Raymond Oscar Bonheur

Raymond-Oscar Bonheur (Bordeaux 1796, Paris 1849)
(Pintor realista, padre de la pintora Rosa Bonheur, de Auguste Bonheur, también pintor, y de Isidore Jules Bonheur, escultor.)
Alumno de Pierre Lacour, tras establecerse en Burdeos como artista y profesor de arte, se casó con una de sus alumnas, Sophie Marquis, que comenzó, a su vez, a dar clases de música.

Obras conocidas:
- 2 pequeños óleos representando, cada uno, a St Amand y St. Seurin. En la Basílica de St.Seurin, Burdeos. En el inventario están valorados en 50 francos cada uno y fechados en 1839.

-Otro lienzo al óleo, en la Basílica de Saint Seurin, fechado en 1822, firmado con anagrama R.B. que muestra la escena del desprendimiento de Jesús.

Anna Klumpke (1856-1942)

Anna Elizabeth Klumpke (1856–1942), pintora especialmente conocida por sus retratos, nació en San Francisco, California (Estados Unidos).

Anna fue la mayor de ocho hermanos, entre los que se cuentan la astrónoma Dorothea Klumpke-Roberts, la violinista Julia Klumpke, y la neuróloga Augusta Déjerine-Klumpke. No cabe duda que sus padres, y en especial su madre, Dorothea Mattilda Tolle, concedieron a sus hijas la educación necesaria para converirse en profesionales cualificadas, en una época en la que el acceso de las mujeres a los estudios oficiales estaba vetado.

A los tres años, Anna sufrió una fractura de fémur tras una caída. A los cinco años se le diagnosticó osteomielitis y artrítis en la rodilla. Intentando una cura, su madre se trasladó con con sus hijas a Alemania, para ser tratada por un prestigioso doctor. Anne no mejoró y quedó coja para siempre.

Cuando Anna tenía quince años, sus padres se divorciaron y ella y sus hermanas (de las que vivían cinco) se mudaron con su madre a vivir en Göttingen. A los diecisiete años la familia se trasladó a Clarens, en Suiza, donde comenzó a tomar clases de arte, en su casa.

En octubre de 1877 se trasladó a Paris con su familia, y en 1883 ingresó en la Academia Julian, una de las pocas escuelas que aceptaban mujeres como alumnas. Fué alumna de Tony Robert-Fleury y Jules Lefebvre, y más tarde de Vuillefroy.

Presentó su primera obra importante en el Salón de París de 1884, donde ganó una medalla. Durante los años siguientes expuso regularmente.

Tras su periodo de aprendizaje, regresó a Estados Unidos y pasó los siguientes años en Boston.

En 1889 regresó a Paris con un propósito: realizar el retrato de Rosa Bonheur.

Desde niña, Anne había tenido una muñeca "Rosa", inspirada en la pintora de animales francesa Rosa Bonheur, que había llegado a ser tan famosa que se hicieron muñecas inspiradas en su imágen.

Fingiendo representar a un marchante de caballos, se presentó a la pintora en su estudio del Chateau de By, en Fointainebleau.

Al poco tiempo se trasladó a vivir allí y durante los diez años siguientes, hasta la muerte Rosa Bonheur en 1899, las dos pintoras vivieron juntas.

Klumpke fué nombrada heredera universal y supervisó la venta de las obras de Rosa Bonheur en 1900.
Fundó el Premio Rosa Bonheur, en la Societé des Artistes Fraçais, y creó el Museo de Rosa Bonheur, en el Chateau de By, en Fointainebleau.

En 1908 publicó una biografía de Rosa Bonheur, "Sa vie son ouvre", basada en su propio diario, en las cartas de Bonheur, dibujos y otros escritos. En el libro, que sólo se publicó en inglés en 1998, Anna Klumpke cuenta cómo la conoció, cómo se enamoraron y cómo se convirtió en su retratista oficial y en su compañera.

Tras la muerte de Bonheur, Anna pasó temporadas entre Francia, Boston y San Francisco, donde se instaló definitivamente en los años 30'.

Durante la I Guerra Mundial instaló un hospital para soldados heridos en el Chateau de By.

En 1940, a los 84 años, Anna Klumpke publicó su autobiografía, "Memoirs of an Artist".

Anna Klumpke murió en 1942, a los 86 años, en San Francisco.

(Museo-Estudio de Rosa Bonheur. En el caballete, otro de los tres retratos de Rosa Bonheur pintado por Anna Klumpke)

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-Rosa Bonheur (1822-1899)

-Transgresiones: "Ellas llevan los pantalones"

-Museo de Rosa Bonheur

ROSA BONHEUR:1822-1899.

