The White Mouse, Nancy Wake (2001), Melissa Beowulf

The White Mouse, Nancy Wake (2001), Melissa Beowulf

National Portrait Gallery. Canberra, Australia

El cuadro de Melissa Beowulf nos muestra frontalmente a su modelo, Nancy Wake, una activista de la resistencia que volvió locos –literalmente- a los agentes de la Gestapo, durante la II Guerra Mundial. Nancy Wake posa con un sobrio traje azul sobre fondo neutro sobre el que destacan, en primer plano, las manos firmemente unidas y sujetando sus rodillas.

Su rostro refleja… ¿amablemente firme…?

Nancy Wake posa con las medallas obtenidas por su labor durante la II Guerra Mundial:

Companion of the Order of Australia

George Medal

1939-1945 Star

France and Germany Star

Defence Medal

War Medal 1939–1945

Officier de la Légion d'Honneur (France)

Croix de Guerre with two Palms and a Star (France)

Presidential Medal of Freedom with Bronze Palm (USA)

Médaille de la Résistance (France)

LA MODELO: Nancy Wake

Nancy Wake, nació en Wellington, Nueva Zelanda en 1912. Fue la menor de seis hijos. Sus padres se mudaron a Sidney, Australia, en 1914, cuando Nancy tenía 20 meses de edad y poco después su padre abandonó a la familia.

Mucho más joven que sus hermanos y muy independiente, a los 16 años dejó la casa familiar. Viajó a Nueva York y a Inglaterra y luego a París, donde trabajó como periodista.

Fue testigo en Viena del ascenso de Hitler, el nacionalsocialismo, el antisemitismo y la violencia hacia judíos, homosexuales, gitanos, negros y protestantes. Esa experiencia la llevó a la firme determinación de luchar en la Resistencia Francesa.

En 1939 se casó en Marsella con el industrial francés Henri Fiocca. Juntos tuvieron una vida sofisticada, llena de fiestas, cenas y viajes. Vivían en un lujosos apartamento en Marsella, ubicado en una colina, desde donde se veía la bahía y el puerto. Seis meses después de su matrimonio, Alemania invadió Francia. Lentamente pero con gran resolución Nancy se fue incorporando a la lucha. En 1940 pasó de la simple observación, a la acción decidida, uniéndose a la entonces embrionaria Resistencia. Su trabajo inicial fue de simple correo, llevando mensajes y comida a los grupos clandestinos en el sur de Francia.

Compró una ambulancia que usó para ayudar a los refugiados que escapaban del avance alemán. Siendo la esposa de un acaudalado industrial, se le abrían las puertas con facilidad en los medios oficiales del gobierno de Vichy. Logró obtener papeles con una identidad falsa que le permitieron trabajar en la Francia ocupada.

Su trabajo en la Resistencia puso en riesgo su vida y pronto se convirtió en sospechosa de actividades ilícitas y fue vigilada por la Gestapo. Los agentes alemanes llegaron a intervenir su teléfono y su correspondencia. Cambió varias veces de identidad para eludir a los agentes de la Gestapo, que la apodaron "Ratón Blanco"-The white mouse-.

En 1943, Nancy Wake encabezó la lista de los más buscados por la Gestapo, que ofreció una recompensa de 5 millones de francos para quien ayudara en su captura. La Resistencia decidió que era muy arriesgado para la vida de Nancy y la envió a Londres. Se despidió de su esposo, a quien no volvió a ver más.

La fuga no fue fácil. Tuvo que hacer numerosos intentos para cruzar los Pirineos y llegar a España. En uno de esos intentos fue capturada por las milicias francesas de Vichy e interrogada durante cuatro días consecutivos. Finalmente la soltaron sin que lograran sacarle ninguna información.  Finalmente y al sexto intento logró cruzar los Pirineos y desde España embarcó a Inglaterra.

