Leonora Carrington: cronología

Leonora Carrington nació el seis de abril de 1917 en Clayton Green, cerca de Chorley, en el condado de Lancashire, Inglaterra. Su madre era irlandesa y su padre inglés, magnate de la industria textil.
1920- La familia se muda a Crookhey Hall, cerca de Lancaster, y Leonora y sus tres hermanos quedan bajo los cuidados de una institutriz francesa, un instructor de religión, y una nana irlandesa, Nanny, que alentó su ardiente imaginación con historias de crímenes terribles y cuentos de lo sobrenatural de origen irlandés y alemán.

Crookhey Hall

1926- Leonora asiste sucesivamente a dos colegios católicos (Holy Sepulchre, situado en un castillo construido por Enrique VIII, en Reading, y Saint Mary's en Ascot), de ambos fué expulsada. Decían que no mostraba ningún interés en las asignaturas impartidas y hacía contínuamente preguntas del estilo de "¿Quién dijo que dos y dos son cuatro...?"; su escritura era ilegible, aparentemente, hasta que descubrieron que cobraba sentido al verse en un espejo.

Leonora Carrington, ca 1930

Leonora Carrington a lomos de su caballo, Winkie, 1931

1932- Decididos a encontrar la manera de civilizar a su hija, sus padres la enviaron a la Academia de Miss Penrose, un internado en Florencia. Los estudios de arte y los cuadros que descubrió en la Galería de los Ufizzi marcaron toda su vida como pintora. Después le enviaron a París. En un internado duró dos meses y de otro, el estricto colegio de Miss Sampson, se éscapó una noche. Mientras tanto, la madre soñaba con un enlace adecuado para Leonora.
1934- El uno de mayo es presentada en la corte del rey George V, y sus padres ofrecen un baile en su honor en el Ritz. (En la foto: Leonora Carrington y su madre el día de su presentación en la corte). Esta experiencia está reflejada en su historia La debutante.
1936- Decidida a convertirse en artista, pese a lo que se esperaba de ella, Leonora logró convencer a sus padres para que le permitieran asistir a una escuela de pintura. Ingresó en la Academia que Amedée Ozenfant, el pintor futurista, acababa de fundar en Londres. Fué su primera alumna. En esa misma época comenzó a interesarse en la alquimia.
1937- A través de una compañera de clase conoce a Max Ernst, que estaba en Londres con motivo de su exposición en la Mayor Gallery. Leonora se había interesado en el surrealismo tras leer varias publicaciones y visitar la Exposición Internacional Surrealista de Londres.

Ese mismo verano viaja a Cornwall con Ernst, Paul Eluard y Nusch Eluard, Man Ray, Lee Miller y Roland Penrose.

Lee Miller, Ady Fidelin, Nush Eluard y Leonora Carrington, 1937.

Poco después de este viaje, con 19 años, Leonora se fugó a París con Max Ernst y comenzó una relación que duró tres años. Sus padres le repudiaron y Leonora nunca volvió a ver su padre, una separación que le marcó y aparece en algunas de sus obras literarias. Escribe "El pequeño Francis", una historia sobre la relación triangular entre ella, Max Ernst y la esposa de éste, Marie-Berthe, con el inicio de la Guerra Civil española como fondo.

En Paris, Leonora ayuda a Ernst con el diseño de los escenarios para la producción de Ubu Roi de Alfred Jarry.


1938- Ernst y Carrigton se mudan a Saint-Martin-d'Ardèche en el sur de Francia, donde restauraron una casa abandonada y la poblaron de caballos y seres míticos en frescos, esculturas y relieves que cubrían muros enteros. recibían las visitas de Lee Miller, Roland Penrose, Remedios Varo, Leonor Fini y otros.

Leonora Carrington en St. Martin d'Ardèche

Expone con los surrealistas en París y en Amsterdam. Aparece "La casa del miedo" y escribe los relatos que recogerá en "La dama Oval", con ilustraciones de Ernst.
1939- Estalla la guerra y Ernst -de origen alemán- es recluido en calidad de extranjero enemigo en el campo de concentración de L'argentière, en Francia. Carrington se encarga de su liberación, en diciembre.
1940- En mayo, Max Ernst vuelve a ser apresado, esta vez en Les Milles, cerca de Aix en Provence. Tras un intento fallido por obtener su liberación, Leonora sale hacia España. Durante el trayecto sufrió una crisis nerviosa y fué ingresada en un asilo mental en Santander. Más tarde escribió "Memorias de Abajo", un recuerdo autobiográfico de esta penosa experiencia, durante la que fué sometida a un tratamiento excesivo con medicamentos que provocaban fuertes convulsiones. Una primera versión, escrita en inglés, fué rechazada por la editora americana Jannet Flanner y se perdió. La versión que conocemos fué escrita en francés en 1943.