Marie-Rosalie Bonheur, conocida como Rosa Bonheur (16 de marzo 1822 - 25 de mayo de 1899) llegó a ser una importante pintora y escultora francesa de tendencia realista. Su padre era un pintor paisajista de Burdeos, y era hermana del pintor Auguste Bonheur y del escultor Isidore Jules Bonheur. En este ambiente es fácil imaginar que pronto empezó a aprender a pintar en el taller familiar, con su padre, ya que la educación artística estaba vetada a las mujeres.

En seguida mostró su preferencia por la pintura de animales, influenciada por el pintor inglés Edward Landseer, que se convirtió en su especialidad y le dieron fama y dinero.

(En la imágen: Retrato de Marie-Roselie Bonheur, dite Rose Bonheur. Pintado por el artista Dubufe)

Estudió la anatomía animal visitando mataderos y haciendo disecciones. Preparaba cientos de bocetos y hacía multitud de estudios detallados antes de comenzar un nuevo cuadro o escultura.

En 1848 obtuvo la medalla de oro en el Salon Oficial, la muestra de arte más importante de Francia y en 1855 presentó el que sería su gran lanzamiento: la monumental "Feria de caballos":

(La feria de caballos. Rose Bonheur. Abajo, detalle en el que se aprecia un supuesto autorretrato de la pintora, que se abría pintado en el personaje con camisa azulada, a caballo, que mira al espectador.)

El cuadro le dió fama y reconocimiento internacional, y ese mismo año viajó a Escocia, invitada por la reina Victoria, que admiraba sus obras. En escocia hizo un gran número de bocetos que le sirvieron para realizar, después, alguno de los cuadros que seguirían dandole fama, como A Scottish Raid, terminado en 1860, y Highland Shepherd (en la imágen). Estas obras, que muestran un estilo de vida que había desaparecido un siglo antes, gustaba a la sensibilidad victoriana y se hicieron muy populares en Inglaterra, aunque no tanto en Francia.

Considerada, ya en su época, como la mujer artista más famosa, era representada por los galeristas más importantes, en especial por Ernest Gambart (1814-1902), que obtuvo los derechos de reproducción y venta de grabados realizados a partir de sus obras, en su galería londinense de Pall MAll.

Fué la primera mujer que recibió la Legión de Honor, en 1865, que le fué impuesta por su amiga, la Emperatriz Eugenia (de Montijo) y en 1894 se convirtió en Oficial de la Legión de Honor, máxima distinción que otorga el estado francés.

Pero si hoy en día es más tenida en cuenta, y a menudo es considerada como una protofeminista, es por su hábito de vestir ropa masculina:
"Me dí cuenta que la ropa femenina era una constante molestia. Por eso decidí solicitar la autorización para vestir ropa de hombre al prefecto de policía. Pero el traje que llevo es mi traje de trabajo, no significa nada más. Lo que digan los imbéciles no me ha preocupado nunca. "

(TRANSCRIPCIÓN)

Permission de travestissement accordée à Rosa Bonheur
Paris, le 12 Mai 185- Nous. Préfet de Police. [...] Autorisons la demoiselle Rosa Bonheur demeurant à Paris, rue ... n° 320 à s'habiller en homme ; pour raison de santé sans qu'elle puisse, sous ce travestissement, paraître aux Spectacles. Bals et autres lieux de réunion ouverts au public. la présente autorisation n'est valable que six mois, à compter de ce jour.

Durante cincuenta años vivió con su compañera Nathalie Micas en su propiedad, el Chateau de By, cerca de Fointainebleau.

Tras la muerte de Micas se unió a la pintora americana Anna Elisabeth Klumpke (1856–1942), que realizó uno de los retratos más apreciados de Rose Bonheur.

Murió a los 77 años, el 25 de mayo de 1899.

En 1900 se realizó una gran subasta con las obras de Rose Bonheur, supervisada por Anna E. Klumpke, que había sido nombrada heredera universal.

Klumpke creó el Premio Rosa Bonheur en la Société des Artistes Français, y le dedicó un museo en el Chateau de By.

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-Modelos de mujer en el siglo XIX. Transgresiones: Ellas llevan los pantalones

-Anna Klumpke

-Museo-estudio de Rosa Bonheur

Ramón Casas y Santiago Rusiñol (...o viceversa)

El cuadro de Ramón Casas titulado Retratándose define perfectamente la amistad que existía entre ambos pintores catalanes, que compartieron intereses artísticos, estancias en París, tertulias en Els cuatre gats de Barcelona, amigos, modelos...

Se trata de un divertimento, de una especie de broma cómplice en la que Casas se autorretrata en un exterior, con capa y sombrero negro, y frente a él a Santiago Rusiñol con bombín y traje marrón.