A la edad de 31 años, Nancy Wake fue una de las 39 mujeres y 430 hombres pertenecientes a la Sección Francesa del Special Operations Executive (SOE) que trabajó con los Maquis saboteando las instalaciones alemanas en la Francia Ocupada. Fue entrenada en el uso de armas y explosivos, defensa personal, uso de códigos y radio, supervivencia y paracaidismo nocturno. Oficialmente, las mujeres estaban asignadas a servicios de ambulancias, pues su identidad era mantenida en estricto secreto por la SOE.

En febrero de 1944, Nancy Wake y el Mayor John Farmer, otro miembro del SOE, fueron lanzados en paracaídas en la región de Auvergne en el centro de Francia con órdenes de localizar y organizar las bandas de Maquís, estableciendo depósitos de armas con los materiales que les lanzarían en paracaídas e instalando un transmisor para las comunicaciones con Inglaterra.

La misión principal de Nancy Wake, fue preparar el terreno para el día de la invasión aliada de Francia. Sus blancos principales fueron, instalaciones alemanas, convoyes y tropas que en número de 22 mil estaban acantonados en el área. Los Maquís eran entre 3 y 4 mil en esos momentos, pero una campaña de reclutamiento elevó el número a 7 mil.

En una ocasión, Nancy viajó 500 Kms en bicicleta para reemplazar los códigos de radio que fueron destruidos por un operador, para evitar que cayeran en manos de la Gestapo. Sin esos códigos no era posible comunicarse con Gran Bretaña y menos recibir pertrechos. Cubrió la distancia en 71 horas a través de campos y montañas, casi sin parar.

La zona de operaciones era un hervidero de tropas alemanas y agentes de la Gestapo tratando de desactivar los grupos de resistencia. Los enfrentamientos armados fueron muchos y sangrientos. Nancy Wake lideró el ataque a las oficinas de la Gestapo en Motucon. Mató a un centinela con sus propias manos para evitar que diera la alarma en un ataque a una fábrica de armas y en una oportunidad ejecutó a una espía alemana.

El 6 de Junio de 1944, Día-D, las tropas aliadas comenzaron el desembarco y con ello, la liberación de Francia. El día 25 de Agosto de ese mismo año, París era liberada y Nancy Wake fue a Vichy para celebrar el triunfo. Fué entonces cuando se enteró que el mismo día que se había despidió de su marido, Henri había sido detenido y torturado para que confesara el destino de su esposa.  Al no divulgar el paradero de Nancy, había sido ejecutado.

Después de la guerra, Nancy Wake recibió medallas y trabajó para el el Servicio de Inteligencia del Ministerio del Aire Británico, en las embajadas de Praga y Paris.  Regresó a Australia tras su matrimonio con John Forward en 1957.
A pesar de ser el soldado australiano más condecorado de la Segunda Guerra Mundial, no recibió ninguna condecoración del gobierno australiano. La razón era de índole legal: fue considerada ciudadana neozelandesa y no australiana. En 1994 rechazó entregar sus condecoraciones al Museo de Australia diciendo que ella era neozelandesa y le recordó a la prensa que mantenía su pasaporte de Nueva Zelanda, a pesar de vivir fuera de su país durante 80 años.

Durante los años 50-60 se dedicó a la política, presentándose como candidata al senado australiano en varias elecciones.

Nancy Wake fué galardonada con la medalla de la Legión de Honor en 1970. En 1985, Wake escribió su autobiografía The White Mouse –El ratón blanco- . En 1988 el gobierno francés le otorgó la medalla de Oficial de la Legión de Honor.
En febrero de 2004, fué nombrada Companion of the Order of Australia. En abril de 2006, se le concedió el mayor honor de la Royal New Zealand Returned and Services' Association. 

En 2009, seguía viviendo en su casa de Richmond, Londres.

Nancy Wake

MÁS:

National Portrait Gallery, Canberra, Australia: Vídeo sobre Nancy Wake   2.   Wikipedia   3.  Melissa Beowulf   4.  Nancy Wake

Falleció Louise Bourgeois (1911-2010)

La escultora francesa Louise Bourgeois murió este lunes, 31 de mayo, a los 98 años de edad en la ciudad de Nueva York, dos días después de sufrir un infarto.

