturbador". La frecuencia y la violencia de las crisis de Maurice obligaron a la familia a trasladarse varias veces.
En 1902, Maurice Utrillo se instaló en la casa familiar, el 2, rue Cortot, en la Butte Montmartre. Usando el material de su madre, comenzó a pintar sin gran convicción. El resultado importaba poco. Estaba cerca de su madre y se mostraba más tranquilo.
Pero a principios de 1904 su estado mental empeoró. Sus accesos de cólera eran más frecuentes y sus crisis, cada día, más violentas, llegando a mostrarse agresivo con su madre. Paul Moussis, cuya paciencia había llegado al extremo, solicitó el internamiento de Maurice, que tenía entonces veinte años, y fué ingresado en el hospital Sainte-Anne. El consejo de los médicos era dejarle hacer lo que quisiera, o lo que era lo mismo en su caso: dejarle que no hiciera nada. En este periodo de ociosidad, Maurice Utrillo renovó sus intentos con la pintura. Suzanne Valadón, su madre, le animó y le dió algunos consejos, pero su aprendizaje fué fundamentalmente autodidacta. Pintaba sobre pequeños cartones y usaba la pintura a la manera de Sisley o Pisarro, con breves pinceladas empastadas, pero sus colores eran más oscuros, con ocres verdosos y azulados. Comenzó a pintar vistas de Montmartre y de Montmagny y sus alrededores.
Fué entonces cuando conoció a André Utter, un jóven artista dos años más joven que él.
Los dos amigos quedaban para ir a pintar juntos a la Butte Montmartre, pero también para ir a beber juntos. Según la leyenda, Utter acompañó a Maurice a su casa, tras una borrachera. Así conoció a Suzanne, cuya relación con Paul Moussis se había deteriorado progresivamente, en especial tras la decisión de ingresar a Maurice en el hospital.
Comenzó entonces la relación entre André Utter, el jóven amigo de Maurice, y su madre, la pintora Suzanne Valadon, que le superaba en veinte años de edad.
En 1909, tras la separación de Suzanne y Paul Moussis, ella, André, Maurice, y su abuela se trasladon a vivir juntos. Ese mismo año Maurice Utrillo participó en el Salon d’Automne con dos obras. La pintura de Maurice Utrillo comenzaba a ser apreciada pero sus entradas y salidas de diversos hospitales eran cada vez más frecuentes, igual que sus problemas con el alcohol y su violento comportamiento.
Sin embargo, entre 1909 y 1914 pintó varios centenares de obras, pertenecientes al conocido como "periodo blanco" del pintor.
(Imágenes: 1.Suzanne Valadon y Maurice Utrillo; 2.obra de Toulousse Lautrec con Suzane Valadon como modelo; 3. "La risueña", de Ramón Casas, con Suzanne Valadon como modelo.)
Artículos relacionados:
-Suzanne Valadon: "una de los nuestros" (en en Archivo-Galería de Mujeres Artistas)


Escena de la película Maurice U. realizada por Eirik Smidesang Slåen, en 2005, sobre la biografía del pintor Maurice Utrillo, hijo de la también artista y modelo Suzanne Valadon.

15 mar 2008

Antonio López: humor chanante

¿Qué podría ocurrir si al pintor realista Antonio López le cayera un membrillo en la cabeza...?
Si la pregunta te parece absurda... espera a ver el vídeo que realizó el programa de televisión "La hora chanante":

13 feb 2008

"Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria": Exposición

El Museo de Arte Moderno, de México, presenta una exposición sobre la pintora española, exiliada en México, Remedios Varo (1908-1963), con la que se conmemora el centenario de su nacimiento (Anglés -Gerona- 16 de diciembre de 1908).
La muestra "Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria" exhibe entre el 14 de febrero y el 27 de julio (2008) 39 obras realizadas por esta pintora, considerada una de las mayores aportaciones españolas al surrealismo.
La exposición incluye cuadros, bocetos, dibujos, collages, acuarelas y trabajos publicitarios realizados por la artista para la Casa Bayer, y forma parte de los actos conmemorativos del nacimiento de la artista que se están preparando -en México- y que al parecer incluirán un simposio internacional sobre su obra en mayo, otra exposición con "nuevas lecturas de su obra basadas en estudios recientes", y la presentación de un libro sobre la artista escrito por Tere Arcq, comisaria de esta exposición.
La "Colección Isabel Gruen Varsoviano. In memoriam", está inmersa en un fuerte litigio que enfrenta, desde el año 2000, a diferentes instituciones culturales del estado mexicano con Beatriz Varo Jiménez, sobrina de Remedios Varo, sobre los derechos hereditarios de los bienes de la artista, que incluyen las 39 obras que forman parte de ésta colección que vuelve a exponerse en el Museo de Arte Moderno de México (MAM), en ésta ocasión con motivo del Centenario del nacimiento de la pintora española.

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