1941- Liberada del asilo y tras pasar por Madrid, viajó a Lisboa. Allí pidió asilo en la embajada Mexicana, donde se encontró con el periodista y diplomático Renato Leduc, diecinueve años mayor que Leonora, con quien se casó para poder viajar a América.

1942- Tras una estancia en Nueva York, donde también se encontraban Max Ernst y su nueva mujer, Peggy Guggenheim, Leonora llegó a Ciudad de México y obtuvo la nacionalidad mexicana, que el país ofrecía a todos los europeos refugiados de la Segunda Guerra Mundial. Se divorció de Leduc en 1943 y comenzó a mantener una estrecha amistad con Remedios Varo y su compañero, el poeta Benjamín Péret, así como con el trío formado por Wolfgang Paalen, su esposa la pintora Alice Rahon y Eva Sulzer. Conoció al psicoanalista y escritor Pierre Mabille, que le animó a escribir "Memorias de Abajo", al director de cine aragonés Luis Buñuel, con quien entabló una buena amistad, y al fotógrafo húngaro Emerico "Chiki" Weisz.

(De izda. a dcha.: Gerardo Lizarraga, Chiki Weisz, José Horna, Leonora Carrington, Remedios Varo, Günter Gerszo, Benjamin Péret y Miriam Wolf)

1944- Conoce a Edward James, el rico y extravagante inglés, mecenas de los surrealistas, que se convierte en el coleccionista más importante de su obra. James, además, la introduce en el conocimiento del Libro Tibetano de los Muertos.
1946- Se casa con Chiki Weisz. Tienen dos hijos: Gabriel, quien nace ese mismo año, y Pablo, nacido en 1947.

Gabriel, Leonora y Pablo

1948- Primera exposición retrospectiva de La obra de Leonora Carrington en la Galería Pierre Matisse de Nueva York.

1950- Exposición retrospectiva en la Galeria Clardecor, Mexico D.F. Se involucra con los seguidores del movimiento espiritual de Gurdjieff.

1957-Diseña y produce para el escenario una de sus propias obras, Penélope.

1960-1970- "Exposición Retrospectiva de pinturas y tapices de Leonora Carrington" en el Museo Nacional de Arte Moderno, de Ciudad de Mexico (1960). Estudia los escritos de Jung. Diferentes exposiciones y publicaciones.
1963- Es comisionada para pintar un gran mural, El mundo mágico de los mayas, en el que celebra a los mayas de Chiapas, en el Museo de Antropología de la Ciudad de México(1963)
1968- Abandona México con sus hijos como protesta por el salvaje manejo del movimiento estudiantil. Regresa a México, el año siguiente. Durante el periodo 1968-70 realiza frecuentes viajes a Nueva York.
1971- Estudia bajo la guía del lama tibetano -en el exilio en Canadá y Escocia-y permanece como discípula suya.
1972- Participa en la formación del Movimiento feminista de México DF., y diseña el póster Mujeres Conciencia1985 -Abandona nuevamente México y se establece en Nueva York.
1988-90 Se muda a Chicago. Retrospectivas en EEUU, Tokio (Japón) y México.

1990-Regresa a México.2000-Nombrada Ciudadana de Honor de México D.F. El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) celebra un Coloquio Internacional sobre Leonora Carrington.
2008-Leonora Carrington sigue viviendo y trabajando en Ciudad de México. Gran Exposición de esculturas al aire libre.Enlaces:

Leonora Carrington en la Biblioteca de Mujeres Artistas

Remedios y Compañía: el entorno personal de Remedios Varo

Descargas:

La Debutante (pdf)

De agua y otros cuentos: nueva exposición de María José Povar

En colaboración con el Ayuntamiento de Ejea de los Caballeros y con el Centro de Profesores de dicha localidad, la exposición De agua y otros cuentos, a través de obras realizadas con técnica mixta y óleo/tela y de dos instalaciones, pone el acento en la importancia del agua y del medio ambiente y de lo que podemos hacer para preservarlos.