Nacida en Paris, el día de Navidad de 1911, en el seno de una familia dedicada a la restauración y venta de tapices y textiles antiguos, Louise Bourgeois siempre reconoció que su trabajo se inspiraba en las experiencias de su infancia y adolescencia.

Con gran talento para las matemáticas, en la adolescencia comenzó a ayudar en el negocio familiar, reparando pequeñas partes de tapices y añadiendo hojas de parra en los genitales de las figuras desnudas que aparecían en obras destinadas a los pudorosos clientes americanos. En esa época su mujeriego padre introdujo en casa a su joven amante, una inglesa llamada Sadie, que se convirtió en su tutora. Con ella aprendió inglés, y supo de celos y odios.

Todo esto se convirtió en parte de la leyenda de Bourgeois y en clave de su arte. Como artista francesada emigrada, llegó a Nueva York en 1938 y su carrera se desarrolló lentamente. Alcanzó el éxito comercial y de crítica cumplidos los sesenta años. Cuando en 1982 el MOMA de Nueva York le dedicó una retrospectiva –la primera organizada en torno a una mujer- ya era bien conocida, aunque vista como inclasificable, marginal e incluso excéntrica. La exposición la convirtió en la Gran Dama del Arte americano.

Ese mismo año, el fotógrafo Robert Mapplethorpe realizó varios retratos de Bourgeois que se ha hecho célebres.

Louise Bourgeois realizó esculturas en todo tipo de soporte y medio, realizó también grabados y dibujos, creó instalaciones claustrofóbicas, pequeñas muñecas de trapo y gigantescas arañas de metal, criaturas con múltiples pechos, manos esculpidas en mármol, objetos sexuales y extraños que sugieren secretos y una violencia apenas escondida.

Su reconocido prestigio internacional viene avalado por los premios recibidos: Grand Prix en Escultura del Ministerio de Cultura Francés (1991), León de Oro en la 48 Bienal de Venecia; Praemium Imperiale, Asociación Japonesa de Arte (1999) y Wexner Prize Wall de Wexner Center for the Arts de la Ohio State University (1999).

El año 2008 Louise Bourgeois recibió el Premio Aragón-Goya "por la  trayectoria de una obra que, con una singular visión femenina en donde la introspección psicoanalítica se funde con la narratividad, es deudora directa de las consecuencias que el arte de Goya tiene en el presente". El mismo año se celebró una retrospectiva en el Centre Pompidour, de Paris

A pesar de haber vivido gran parte de su vida en Estados Unidos y contar con la nacionalidad de ese país, el presidente de Francia, Nicolas Sarkozy, ya ha decidido conceder la Legión de Honor como homenaje a la "gran artista" fallecida.

Sin duda se ha ido una de las artistas más originales.

BIBLIOTECA DE MUJERES ARTISTAS:

 Bibliografía sobre Louise Bourgeois

Jessie Lipscomb

(13 de junio 1861 - 12 de enero 1952)

Jessie Lipscomb, escultora inglesa, nació el 13 de junio de 1861, en Grantham. Su padre era encargado en una mina de carbón y su madre camarera. En 1875 la familia se trasladó a Peterborough.

Jessie Lipscomb ingresó en  la National Art Training School, en South Kensington. En 1882 ganó el Queen's Prize y en 1883 una Medalla de Plata.

  Viajó a Paris para continuar su aprendizaje, visitando allí a dos antiguas estudiantes de la  National Art Training School : Amy Singer y Emily Fawcett, que compartían el estudio que Camille Claudel tenía en el 117 Rue Notre Dame des Champs. En enero de 1884 la madre de Camille escribió a Jessie confirmando el acuerdo por el que se alojaría con la familia Claudel por  200 francos mensuales.