"RETRATÁNDOSE", Ramón Casas, 1891

Santiago Rusiñol y Ramón Casas se retrataron mutuamente en varias ocasiones:

Santiago Rusiñol, pintado por Ramón Casas:

Ramón Casas, pintado por Santiago Rusiñol:

(Santiago Rusiñol y sus amigos catalanes con una mujer desconocida. Paris, s.f.)

(Santiago Rusiñol, Ramón Canudas, Miguel Utrillo y el escultor Enric Clarassó: Españoles en Montmartre.)

Las cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo

Cien años después del nacimiento de la pintora surrealista Remedios Varo (en Anglés, Gerona, el 16 de diciembre de 1908), el MAM -Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México- presenta una nueva exposición: "Remedios Varo: cinco llaves", que reúne casi medio centenar de obras: 28 prestadas por coleccionistas particulares y 21 seleccionadas de la "colección Isabel Gruen Varsoviano, in memoriam", donadas al MAM por Walter Gruen y Anna Alexandra Gruen, y motivo de un largo litigio que enfrenta al estado mejicano, a Walter Gruen y a Beatriz Varo, sobrina de Remedios Varo, por la herencia de la pintora.
Entre las obras reunidas ahora bajo el título "Remedios Varo: cinco llaves", figuran tres piezas inéditas: el manuscrito "Sueños y recetas", y los cuadros "Mujer libélula" y "Creación con rayos astrales" -obra cuyo paradero se desconocía desde 1961-, que son expuestas por primera vez. Las nuevas obras, aseguró la comisaria la de exposición, Teresa Arq, fueron autentificadas por Walter Gruen, pareja sentimental de Varo y coleccionista de su obra.

La exposición también exhibe la única escultura que se conoce de Remedios Varo: "Homo Rodans" (1959), hecha a base de huesos de pollo, pavo y espinas de pescado.
Nacida en España, Remedios Varo se interesó en las artes influida por su padre, un ingeniero hidráulico de quien adoptó su gusto por los mecanismos y engranajes, elementos característicos en su obra. Su vida transcurrió entre Europa y México. Exhiliada en París, tuvo que abandonar Francia tras la invasión nazi y se refugió en México, país en el que permaneció hasta su muerte en 1963, a los 55 años de edad, víctima de un paro cardíaco.

Su formación artística estuvo influenciada por personalidades como Max Ernst, y Leonora Carrington, con quien mantuvo un estrecho lazo amistoso hasta su muerte.

Empapada del espíritu surrealista, sumó influencias místicas y alquímicas con las que buscaba representar los estados del alma.
El misticismo en la obra de Varo es un elemento que se advierte en el preciso instante en el que se está frente a cada uno de sus cuadros.

Esta exposición propone "cinco llaves" que permiten el acercamiento y comprensión de la obra de Varo.

Se trata esencialmente de claves para entrar en el universo creativo de la pintora.

Tere Arcq, comisaria de la muestra, las explica de la siguiente forma:

En la "llave arquitectónica" el mundo de la artista está rodeado de construcciones medievales, de estilo gótico o romántico, fortalezas y murallas, pisos cuadriculados que no obstante la firmeza de sus materiales, "en las pinturas de Varo se disuelven, se desvanecen y se entremezclan con la naturaleza".

La "llave literaria" tiene que ver con episodios literarios presentes en la obra de Varo, como la flor de 'El Principito', de Antoine de Saint Exupery", añadió Arcq al explicar que Varo era una "lectora ávida y culta" cuyas lecturas predilectas incluían obras de Edgar Allan Poe, H.P. Lovecraft o Aldous Huxley.

La tercera es la "llave onírica", e incluye las obras más atractivas de la muestra, como "Mujer saliendo del psicoanalista"
En la "llave surrealista” se observan obras de la primera etapa de Remedios Varo y que dan testimonio de su temprana adhesión a los principios del manifiesto surrealista de André Beton."

Y tenemos también una "llave mística". En las obras de Remedios Varo, dice Teresa Arq, se percibe una constante búsqueda espiritual, un deseo de plasmar la armoniosa unidad e interconexión de todas las cosas, de encontrar esa ‘llave mágica’ que le abra las puertas para penetrar en un universo oculto.

La exposición "Remedios Varo: cinco llaves", es el resultado de un proyecto de investigación que comenzó hace dos años y que culmina con la exposición por un lado y con la publicación del libro "Cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo", editado por Artes de México.
Tras la exposición "Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria", que se inauguró en febrero de 2008, esta nueva exposición y la edición del libro, forman parte de los actos organizados para conmemorar el centenario de Remedios Varo, que también tiene programado un simposio en el que se espera la participación de Janet Kaplan, biógrafa de Remedios Varo, y la elaboración del cortometraje "La revelación del relojero", inspirada en una de las obra de la artista del mismo nombre, que realiza una compañía independiente en Chicago.