Se Inaugura el 26 de Septiembre a las 20 h. en la Sala de Exposiciones de la Casa Parroquial. Iglesia del Salvador. Ejea de los Caballeros (Zaragoza).

Edward Munch: autorretratos

Autorretratos del pintor noruego, Edward Munch, cuya obra más famosa es "El grito".

Munch vivió en París hasta 1892. Este autorretrato con un brazo de un esqueleto (1895) demuestra la relación de Much con la muerte, un tema común en sus pinturas.

Munch tuvo una relación con la mujer que aparece en esta pintura, Tulla Larsen, que terminó cuando él se disparó en una mano para expresar su rechazo al matrimonio convencional. Munch cortó la pintura después de haberla terminado.

Algunos expertos sugieren que "La Cruz vacía" (1899-1901) demuestra la lucha que tenía Munch entre la religión y la idea bohemia del placer sin culpa.

En 1908, Munch sufrió un ataque de nervios e ingresó a una clínica psiquiátrica. Fue una temporada de mucha producción. Al salir del centro, regresó a Noruega y dejó la bebida.

Entre 1922 y su muerte, en 1944, Munch se aisló del mundo y decidió vivir como un ermitaño. Este autorretrato de "El caminante de la noche" demuestra su inquietud y su soledad.

Esta litografía de 1895 muestra las líneas básicas de "El grito". Munch llegó a producir cuatro versiones de la pintura, dos de las cuales fueron robadas y sólo una fue recuperada.

Mary Richardson versus "La Venus desnuda"

El 14 de marzo de 1914 Mary Richardson fué arrestada por atentar contra "La Venus desnuda", de Velázquez, cuadro que acuchilló en la National Gallery.

Fué condenada a seis meses de prisión en Holloway, pero fué liberada el 6 de abril a causa de un ataque de apendicitis que sufrió.

Mary Richardson fué arrestada y encerrada en Holloway en otras dos ocasiones, en las que se sometió a sendas huelgas de hambre, práctica común entre las sufragistas.

Qué ver: Exposición "Representations of Identity". The Islington Art's Factory

WAM (The Womens Art Movement)

Representations of Identity

First Exhibition

Si vas a viajar a Londres este verano, quizás te interese visitar la exposición "'Representations of Identity - Representaciones de la Identidad-, que muestra la obra colectiva de un grupo de mujeres artistas, el Women's Art Movement -WAM-.

Como supongo que si has entrado en este blog sabes algo de inglés -...y si no ponte las pilas...- me ahorro el trabajo de traducir la información, que está clara y parece interesante.

Una excusa para conocer la zona de Islington, visitar la prisión de Holloway... y salirte de lo de siempre:

WAM (The Women's Art Movement) will present an exhibition titled 'Representations of Identity' by a group of up and coming female artists.

The art work approaches the subject of identity, how emotions, reflections of the inner self can act and react as if actively recalled from time to time but also how flawed that representation can sometimes appear be.

The fine art exhibition with all of its expressions reveal a brand new world of creative women. These works of art stand out with different voices, charged with personal moments as isolated events and can evoke real emotions in their very fictional construction and conscious existence. WAM inspired by female artists who want to expose their art work in the public arena.

The Exhibition will be From 8th August-5th September 2008

The Islington Art's Factory, 2 Parkhurst Road, N7 OSF.

Tel:02076070561

(Opposite Holloway Prison!)

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12 rue Cortot : un estudio, tres artistas.

" Utrillo, Valadon, Utter - 12, rue Cortot : un atelier, 3 artistes ", es el título de la exposición que el Musée Utrillo-Valadon, en Sannois (1 abril- 31 de julio 2008) dedica al trío formado por los pintores Suzanne Valadon, Maurice Utrillo, su hijo, y André Utter, su amante. Se trata de una exposición itinerante que ya se ha podido ver anteriormente en otros lugares y probablemente lo siga haciendo.
Nos muestra el contexto en el que se desarrolló la relación que vivieron los tres pintores , en el estudio del número 12 de la Rue Cortot, en Montmartre, el edificio que actualmente alberga el Musée de Montmartre.
Durante más de veinte años, la tribu Valadon vivió en la colina -la Butte- en un ambiente de novela rusa. La maldita trinidad era conocida por sus explosiones pasionales, que estremecían la vieja calle Cortot.
La exposición se encuadra en la conmemoración del setenta aniversario de la muerte de Suzanne Valadon, el 7 de abril de 1938, y reúne cuarenta obras, pinturas y dibujos, de Suzanne Valadon (1865-1938), Maurice Utrillo (1883-1955) y André Utter (1886-1948), pertenecientes a colecciones públicas y privadas (Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Paul Dini, Musée des Beaux-Arts de Nantes), realizadas, la mayoría, entre 1909 et 1935.