Camille Claudel, trabajando en la escultura “Sakuntala”, y Jessie Lipscomb (1886)

Jessie Lipscomb, trabajando en  una escultura

En 1886 Jessie y Camille viajaron juntas a Inglaterra. Por entonces, Jessie estaba exponiendo un busto en terracota. –Day dreams (1886)- en la Royal Academy. A través de Jessie, Camille Claudel conoció a Florence Jeans, con quien inició una amistad que se prolongó durante años y un intercambio de correspondencia que ha permitido conocer datos que no se conocían sobre Camille Claudel y su obra y sobre aspectos de su vida y su relación con Jessie Lipscomb y August Rodin.

En 1887 expuso otra obra titulada  Sans Souci, y un retrato en escayola de Camille Claudel.

Se casó con William Elborne el 26 de dieciembre de 1887 y la pareja se estableció en Manchester.

La relación de Jessie Lipscomb con Camille Claudel se rompió y a pesar de que Camille Claudel no quiso volver a saber nada de Jessie, ésta fué una de las pocas personas que visitaron a Camille Claudel cuando, años después, fué confinada en el Asilo de Montdevergues.

Arte y Mujer… Mujer y Arte

Por Isabel del Río*

http://www.isabeldelrio.es

“¿Qué es el Arte? La respuesta a esta pregunta está todavía sin contestar o, hablando con propiedad, tan contestada que la información excede la claridad y los diferentes análisis provocan contradicciones en la definición.

Lo que es cierto es que la técnica, temática y ejecución de las obras de Leonardo da Vinci, Velázquez, Van Gogh, Picasso, Pollock o Marc Rothko presentan tan abismales diferencias que la definición de la palabra Arte no puede ser estricta si debe englobar todas estas manifestaciones.

Tal vez su punto de unión sea sólo uno, que es demasiado importante porque hace referencia al obligado y solitario camino que todo ser humano ha de recorrer para alcanzar cierta sabiduría. Es un camino frontera entre razón y sin razón, explicaciones y fantasías, ilustración y pesadillas que componen lo que somos y, a su vez, nos asusta ser, y su recorrido conduce a la belleza en el sentido clásico griego del término: es decir, a la verdad.

Tan fatalmente unido está este viaje al curso de la vida de todo ser humano que tanto hombres como mujeres, con más o menos acierto, han de recorrerlo. Sin embargo, se viene insistiendo en la cercenadora idea de que durante siglos sólo los hombres tuvieron el privilegio de atravesarlo y de que las mujeres, sumisas, admitieron la impuesta situación de contemplarlo desde lejos y escuchar sobre sus maravillas a través de las manifestaciones artísticas que los varones creaban y mostraban.

Esta afirmación atenta contra el sentido común y es, desde luego, absolutamente falsa. En el ensayo “Las Chicas del Óleo, pintoras y escultoras anteriores a 1789” que acaba de publicar editorial Akrón, recopilo la vida y obra de más de 200 mujeres que antes de la Edad Contemporánea se dedicaron plenamente a la vida artística, tuvieron éxito y fueron reconocidas por las más poderosas instituciones de su momento: Catharina van Hemessen, Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Judith Leyster, Anna Therbusch o Elisabeth Vigée-Lebrun llenaron con su paleta de colores la sociedad de los siglos XVI, XVII y XVIII y, aunque hoy queramos olvidarlo, gozaron en su momento de reconocimiento y de una vida independiente.

Creo que va siendo hora de que incluyan en los programas y manuales del bachillerato español a estas “Chicas del Óleo” y se las devuelva el prestigio que en su día ya habían conquistado y que también es el nuestro. Hacerlo supondría devolver también la dignidad a las mujeres actuales que se sentirían apoyadas por sus antepasadas y no seres sin herencia que, ahora, han de construirse partiendo de la nada o de una mentira que afirma que nunca supimos desarrollar habilidades que fueran más allá de la cabaña. No somos papel en blanco sobre el que cualquiera pueda escribir a su antojo. Los derechos no se regalan, se conquistan y nosotras hace mucho tiempo que los habíamos conquistado.”

*Isabel del Rio es directora de arte de la revista cultural bilingüe (español-inglés) Yareah magazine (http://www.yareah.com) desde donde promueve jóvenes artistas y autores de más de 50 países.