Artículos relacionados:

-"Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano": Exposición y litigio.

- "Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano". Exposición.

-"Remedios Varo: el excelente negocio de especular con los muertos"

Remedio Varo: Bibliografía:

Transgresiones: "Ellas llevan los pantalones"

PARIS
7 de noviembre de 1800:

"Una Proclamación prohíbe a las mujeres vestir ropas de hombre"

No hay nada que constituya un signo de identidad sexual más superficial, pero a la vez más persistente, que la ropa. Y en ninguna otra época se diferenciaron tanto las ropas masculinas y las femeninas ni se ejerció tanta vigilancia sobre las transgresiones en materia de vestimenta como en el s. XIX.
Pero la prohibición de vestir pantalón no impidió que algunas mujeres se vistieran de hombre, ya por comodidad, ya por espíritu de emancipación.

(foto: Elisabeth Gramond,1889)

MADAME MARBUTY

Su nombre, antes de casarse, era Caroline Pétinaud, conocida como "la musa de Limoges". Tuvo un salón literario y escribía novelas, poemas y artículos de opinión bajo el pseudónimo de Claire Brune -Clara Morena-.
Amiga de Honoré de Balzac, acompañó al escritor en un viaje a Italia en 1836. Para evitar habladurías acordaron que Caroline se vestiría de hombre. Luciendo levita, con la fusta en la mano y el aire lleno de determinación, partió a Turín bajo el nombre de Marcel.
"Este traje, que me sienta muy bien, me encanta. Impide el que sea reconocida y me proporciona una infinidad de libertades agradables y nuevas. Esto le va a mi espíritu original", escribió en una carta a su madre.
El recuerdo de éste viaje en compañía de Marcel inspiró a Balzac su novela "El gabinete de las antigüedades".

GEORGE SAND

Su verdadero nombre era Aurore Dupin.

Ésta escritora francesa ha pasado a la historia no sólo por su valiosa producción literaria (escribió más de 200 libros, de los que 143 son novelas), sino, más aún, por haber sido una de las primeras mujeres que se rebelaron, abiertamente, contra los prejuicios sociales que condenaban a la mujer a una vida austera y sometida.

Educada por su abuela, que tenía una mentalidad muy abierta, se casó en 1822 con el barón Dudevant, al que abandonó tras considerar que la vida conyugal era tremendamente opresiva.

Su habitual atuendo masculino, sus numerosas relaciones amorosas -fué amante, entre otros, de Prosper Merimé (autor del libreto de la ópera Carmen), del poeta Alfred de Musset, de los músicos F. Chopin, F. Listz-, y su contínuo desafío a las normas morales y sociales, convirtieron a George Sand en un escándalo viviente. (En la imágen: grabado que muestra a George Sand, en compañía de un amigo)

ROSA BONHEUR

(1822-1899)

También famosa por usar ropas de hombre, la pintora francesa Rose Bonheur llevó siempre un estilo de vida poco convencional:
fumaba cigarros en público, cabalgaba a horcajadas y llevaba el pelo en forma de corta melena.
Reconocida entre los mejores pintores de animales de la historia, visitaba contínuamente los mataderos y las fincas ganaderas para estudiar su anatomía. La pesada y complicada moda femenina de la época no era la mejor ropa de trabajo. Empezó a usar vestimenta masculina y fué obligada a conseguir una "autorización oficial de travestismo" de la policía, que debía renovar periódicamente para poder llevar pantalones y fumar... (leer más)

ROMAINE BROOKS

(1874-1970)

Romaine Brooks: Autorretrato. 1923

...y compañía

Artículos relacionados:

-"Amazons in the drawing room: The art of Romaine Brooks" (Biblioteca de Mujeres artistas)

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-"Arte y cuestiones de género" (Biblioteca de Mujeres Artistas)

-"Gluck: her biography" (Biblioteca de Mujeres Artistas)

-"El ángel del hogar": un modelo de mujer en el s.XIX

"El angel del hogar": un modelo de mujer en el s.XIX

(...)"Dadas las condiciones de la actual sociedad, no es preciso que la mujer sea sabia, basta con que sea discreta; no es necesario que brille como filósofa: le basta con brillar por su humildad como hija; por su pudor como soltera; por su ternura como esposa; por su abnegación como madre; por su delicadeza y religiosidad como mujer."

(S. Catalina, El talento, el estudio y la artista, 1923)

Berthe Morisot: La lectura
"MANDAMIENTOS DE LA MUJER"
(publicado por M. Torrijos en "Almanaque para 1865")
1.º Amar a un hombre sobre todos los demás

2º No jurarle en vano
3º Hacerle fiestas
4º Honrarle y desear que sea padre de sus hijos
5º No celarle
6º No fiarle
7º No engañarle
8º No dar calabazas ni mentir
9º No desear más que un prójimo
10º No codiciar el lujo

Un marco social así, en el que estaba mal visto que una mujer fuera sabia, o coqueta más allá de lo prudente, o que pudiera tener una profesión, limitaba el acceso a su propia independencia, a su identidad.