La muestra permite comparar las obras de tres artistas que trabajaban juntos en el mismo estudio, pintaban los mismos temas y motivos y se tenían como modelos respectivos, como se aprecia en alguna de las obras presentadas: Etude pour Le Lancement du filet (Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, 1914) de Valadon et Portrait de Suzanne Valadon nue (collection privée, vers 1913) de Utter.

Numerosa fotografías que acompañan las obras muestran el interior del 12, rue Cortot, el lugar donde vivían y creaban.

Artículos sobre SUZANNE VALADON

Artículos sobre MAURICE UTRILLO

Raymond Oscar Bonheur

Raymond-Oscar Bonheur (Bordeaux 1796, Paris 1849)
(Pintor realista, padre de la pintora Rosa Bonheur, de Auguste Bonheur, también pintor, y de Isidore Jules Bonheur, escultor.)
Alumno de Pierre Lacour, tras establecerse en Burdeos como artista y profesor de arte, se casó con una de sus alumnas, Sophie Marquis, que comenzó, a su vez, a dar clases de música.

Obras conocidas:
- 2 pequeños óleos representando, cada uno, a St Amand y St. Seurin. En la Basílica de St.Seurin, Burdeos. En el inventario están valorados en 50 francos cada uno y fechados en 1839.

-Otro lienzo al óleo, en la Basílica de Saint Seurin, fechado en 1822, firmado con anagrama R.B. que muestra la escena del desprendimiento de Jesús.

Anna Klumpke (1856-1942)

Anna Elizabeth Klumpke (1856–1942), pintora especialmente conocida por sus retratos, nació en San Francisco, California (Estados Unidos).

Anna fue la mayor de ocho hermanos, entre los que se cuentan la astrónoma Dorothea Klumpke-Roberts, la violinista Julia Klumpke, y la neuróloga Augusta Déjerine-Klumpke. No cabe duda que sus padres, y en especial su madre, Dorothea Mattilda Tolle, concedieron a sus hijas la educación necesaria para converirse en profesionales cualificadas, en una época en la que el acceso de las mujeres a los estudios oficiales estaba vetado.

A los tres años, Anna sufrió una fractura de fémur tras una caída. A los cinco años se le diagnosticó osteomielitis y artrítis en la rodilla. Intentando una cura, su madre se trasladó con con sus hijas a Alemania, para ser tratada por un prestigioso doctor. Anne no mejoró y quedó coja para siempre.

Cuando Anna tenía quince años, sus padres se divorciaron y ella y sus hermanas (de las que vivían cinco) se mudaron con su madre a vivir en Göttingen. A los diecisiete años la familia se trasladó a Clarens, en Suiza, donde comenzó a tomar clases de arte, en su casa.

En octubre de 1877 se trasladó a Paris con su familia, y en 1883 ingresó en la Academia Julian, una de las pocas escuelas que aceptaban mujeres como alumnas. Fué alumna de Tony Robert-Fleury y Jules Lefebvre, y más tarde de Vuillefroy.

Presentó su primera obra importante en el Salón de París de 1884, donde ganó una medalla. Durante los años siguientes expuso regularmente.

Tras su periodo de aprendizaje, regresó a Estados Unidos y pasó los siguientes años en Boston.

En 1889 regresó a Paris con un propósito: realizar el retrato de Rosa Bonheur.

Desde niña, Anne había tenido una muñeca "Rosa", inspirada en la pintora de animales francesa Rosa Bonheur, que había llegado a ser tan famosa que se hicieron muñecas inspiradas en su imágen.

Fingiendo representar a un marchante de caballos, se presentó a la pintora en su estudio del Chateau de By, en Fointainebleau.

Al poco tiempo se trasladó a vivir allí y durante los diez años siguientes, hasta la muerte Rosa Bonheur en 1899, las dos pintoras vivieron juntas.

Klumpke fué nombrada heredera universal y supervisó la venta de las obras de Rosa Bonheur en 1900.
Fundó el Premio Rosa Bonheur, en la Societé des Artistes Fraçais, y creó el Museo de Rosa Bonheur, en el Chateau de By, en Fointainebleau.