Ha publicado la novela “Ariza” (editorial Alcalá, 2008) y “Las Chicas del Óleo, pintoras y escultoras anteriores a 1789” (editorial Akrón, 2010).

Es profesora de Historia del Arte en Madrid.

Suzanne Valadon. Autorretrato, 1897

Suzane Valadon, Autoportrait, 1894

Análisis de la obra “Autorretrato”, un dibujo realizado a tinta china por Suzanne Valadon en 1897 y que pudo verse en la exposición Valadón-Utrillo (Pinacoteque de Paris, 2009). En francés.

Cargado por culturexpo. - Videos web independientes.

PALABRA DE… 15 citas de mujeres artistas

1.-Vieira da Silva
“A veces, por el camino del arte, experimento súbitas, pero fugaces iluminaciones y entonces siento por momentos una confianza total, que está más allá de la razón”.
2.-Cristina Iglesias
“Me gusta que la pieza te llame, te lleve, te conduzca. Acompañar al espectador en su recorrido, pasear con él, trazar el camino”.
3.-María Blanchard
“No tengo talento, lo que hago lo hago sólo con mucho trabajo”.
4.-Natalia Goncharova
“¿Pintura decorativa? Poesía poética. Música musical. Toda pintura es decorativa
desde el momento en que decora y embellece”.
5.-Candida Höfer
“Lo que me interesa de los espacios públicos es la mezcla de las diferentes épocas, la forma en que presentan sus diferencias”.
6.-Tamara de Lempicka
“Mi objetivo: nunca copies. Crea un nuevo estilo, claro, con colores luminosos, y
percibe la elegancia en tus modelos”.
7.-Meret Oppenheim
“Los artistas llevan la vida que más les place sin que nadie diga nada;pero cuando es una mujer quien lo hace,todos se asombran”.
8.-Cindy Sherman
“El rango de lo ultra feo siempre me ha fascinado.Las cosas consideradas no
atractivas e indeseables me han interesado particularmente.Y algunas me parecen realmente bellas.”
9.-Frida Kahlo
“No sabía que era surrealista hasta que André Breton vino a México y me lo dijo.”
10.-Norah Borges
“la pintura ha sido inventada para dar alegría al pintor y al espectador. ".
11.-Carmen Calvo
“Mi obra es fetichista en el sentido de que es la recuperación de un objeto, esa
fotografía, unos papeles, unos materiales, todo para mi es un tanto fetichista. No sólo por el zapato, la liga o ropa. Todo es fetichismo, no es coleccionismo. Y yo no colecciono, rescato.”
12.-Susy Gómez
“Cuando llego a una ciudad y me siento insegura o incómoda o perdida, mi casa está o en el museo de arte contemporaneo o en una buena galería, con el arte. Y eso que el arte es un lugar para la duda.”
13.-Anna Malagrida
“No intento denunciar nada, simplemente intento reflejar una sensación que es muy palpable en nuestra sociedad. La incomunicación y la pérdida de contacto humano son una realidad que tengo muy presente»
14.-Gisele Freund
“Habitamos un rostro que no vemos”
15.-Paula Rego
“El naturalismo está fuera de moda, pero no me importa”.

FUENTES:
Estas 15 citas están extraídas del Dossier de Prensa de la exposición "CREADORAS DEL SIGLO xx", Valladolid, Sala Municipal de Exposiciones del Museo de Pasión,2009. Texto de Marisa Oropesa

Beheld: Iconic Self-Portraits. Genevieve Thauvette

Cada una de las ocho fotografías que conforman la Serie “Beheld: Iconic self portraits” –Contemplada: autorretratos icónicos-, de la canadiense Genevieve Thauvette, muestran a la fotógrafa, que se autorretrata adoptando la personalidad de otras tantas mujeres artistas que portan a su vez una fotografía de sus famosas parejas (maridos o amantes), todos ellos sin duda mejor conocidos y valorados.