¿Qué mayor satisfacción podía haber, para una mujer, que convertirse en "el ángel de su hogar"...? Ser una hija adorable, una buena esposa sumísa, solícita, caritativa y virginal, la madre abnegada de sus hijos e hijas... no se esparaba más de una mujer. Ni menos.

Las mujeres que aspiraban a desarrollar una vida profesional con proyección pública, como el arte, la literatura o la política eran consideradas usurpadoras de la autoridad masculina, destructoras de la armonía doméstica o "monstruos, algo así como terneras de cinco patas", como las llamó Renoir, un vanguardista, refiriéndose a algunas mujeres que querían convertirse en artistas y tener que soportar críticas como las que, por ejemplo, hacía un tal Sr. Zabala -en Catálogo Cómico-Crítico de la Exposición Nacional de Bellas Artes 1881-:

"Yo lo quisiera decir,

Mas no quisiera ofender.

Como pintora es muy mala,

muy buena como mujer."

---

Tres cosas ha de tener

la mujer para agradar:

Mucha aguja de coser

charlar poco y no pintar.

---

No sé qué elogiar primero.

Si el trabajo de la artista

o ese busto sandunguero.

---

En fín...

Pero ni ese marco social de clara desigualdad, ni la opinión de Renoir o las críticas artísticas del Sr. Zabala, ni la prohibición de cursar estudios oficiales de arte, pudieron impedir que hubiera mujeres que lucharan hasta conseguirlo.

Para ello tuvieron que superar límites, transgredir ciertas normas, romper barreras... y pagar las consecuencias.
"Matar al ángel del hogar" no salía barato y suponía, en muchos casos, pasar privaciones físicas, ser marginadas, rechazadas, criticadas, olvidadas...

(Mercedes García Bravo)

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-Mujeres impresionistas: la otra mirada (Bibliografía)

Sobre Berthe Morisot, pintora impresionista y modelo de artistas:
-Berthe Morisot: Pintar en familia.
-Berthe Morisot con ramillete de violetas.
-Le secret de la femme en noir. (Bibliografía)
-Berthe Morisot: la modelo que pintó a Manet. (Bibliografía)

Sobre Suzanne Valadón, pintora postimpresionista y modelo y amante de artistas:
-Suzanne Valadon: eres de los nuestros
-Suzanne Valadon y Erik Satie: arte, música y una relación tempestuosa.
-Vejaciones. O cómo sobrevivir a Suzanne Valadon.
-Retrato de Erik Satie. Suzanne Valadon.
-Suzanne Valadon y su hijo: Maurice Utrillo.
-Maurice Utrillo y su madre: Suzanne Valadon.
-Artistas de Montmartre.

Sobre Camille Claudel, escultora impresionista, modelo y amante de artistas:
-La obra de Camille Claudel en Madrid
-Camille Claudel. La internada, Anne Rivière. (Bibliografía)
-Camille Claudel, Anne Delbée (Bibliografía)

Retrato de Erik Satie. Suzanne Valadon

El Retrato de Eric Satie es una pequeña obra alargada y de dimensiones poco habituales.

Suzanne Valadon parece haber cortado bruscamente los brazos del músico, enfatizando con esta verticalidad el aspecto del modelo, cuyo rostro emerge del negro que le rodea, iluminado por el cuello blanco sobre el que parece asentarse, convencionalmente situado en el centro de la composición y ocupando tres cuartos del total de la obra.

La intensidad de la mirada, enfrentada a la del espectador, tras los impertinentes que siempre llevaba, el bigote engominado, el pelo descuidado y el alto sombrero negro son los únicos atributos que dotan de personalidad al retratado, un Erik Satie que por entonces tenía 26 años y había comenzado, con la pintora y modelo Suzanne Valadon, la primera y unica relación amorosa que tuvo en su vida.

Si bien esta obra tiene toda la personalidad de Valadon, se pueden apreciar en el Retrato de Erik Satie algunas influencias. La fuerte y abrumadora presencia de la imágen evoca alguna de las obras de Toulousse Lautrec - su Aristide Bruand, por ejemplo-; Cezanne está presente en la forma de aplicar el color, y la economía de trazos con la que construye la imágen está cercana a la tradición caricaturesca y satírica de muchos artistas de Montmartre.