En 1908 publicó una biografía de Rosa Bonheur, "Sa vie son ouvre", basada en su propio diario, en las cartas de Bonheur, dibujos y otros escritos. En el libro, que sólo se publicó en inglés en 1998, Anna Klumpke cuenta cómo la conoció, cómo se enamoraron y cómo se convirtió en su retratista oficial y en su compañera.

Tras la muerte de Bonheur, Anna pasó temporadas entre Francia, Boston y San Francisco, donde se instaló definitivamente en los años 30'.

Durante la I Guerra Mundial instaló un hospital para soldados heridos en el Chateau de By.

En 1940, a los 84 años, Anna Klumpke publicó su autobiografía, "Memoirs of an Artist".

Anna Klumpke murió en 1942, a los 86 años, en San Francisco.

(Museo-Estudio de Rosa Bonheur. En el caballete, otro de los tres retratos de Rosa Bonheur pintado por Anna Klumpke)

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-Rosa Bonheur (1822-1899)

-Transgresiones: "Ellas llevan los pantalones"

-Museo de Rosa Bonheur

ROSA BONHEUR:1822-1899.

Marie-Rosalie Bonheur, conocida como Rosa Bonheur (16 de marzo 1822 - 25 de mayo de 1899) llegó a ser una importante pintora y escultora francesa de tendencia realista. Su padre era un pintor paisajista de Burdeos, y era hermana del pintor Auguste Bonheur y del escultor Isidore Jules Bonheur. En este ambiente es fácil imaginar que pronto empezó a aprender a pintar en el taller familiar, con su padre, ya que la educación artística estaba vetada a las mujeres.

En seguida mostró su preferencia por la pintura de animales, influenciada por el pintor inglés Edward Landseer, que se convirtió en su especialidad y le dieron fama y dinero.

(En la imágen: Retrato de Marie-Roselie Bonheur, dite Rose Bonheur. Pintado por el artista Dubufe)

Estudió la anatomía animal visitando mataderos y haciendo disecciones. Preparaba cientos de bocetos y hacía multitud de estudios detallados antes de comenzar un nuevo cuadro o escultura.

En 1848 obtuvo la medalla de oro en el Salon Oficial, la muestra de arte más importante de Francia y en 1855 presentó el que sería su gran lanzamiento: la monumental "Feria de caballos":

(La feria de caballos. Rose Bonheur. Abajo, detalle en el que se aprecia un supuesto autorretrato de la pintora, que se abría pintado en el personaje con camisa azulada, a caballo, que mira al espectador.)

El cuadro le dió fama y reconocimiento internacional, y ese mismo año viajó a Escocia, invitada por la reina Victoria, que admiraba sus obras. En escocia hizo un gran número de bocetos que le sirvieron para realizar, después, alguno de los cuadros que seguirían dandole fama, como A Scottish Raid, terminado en 1860, y Highland Shepherd (en la imágen). Estas obras, que muestran un estilo de vida que había desaparecido un siglo antes, gustaba a la sensibilidad victoriana y se hicieron muy populares en Inglaterra, aunque no tanto en Francia.

Considerada, ya en su época, como la mujer artista más famosa, era representada por los galeristas más importantes, en especial por Ernest Gambart (1814-1902), que obtuvo los derechos de reproducción y venta de grabados realizados a partir de sus obras, en su galería londinense de Pall MAll.

Fué la primera mujer que recibió la Legión de Honor, en 1865, que le fué impuesta por su amiga, la Emperatriz Eugenia (de Montijo) y en 1894 se convirtió en Oficial de la Legión de Honor, máxima distinción que otorga el estado francés.

Pero si hoy en día es más tenida en cuenta, y a menudo es considerada como una protofeminista, es por su hábito de vestir ropa masculina:
"Me dí cuenta que la ropa femenina era una constante molestia. Por eso decidí solicitar la autorización para vestir ropa de hombre al prefecto de policía. Pero el traje que llevo es mi traje de trabajo, no significa nada más. Lo que digan los imbéciles no me ha preocupado nunca. "

(TRANSCRIPCIÓN)

Permission de travestissement accordée à Rosa Bonheur
Paris, le 12 Mai 185- Nous. Préfet de Police. [...] Autorisons la demoiselle Rosa Bonheur demeurant à Paris, rue ... n° 320 à s'habiller en homme ; pour raison de santé sans qu'elle puisse, sous ce travestissement, paraître aux Spectacles. Bals et autres lieux de réunion ouverts au public. la présente autorisation n'est valable que six mois, à compter de ce jour.