Con decorados alusivos al trabajo artístico o la personalidad de las artistas tomadas “como modelo” –DortheaTanning, Frida Kahlo, Georgia O’Keeffe, Hanna Hoch, Lee Miller, Marina Abramovic, Unica Zurn y Suzanne Valadon-, Genevieve Thauvette se enmarca -las enmarca-, adoptando la posición pasiva de retratada –un objeto de arte-, de una forma casi religiosa. Se retrata –las retrata- como si de figuras sagradas se trataran.

El género del autorretrato, en cualquier época de la historia del arte, ayuda a comprender cómo un artista se ve y se mira a sí mismo: suele querer reflejar sus logros, su genio creativo, la posición social alcanzada con su trabajo…o su frustración como artista fracasado en otros casos.

Suele ser común, entre las mujeres artistas, la preocupación por el papel que debe adoptar: modelo retratada /artista retratista y la fórmula de adoptar diferentes papeles/personalidades. Especialmente en la fotografía. No puedo evitar relacionar esta serie –y otras- de la jóven fotógrafa Genevieve Thauvette con las obras de artistas como Cindy Sherman o Claude Cahun, por citar algunas.

En cualquier caso, este es un ejemplo más de otra preocupación bastante común entre muchas mujeres artistas: la necesidad, quizás, de encontrar una herencia común y unos antecedentes a partir de los que seguir construyendo una identidad artística femenina y propia.

 
 

Laia LLorca. Exposición de pinturas

Restaurante el Foro

C/ Princesa, 53 – BARCELONA

Inauguración 10 de marzo. 2010

ESPAÑOLAS: "No son mujeres, son catedrales"

En 1916 la pintora rusa Natalia Goncharova y su marido, Mihail Larionov, viajaron a España e Italia, acompañando a Sergei Diaghilev y sus Ballets Rusos.

España fue una revelación para Goncharova, en especial algunas de las tradiciones, el folclore y las imágenes populares.

Aunque los dos ballets de inspiración española para los que había estado trabajando no se llegaron a representar, las mujeres españolas, tocadas con magníficas mantillas, se convirtieron en un tema que Natalia Gontcharova siguió desarrollando de diferentes formas, contribuyendo en gran medida a la creación de un estereotipo que estaba triunfando en los ámbitos artísticos de la época: la mujer española.

Las "españolas" de Natalia Gontcharova, como anteriormente sus campesinos rusos, evangelistas y arcángeles de inspiración ortodoxa, reflejan el tratamiento monumental que la pintora daba a la pintura figurativa, tras sus experiencias abstractas con el rayismo.

"Espagnole" (ca 1916)

Ese tratamiento monumental se aprecia claramente en sus Espagnoles (c. 1920; Paris, Pompidou and Rome, Sophia Loren priv. col.).

El elegante alargamiento de las figuras, el juego de luces y sombras, la disposición de las líneas, la gama de colores y la alegre ornamentación floral llevaron a la poetisa Marina Tsvetayeva a hacer esta observación: ‘no son mujeres, son catedrales’.

Katia Acín (Huesca1923 – Pamplona 2004)

Katia Acín (en realidad llamada Ana MaríaTeresa de Jesús Katia y Titania Acín Monrás -Titania era el nombre de la reina en la obra de Shakespeare El sueño de una noche de verano- ,era la mayor de las dos hijas del artista, militante libertario y pedagogo Ramón Acín y de Concha Monrás, pianista, asesinados el 6 de agosto de 1936.

Katia Acín, que iba a cumplir entonces los 13 años y su hermana Sol, de 11, fueron llevadas a Jaca con sus primas y se quedaron a vivir con su tío Santos Acín y su esposa Rosa Solano, que eran conservadores. Como explicarían, tras mucho tiempo de obligado silencio, ambas hermanas tenían inculcados el amor por la libertad y el ansia de conocimiento de sus padres, que mantuvieron siempre. Las dos estudiaron en la Universidad de Zaragoza, donde Katia se licenció en Historia Medieval en 1944. Se casó con el abogado Federico García Bragado y tuvieron cinco hijos.