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-Miguel Utrillo Morlius (1862-1934)

Agustina de Aragón (retrato de Agustina Atienza Cobos)

Este retrato de Agustina de Aragón, la heroína de los Sitios de Zaragoza (1808), fué pintado por su nieta, Agustina Atienza Cobos, en 1885.
Ese año, el consistorio zaragozano concedió una beca a la pintora y la obra fué donada al Ayuntamiento de la ciudad, para ser expuesta en la Exposición Aragonesa de 1885-1986.

En una restauración posterior llevada a cabo por el pintor Manuel Navarro desaparecieron algunos elementos del cuadro, como partes del paisaje, la boca del cañón... y ¡la firma de la autora!.

Así no es de extrañar que durante mucho el tiempo el cuadro fuera atribuído, erróneamente, a otro artísta: Marcelino de Unceta.

Agustina Atienza Cobos retrató a su abuela vestida con el uniforme de oficial del ejercito español -subteniente de artillería- a partir de la información que su madre, Carlota Cobos, la hija de Agustina de Aragón, le iba proporcionando acerca de sus rasgos físicos y su atuendo.

Agustina Zaragoza Domenech era el nombre completo de una de las heroínas que contribuyeron a detener, en Zaragoza, el avance de las tropas del ejército francés de Napoleón en su intento de conquistar España durante la guerra de la Independencia.

Los dos asedios sufridos por los zaragozanos, con bombardeos contínuos, no consiguieron doblegar el espíritu de lucha e independencia de la población sitiada, que a falta de un ejercito formal que les defendiera, se organizó en grupos civiles que consiguieron detener, casa por casa, el avance de las tropas francesas.

En la actualidad el cuadro se encuentra en el despacho del Alcalde de Zaragoza.
Lnks: Otra mujer que luchó por la libertad: Mariana Pineda

"VEJACIONES". O cómo sobrevivir a Suzanne Valadon

Santiago Rusiñol: Retrato de Erik Satie al piano

"Vexations" es el título de una pieza musical escrita por Erik Satie e inspirada, al parecer, en su relación amorosa con Suzanne Valadon.

En apariencia es extremadamente simple.

Lo que la convierte en una obra de difícil interpretación es la nota añadida por Satie a la partitura:

"Hay que advertir que para tocar esta pieza 840 veces consecutivas, uno debe prepararse previamente, en profundo silencio y completa inmovilidad".

Esta enigmática instrucción, en una partitura que sólo ocupa una página bajo el título "Vexations", ha convertido esta pieza para piano en una auténtica leyenda de la historia de la música experimental.

Salió de oscuridad en 1949, cuando Henri Sauget, un amigo de Satie en sus últimos años, se la dió a conocer a John Cage, que se interesó en su concepto pero rechazó la posibilidad de una representación.

"Vexations", realmente, es un reto para el oído y para la vista del intérprete, que al repetirlo tantas veces, tiene dificultades para recordarlo y debe mantener una intensa concentración para no cometer errores, comenzando cada repetición como si fuera la primera. Una y otra vez, 840 veces...

... Aunque la verdad es que no dice que el intérprete deba repetirla 840 veces. Sólo dice: "para tocar esta pieza 840 veces..."

¿...Podrían ser menos repeticiones..., podrían ser más...? Nunca lo sabremos, porque la partitura no fué publicada por Satie durante su vida ni fué representada públicamente.

Hermético, obsesivo y catársico, podemos imaginar a Erik Satie, bohemio, afectado, excéntrico y pobre, repitiendo las mismas simples notas, una y otra vez, concentrado hasta la ofuscación, en su pequeña habitación de Paris, del 6 rue de Cortot, a pocos pasos del estudio donde vivía Suzanne Valadon -en el número 12 de la misma calle-.

Santiago Rusiñol: Erik Satie

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Suzanne Valadon y Erik Satie: arte, música y una relación tempestuosa.

La pintora y modelo Suzanne Valadon (1865-1938) mantuvo, desde enero hasta junio de 1893, seis meses de intensa relación amorosa con el músico Erik Satie. Una relación que parece haber sido la única que tuvo el músico en toda su vida, y sólo una más de las muchas de la pintora.
Esta desigual relación comenzó cuando el músico, conocido como el "padre de la música moderna" conoció a Suzanne Valadon, "la terrible Marie", en el Auberge du Clou, un bullicioso y barato local de Pigalle, donde él tocaba el piano (abajo, en la imágen , ca 1890-1990)

Esa misma noche, el 14 de enero de 1893, Erik Satie propuso matrimonio a Suzanne Valadon. Obsesionado con la artista, a la que llamaba su "Biqui", le escribía apasionadas notas en las que hablaba de "todo su ser, de sus hermosos ojos, de sus dulces manos y sus pequeños pies".

El fin de la relación, sólo seis meses después, dejó a Satie sin "nada excepto una helada soledad que llena el cerebro de vacío y el corazón de tristeza".