Durante cincuenta años vivió con su compañera Nathalie Micas en su propiedad, el Chateau de By, cerca de Fointainebleau.

Tras la muerte de Micas se unió a la pintora americana Anna Elisabeth Klumpke (1856–1942), que realizó uno de los retratos más apreciados de Rose Bonheur.

Murió a los 77 años, el 25 de mayo de 1899.

En 1900 se realizó una gran subasta con las obras de Rose Bonheur, supervisada por Anna E. Klumpke, que había sido nombrada heredera universal.

Klumpke creó el Premio Rosa Bonheur en la Société des Artistes Français, y le dedicó un museo en el Chateau de By.

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-Modelos de mujer en el siglo XIX. Transgresiones: Ellas llevan los pantalones

-Anna Klumpke

-Museo-estudio de Rosa Bonheur

Ramón Casas y Santiago Rusiñol (...o viceversa)

El cuadro de Ramón Casas titulado Retratándose define perfectamente la amistad que existía entre ambos pintores catalanes, que compartieron intereses artísticos, estancias en París, tertulias en Els cuatre gats de Barcelona, amigos, modelos...

Se trata de un divertimento, de una especie de broma cómplice en la que Casas se autorretrata en un exterior, con capa y sombrero negro, y frente a él a Santiago Rusiñol con bombín y traje marrón.

"RETRATÁNDOSE", Ramón Casas, 1891

Santiago Rusiñol y Ramón Casas se retrataron mutuamente en varias ocasiones:

Santiago Rusiñol, pintado por Ramón Casas:

Ramón Casas, pintado por Santiago Rusiñol:

(Santiago Rusiñol y sus amigos catalanes con una mujer desconocida. Paris, s.f.)

(Santiago Rusiñol, Ramón Canudas, Miguel Utrillo y el escultor Enric Clarassó: Españoles en Montmartre.)

Las cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo

Cien años después del nacimiento de la pintora surrealista Remedios Varo (en Anglés, Gerona, el 16 de diciembre de 1908), el MAM -Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México- presenta una nueva exposición: "Remedios Varo: cinco llaves", que reúne casi medio centenar de obras: 28 prestadas por coleccionistas particulares y 21 seleccionadas de la "colección Isabel Gruen Varsoviano, in memoriam", donadas al MAM por Walter Gruen y Anna Alexandra Gruen, y motivo de un largo litigio que enfrenta al estado mejicano, a Walter Gruen y a Beatriz Varo, sobrina de Remedios Varo, por la herencia de la pintora.
Entre las obras reunidas ahora bajo el título "Remedios Varo: cinco llaves", figuran tres piezas inéditas: el manuscrito "Sueños y recetas", y los cuadros "Mujer libélula" y "Creación con rayos astrales" -obra cuyo paradero se desconocía desde 1961-, que son expuestas por primera vez. Las nuevas obras, aseguró la comisaria la de exposición, Teresa Arq, fueron autentificadas por Walter Gruen, pareja sentimental de Varo y coleccionista de su obra.

La exposición también exhibe la única escultura que se conoce de Remedios Varo: "Homo Rodans" (1959), hecha a base de huesos de pollo, pavo y espinas de pescado.
Nacida en España, Remedios Varo se interesó en las artes influida por su padre, un ingeniero hidráulico de quien adoptó su gusto por los mecanismos y engranajes, elementos característicos en su obra. Su vida transcurrió entre Europa y México. Exhiliada en París, tuvo que abandonar Francia tras la invasión nazi y se refugió en México, país en el que permaneció hasta su muerte en 1963, a los 55 años de edad, víctima de un paro cardíaco.

Su formación artística estuvo influenciada por personalidades como Max Ernst, y Leonora Carrington, con quien mantuvo un estrecho lazo amistoso hasta su muerte.

Empapada del espíritu surrealista, sumó influencias místicas y alquímicas con las que buscaba representar los estados del alma.
El misticismo en la obra de Varo es un elemento que se advierte en el preciso instante en el que se está frente a cada uno de sus cuadros.

Esta exposición propone "cinco llaves" que permiten el acercamiento y comprensión de la obra de Varo.

Se trata esencialmente de claves para entrar en el universo creativo de la pintora.