En los años 60, Katia logró una plaza como profesora en el instituto de Binéfar, en el que llegaría a ser directora. En 1988, ya jubilada, se matriculó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, residió en un colegio mayor, fue delegada de curso y obtuvo la licenciatura en 1993. Se especializó en grabado, que continuó perfeccionando en la Escuela de Arte de Tarragona (entonces vivía en Altafuya, frente al mar) , y durante su asistencia como becaria en los talleres de la Fundación Pilar i Joan Miró.

Katia y Ramón Acín

Katia Acín reunió su obra con la de su padre en una exposición que tuvo lugar en la UNED de Barbastro en octubre del 2001. Continuadora de la herencia plástica de Ramón Acín, la obra de su hija no cae en tentaciones formalistas, decidida como está a dirigir su atención al contenido sensible de las imágenes grabadas, de trazo simple, esencial y decidido , escribió entonces la crítica de arte de EL PERIODICO, Chus Tudelilla.

Los grabados y esculturas de Katia Acín se exponían en la sala La Carbonería de su ciudad natal cuando falleció, en un hospital de Pamplona el 14 de diciembre de 2004. Se le había diagnosticó cáncer sólo dos meses antes, pero ella no lo supo. Su exposición estaba en Huesca: Y la crítica (Chus Tudelilla, 4 de diciembre del 2004) señalaba: ...Katia Acín ofrece protección (a esos seres sufrientes) cuando con sus manos graba y modela en arcilla la herida, más que con la intención de denunciarla, para testimoniarla y mostrarla a la sensibilidad de quienes permanecen ajenos totalmente al dolor de los demás .

(Fuente:  ROBERTO MIRANDA, El Periódico de Aragón 15/12/2004)

Natalia GONTCHAROVA. Bibliografía, recursos, enlaces

MONOGRAFÍAS
	TSVIETÁIEVA, Marina: Natalia Gontcharova. Retrato de una pintora. Ed. Minúscula, 2006. ISBN: 978-84-95587-27-5 Recién adquirido. En espera de que llegue a la biblioteca (Feb.2010)
En obras generales
Ver álbum completo	Foster, Alicia: TATE women artists. pp.106-108 Grosenick, Uta: Mujeres artistas de los siglos XX y XXI, Taschen 2002. pp 162-167 Vergine, Lea: L'autre moitié de l’avant-garde:1910-1940. pp 89-91
Entradas de blog
Natalia Gontcharova (1881-1962) Biografía
Obras comentadas
Pesca (pescadores) Espagnole, ca 1916 (record de cotización) Espagnoles (ca 1920-21)
Relaciones	Mijail Larionov, Sergei Diaghilev,
Categorías / Palabras clave	Ballets Rusos, Rayonismo/rayismo , escenografía, Paris, Rusia

Espagnole. Natalia Goncharova, ca 1916

 

Natalia Gontcharova (1881-1962)
Espagnole 
Firmado 'N. Gontcharova' (arriba a la derecha) 
oleo/lienzo
130.3 x 81.3 cm
Pintado circa 1916

Espagnole es una espectacular pintura realizada por Natalia Goncharova durante la Primera Guerra Mundial. Fué vendida en Christie’s (Londres) el pasado 2 de febrero de 2010  por 6.425.250.- libras (7.331.210.- euros y 10.216.148.- dólares), lo que supone un récord mundial para la artista y el precio más alto jamás pagado en subasta por una obra realizada por una mujer.

Esta obra es un ejemplo de la especial habilidad de Gontcharova para fusionar los lenguajes más vanguardistas como el rayonismo, el cubismo o el futurismo con los colores, formas, motivos y tradiciones del arte popular y folclórico.

Espagnole es una de las pocas pinturas que Natalia Gontcharova realizó inmediatamente después de conseguir sus primeros éxitos como diseñadora de vestuarios y decorados para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev y en un momento en el que estaba completamente absorbida en el desarrollo de su nueva carrera, preparando los ballets España (una serie de de bailes tradicionales españoles con música de Ravel) y Triana que, aunque no llegaron a ser representados, acabaron teniendo un enorme impacto en la obra de Gontcharova. Los vestidos y mantillas de las bailarinas españolas que había visto durante su viaje a España en 1916 cautivaron a Natalia Gontcharova hasta tal punto que este tema domina mucho de su arte posterior y de sus diseños para el teatro.