Suzanne Valadon hizo un retrato de Satie ( imagen de la derecha) y se lo regaló a él.
Erik Satie compuso dos piezas musicales inspiradas en Valadon... y se las quedó.
Las partituras aparecieron juntas, tras la muerte de Satie, en su habitación de Arceuil.

Se trata de las piezas "Bonjour, Biqui, bonjour!" -que fué compuesto por Erik Satie como regalo de Pascua para Suzanne Valadon el 2 de abril de 1893 (imágen de la izquierda), y de "Vexations", una hermética pieza musical con la que Satie, de forma casi catársica, intenta reflejar el dolor que sentía por el fin de su relación con Valadón.

(Mercedes García Bravo)

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- Suzanne Valadon: Bibliografía (Biblioteca de Mujeres Artistas)

-12, Rue Cortot: Musée de Montmartre (Ciudad de las Mujeres: Paris)

MIGUEL UTRILLO MORLIUS (1862-1934)

Miguel Utrillo ( Barcelona, 16 de febrero de 1862 - Sitges (Garraf), el 20 de enero de 1934) estudió Ingeniería en París y después trabajó como voluntario en el observatorio de Montsouris y en el Instituto Nacional Agronómico. Trabajando de ingeniero recorrió diversos países europeos (Francia, Alemania, Bélgica y Bulgaria), hasta que regresó a España para trabajar para la Compañía de Minas en Córdoba.
En 1888 participó en la exposición internacional de Córdoba y finalmente se decidió a abandonar la ingeniería para dedicarse a la pintura, su gran aficción, y a la crítica de arte.
Así en 1889 trasladó su residencia a París, donde se desplazó como corresponsal del diario “La Vanguardia”. Allí entró en contacto con numerosos artistas españoles como Ramón Casas, Santiago Rusiñol o Zuloaga.

Santiago Rusiñol: "El pintor Miguel Utrillo en los jardines del Moulin de la Galette" (arriba)

Ramon Casas: Miguel Utrillo (abajo)

En 1891 adoptó a Maurice, hijo de la modelo y pintora Suzanne Valadon, que llegaría a convertirse en el conocido pintor de los rincones y calles de Montmartre, Maurice Utrillo. (En la imágen: Miguel Utrillo y Morlius, Retrato de Suzanne Valadon, 1892)

A su regreso a España participó en las tertulias del café “Els Quatre Gats” de Barcelona y escribió diversos ensayos de Arte como “Joseph Ribera L’Espagnolet” (Nueva York 1908) o “Five Essays on the art of Ignacio Zuloaga” (Nueva York, 1909), además de dirigir la sección de arte de la enciclopedia Espasa-Calpé hasta 1919.
Aunque nunca realizó exposiciones individuales, en 1929 participó en la Exposición Internacional de Barcelona, de la que fue organizador y participó activamente en la creación del Pueblo Español de Montjuïc.En el año 1912 empezó la colaboración con el millonario Charles Deering para la construcción del Palacio Maricel -en Sitges- como lugar para asegurar la conservación de sus colecciones de arte.

Gabriele Münter: "Las escuelas, Murnau", 1908

Gabriele Münter: "Las escuelas, Murnau", 1908

(Colección Carmen Thyssen-Boremisza)

Junto con Alexej von Jawlensky y Marianne Werefkin, Gabriele Münter y Wassily Kandinsky exploraron la antigua ciudad de Murnau, a orillas del lago Staffelsee, con su importante mercado, como tema para sus cuadros durante el verano de 1908.

«Fue una época creativa maravillosa, interesante y feliz en la que discutíamos mucho sobre arte», recordaría Münter posteriormente. «Todos nos esforzábamos mucho y todos maduramos [desde el punto de vista artístico]. Yo hice montones de estudios. Hubo días en que hice cinco estudios (sobre cartones de 33 x 41 [cm]), muchos en los que hice tres y unos cuantos en los que no pinté nada. Todos trabajamos mucho».

El cuadro "Las escuelas, Murnau", al coincidir sus medidas con los que Münter identificó, es uno de los frutos de aquellos radiantes días de verano. Münter escribió con lápiz sobre la pintura todavía fresca la fecha «27 VIII» (27 de agosto [1908]) y la cifra romana «IV» para identificar el número cuatro de los estudios que hizo aquel día. Es posible que el número adicional «18» que figura a la derecha haga referencia al número total de cuadros pintados en Murnau hasta aquel momento.