Tere Arcq, comisaria de la muestra, las explica de la siguiente forma:

En la "llave arquitectónica" el mundo de la artista está rodeado de construcciones medievales, de estilo gótico o romántico, fortalezas y murallas, pisos cuadriculados que no obstante la firmeza de sus materiales, "en las pinturas de Varo se disuelven, se desvanecen y se entremezclan con la naturaleza".

La "llave literaria" tiene que ver con episodios literarios presentes en la obra de Varo, como la flor de 'El Principito', de Antoine de Saint Exupery", añadió Arcq al explicar que Varo era una "lectora ávida y culta" cuyas lecturas predilectas incluían obras de Edgar Allan Poe, H.P. Lovecraft o Aldous Huxley.

La tercera es la "llave onírica", e incluye las obras más atractivas de la muestra, como "Mujer saliendo del psicoanalista"
En la "llave surrealista” se observan obras de la primera etapa de Remedios Varo y que dan testimonio de su temprana adhesión a los principios del manifiesto surrealista de André Beton."

Y tenemos también una "llave mística". En las obras de Remedios Varo, dice Teresa Arq, se percibe una constante búsqueda espiritual, un deseo de plasmar la armoniosa unidad e interconexión de todas las cosas, de encontrar esa ‘llave mágica’ que le abra las puertas para penetrar en un universo oculto.

La exposición "Remedios Varo: cinco llaves", es el resultado de un proyecto de investigación que comenzó hace dos años y que culmina con la exposición por un lado y con la publicación del libro "Cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo", editado por Artes de México.
Tras la exposición "Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria", que se inauguró en febrero de 2008, esta nueva exposición y la edición del libro, forman parte de los actos organizados para conmemorar el centenario de Remedios Varo, que también tiene programado un simposio en el que se espera la participación de Janet Kaplan, biógrafa de Remedios Varo, y la elaboración del cortometraje "La revelación del relojero", inspirada en una de las obra de la artista del mismo nombre, que realiza una compañía independiente en Chicago.

Artículos relacionados:

-"Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano": Exposición y litigio.

- "Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano". Exposición.

-"Remedios Varo: el excelente negocio de especular con los muertos"

Remedio Varo: Bibliografía:

Transgresiones: "Ellas llevan los pantalones"

PARIS
7 de noviembre de 1800:

"Una Proclamación prohíbe a las mujeres vestir ropas de hombre"

No hay nada que constituya un signo de identidad sexual más superficial, pero a la vez más persistente, que la ropa. Y en ninguna otra época se diferenciaron tanto las ropas masculinas y las femeninas ni se ejerció tanta vigilancia sobre las transgresiones en materia de vestimenta como en el s. XIX.
Pero la prohibición de vestir pantalón no impidió que algunas mujeres se vistieran de hombre, ya por comodidad, ya por espíritu de emancipación.

(foto: Elisabeth Gramond,1889)

MADAME MARBUTY

Su nombre, antes de casarse, era Caroline Pétinaud, conocida como "la musa de Limoges". Tuvo un salón literario y escribía novelas, poemas y artículos de opinión bajo el pseudónimo de Claire Brune -Clara Morena-.
Amiga de Honoré de Balzac, acompañó al escritor en un viaje a Italia en 1836. Para evitar habladurías acordaron que Caroline se vestiría de hombre. Luciendo levita, con la fusta en la mano y el aire lleno de determinación, partió a Turín bajo el nombre de Marcel.
"Este traje, que me sienta muy bien, me encanta. Impide el que sea reconocida y me proporciona una infinidad de libertades agradables y nuevas. Esto le va a mi espíritu original", escribió en una carta a su madre.
El recuerdo de éste viaje en compañía de Marcel inspiró a Balzac su novela "El gabinete de las antigüedades".

GEORGE SAND

Su verdadero nombre era Aurore Dupin.

Ésta escritora francesa ha pasado a la historia no sólo por su valiosa producción literaria (escribió más de 200 libros, de los que 143 son novelas), sino, más aún, por haber sido una de las primeras mujeres que se rebelaron, abiertamente, contra los prejuicios sociales que condenaban a la mujer a una vida austera y sometida.

Educada por su abuela, que tenía una mentalidad muy abierta, se casó en 1822 con el barón Dudevant, al que abandonó tras considerar que la vida conyugal era tremendamente opresiva.