El cuadro marca la transición definitiva de Münter desde su obra más temprana derivada del Impresionismo hasta el Expresionismo que ella, Kandinsky y Jawlensky desarrollaron aquel verano en Murnau. Lo que se representa es uno de los edificios más grandes y vulgares de Murnau, en una composición engañosamente sencilla, con no más que ocho elementos de planos escuetamente yuxtapuestos, que se distinguen por su color y su perfil. Los colores aparecen en grandes masas lisas, relativamente poco matizadas, animadas de tanto en tanto por pequeñas pinceladas de brillante e intenso colorido. La sencillez, la reducción y el equilibrio caracterizan esta obra. No obstante, como antítesis de estos principios compositivos, las anchas pinceladas, la pintura diluida, las formas abocetadas, las zonas de cartón sin cubrir, todo ello apunta a un rápido proceso pictórico, una especie de creación automática que sumerge la consciencia en un acto intuitivo de creación de imagen. «La mayoría de mis mejores obras las pinté rápidamente y sin hacer correcciones», escribía Münter en los últimos años de su vida, «como si se pintaran solas». Pero esta aparente naturalidad era algo buscado y cultivado.

Son múltiples las fuentes del nuevo planteamiento de la pintura que Münter halló en Murnau. Por una parte, los efectos ya anticipados de sus propias creaciones en grabados que aquí exploró en pintura. Pero también se detectan los antecedentes de las obras de Paul Gauguin y Vincent van Gogh en la composición y el uso de grandes masas planas de color perfilado; se podría decir que el sentido cromático de Edvard Munch inspira la utilización del color de Münter; y también le sirvió de modelo el ejemplo fauvista de Henri Matisse. La complejidad de los vocabularios modernistas que incidieron en Münter se incrementó todavía más cuando descubrió el arte popular bávaro de la pintura sobre cristal, que utiliza recursos formales similares. Münter, ecléctica en sus planteamientos, consiguió la originalidad de su estilo personal en el ambiente de las callejuelas de Murnau, sus apiñadas casas que tapaban la vista de las cercanas montañas, sus jardines y prados que insertaban la naturaleza en el entorno geométrico de las moradas humanas.«Tras un breve período de experimentación», recordaba en su diario en 1911, «di un salto trascendental [en Murnau], —pasando de pintar del natural, de una manera más o menos impresionista, a sentir que había un contenido [y] a abstraer, a representar un extracto». En Murnau desarrolló en el espacio de unas semanas, entre agosto y septiembre de 1908, su estilo expresionista de madurez.

(Reinhold Heller. Texto extraído de la página web del Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid)

Gabriele MÜNTER, notas biográficas

Gabriele Münter (Berlín, 1877 - Murnau, 1962)

Pese a de las dificultades que las mujeres que pretendían dedicarse a la pintura pudieran encontrar para formarse adecuadamente, Gabriele Münter estudió arte tanto en Düsseldorf (1897) como en Múnich (1901). Entre 1898 y 1901 viajó por América, visitando San Luis y Nueva York.

A su regreso a Europa, como no estaba satisfecha con la enseñanza que recibía, dio un paso significativo y se apuntó al curso nocturno que impartía el pintor ruso Wassily Kandinsky en la Phalanxschule, donde tuvo ocasión de familiarizarse con el Jugendstil. Entre 1902 y 1914 sus exploraciones artísticas estuvieron íntimamente relacionadas con las que llevaba a cabo Kandinsky. Esta colaboración mutua se vio reforzada por una relación personal que se prolongó hasta 1914, año en que Kandinsky regresó a Rusia. La pareja hizo numerosos viajes por el extranjero. En París, Münter admiró profundamente la obra de los maestros del impresionismo, integrando sus teorías en los paisajes de gran formato que ejecutó por aquel entonces, entre los que cabe destacar "En Kallmünz" (1903, colección particular) y "Calle de Sèvres" (1906-1907, Múnich, Städtische Galerie im Lenbachhaus).

A finales de esta década, la pintora empezó a expresarse a través de otros medios, tales como xilografías, linografías y dibujos. En 1907 expuso en el Salon d’Automne de París una serie de retratos realizados mediante linografías coloreadas, entre los que figuraba uno de Kandinsky.

En 1911 la artista ya había adoptado una intensa paleta compuesta principalmente por colores primarios y, junto con Kandinsky, Jawlensky y Franz Marc, participó en la génesis de Der Blaue Reiter, movimiento fundamental para el desarrollo del expresionismo alemán. Durante la guerra, ella y Kandinsky se trasladaron provisionalmente a Suiza y, cuando él se marchó a Rusia, Münter dejó de pintar durante algún tiempo. Posteriormente regresó a Alemania y, aunque la censura nazi le afectó profundamente, siguió trabajando.

Gabriele Münter murió en su casa de Murnau, Baviera, el 19 de mayo de 1962.

(Dominique Lora. Texto extraído de la página web del Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid)

Bibliografía:

-VVAA, Gabriele Münter: The search for expression 1906-1918 (Biblioteca de Mujeres Artistas)

Gabriele Münter, Autorretrato