Su habitual atuendo masculino, sus numerosas relaciones amorosas -fué amante, entre otros, de Prosper Merimé (autor del libreto de la ópera Carmen), del poeta Alfred de Musset, de los músicos F. Chopin, F. Listz-, y su contínuo desafío a las normas morales y sociales, convirtieron a George Sand en un escándalo viviente. (En la imágen: grabado que muestra a George Sand, en compañía de un amigo)

ROSA BONHEUR

(1822-1899)

También famosa por usar ropas de hombre, la pintora francesa Rose Bonheur llevó siempre un estilo de vida poco convencional:
fumaba cigarros en público, cabalgaba a horcajadas y llevaba el pelo en forma de corta melena.
Reconocida entre los mejores pintores de animales de la historia, visitaba contínuamente los mataderos y las fincas ganaderas para estudiar su anatomía. La pesada y complicada moda femenina de la época no era la mejor ropa de trabajo. Empezó a usar vestimenta masculina y fué obligada a conseguir una "autorización oficial de travestismo" de la policía, que debía renovar periódicamente para poder llevar pantalones y fumar... (leer más)

ROMAINE BROOKS

(1874-1970)

Romaine Brooks: Autorretrato. 1923

...y compañía

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-"Amazons in the drawing room: The art of Romaine Brooks" (Biblioteca de Mujeres artistas)

-"Amazonas del arte nuevo" (Biblioteca de Mujeres Artistas)

-"Arte y cuestiones de género" (Biblioteca de Mujeres Artistas)

-"Gluck: her biography" (Biblioteca de Mujeres Artistas)

-"El ángel del hogar": un modelo de mujer en el s.XIX

"El angel del hogar": un modelo de mujer en el s.XIX

(...)"Dadas las condiciones de la actual sociedad, no es preciso que la mujer sea sabia, basta con que sea discreta; no es necesario que brille como filósofa: le basta con brillar por su humildad como hija; por su pudor como soltera; por su ternura como esposa; por su abnegación como madre; por su delicadeza y religiosidad como mujer."

(S. Catalina, El talento, el estudio y la artista, 1923)

Berthe Morisot: La lectura
"MANDAMIENTOS DE LA MUJER"
(publicado por M. Torrijos en "Almanaque para 1865")
1.º Amar a un hombre sobre todos los demás

2º No jurarle en vano
3º Hacerle fiestas
4º Honrarle y desear que sea padre de sus hijos
5º No celarle
6º No fiarle
7º No engañarle
8º No dar calabazas ni mentir
9º No desear más que un prójimo
10º No codiciar el lujo

Un marco social así, en el que estaba mal visto que una mujer fuera sabia, o coqueta más allá de lo prudente, o que pudiera tener una profesión, limitaba el acceso a su propia independencia, a su identidad.

¿Qué mayor satisfacción podía haber, para una mujer, que convertirse en "el ángel de su hogar"...? Ser una hija adorable, una buena esposa sumísa, solícita, caritativa y virginal, la madre abnegada de sus hijos e hijas... no se esparaba más de una mujer. Ni menos.

Las mujeres que aspiraban a desarrollar una vida profesional con proyección pública, como el arte, la literatura o la política eran consideradas usurpadoras de la autoridad masculina, destructoras de la armonía doméstica o "monstruos, algo así como terneras de cinco patas", como las llamó Renoir, un vanguardista, refiriéndose a algunas mujeres que querían convertirse en artistas y tener que soportar críticas como las que, por ejemplo, hacía un tal Sr. Zabala -en Catálogo Cómico-Crítico de la Exposición Nacional de Bellas Artes 1881-:

"Yo lo quisiera decir,

Mas no quisiera ofender.

Como pintora es muy mala,

muy buena como mujer."

---

Tres cosas ha de tener

la mujer para agradar:

Mucha aguja de coser

charlar poco y no pintar.

---

No sé qué elogiar primero.

Si el trabajo de la artista

o ese busto sandunguero.

---

En fín...

Pero ni ese marco social de clara desigualdad, ni la opinión de Renoir o las críticas artísticas del Sr. Zabala, ni la prohibición de cursar estudios oficiales de arte, pudieron impedir que hubiera mujeres que lucharan hasta conseguirlo.

Para ello tuvieron que superar límites, transgredir ciertas normas, romper barreras... y pagar las consecuencias.
"Matar al ángel del hogar" no salía barato y suponía, en muchos casos, pasar privaciones físicas, ser marginadas, rechazadas, criticadas, olvidadas...

(Mercedes García Bravo)

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