Espagnole, una de las mayores y más ambiciosas obras que pintó Gontcharova parece surgir de una idea que había expresado previamente en un diseño para uno de los trajes que debían aparecer en una de esas producciones teatrales: un gouache  datado en 1914 que fué publicado bajo el título Costume Espagnol en el catálogo L'Art Décoratif Théàtral Moderne, publicado por Larionov y Gontcharova en Paris en 1919.

Natalia Gontcharova crea un caleidoscopio de formas abstractas, líneas que parten del centro y escapan del cuadro, ángulos y colores radiantes, y logra  transmitir la energía y el dinamismo de una bailaora española, incorporando el exotismo del vestuario popular (mantones, bordados, peinetas…)a través de detallados elementos decorativos.

Procedencia de la obra:

Herederos de la artista
Galerie Arditti, Paris.
Galerie Beyeler, Basel (no. 3264), que la adquirió de la anterior en1962.
Galerie Gmurzynska, Cologne,  comprada en 1969.
Leonard Hutton Galleries, New York, en 1971.
Adquirida por un coleccionista suizo a principios de 1980’ y vendida en la casa de subastas Christie`s a un coleccionista anónimo el 2 de febrero de 2010.

Exposiciones documentadas:

Paris, Galerie d'Art le Cadran, Espagnoles - Magnolia, 1939 (catálogo)ca
Berlin, Akademie der Künste, Avantgarde Osteuropa 1910-1930, octubre-noviembre1967, no. 24 (catálogo p. 49, as 'sinfirma', fechado 'circa 1914').
Colonia, Galerie Gmurzynska, Russische Künstler aus dem 20. Jahrhundert, Oct – Nov 1968, no. 28 (catálogo).
Ithaca, New York, Andrew Dickson White Museum of Art, Cornell University, Russian Art of the Revolution, Junio - Julio 1971, no. 9 (titulada 'Colorful Construction', fechada '1914'); esta exposición itineró posteriormente a Brooklyn, Museum of Art.
New York, Leonard Hutton Galleries, Russian avant-garde, 1908-1922, Oct – Dic 1971, no. 33 (fechada '1914').

Marika Rivera: obituario

Al parecer La actriz Marika Rivera, hija del muralista mexicano Diego Rivera, falleció el pasado 14 de enero en una residencia de ancianos de Inglaterra a los 90 años, según publican hoy diversos medios de comunicación mejicanos.

Marika, hija del artista y de la pintora cubista de origen ruso Marevna Vorobieff, nunca fue reconocida públicamente por Diego Rivera.
Cuando nació, en Paris, en 1919, Rivera estaba casado con Angelina Beloff, madre del único hijo que reconoció el pintor: Diego Jr, fallecido a los 14 meses.

 Retrato de Marevna Vorobev-Stebelska, ca. 1915. Diego Rivera

Retrato de Diego Rivera. Marevna

 
Marie Vorobieff,  madre de Marika había llegado a Paris en 1912, a los veinte años,  donde continuó sus estudios de arte y comenzó a mostrar su obra en diferentes exposiciones. Se relacionó con los artistas y escritores que, por entonces, residían en Montparnasse y especialmente en La Ruche, como Georges Braque, Marc Chagall, Jean Cocteau, Ilya Ehrenburg, Maximo Gorki, Max Jacob, Moise Kisling, Pinchus Krémègne, Fernand Léger, Henri Matisse, Amadeo Modigliani, Pablo Picasso, Chaim Soutine…

En 1919, nació Marika, la hija que tuvo con el pintor Diego Rivera -con el que vivió durante la Primera Guerra Mundial-, de la que se hizo cargo en solitario cuando el pintor mexicano regresó a su país en 1921.

Marika, que inició su carrera artística como bailarina, se casó por primera vez con el pintor francés Jean Paul Brusset y, en segundas nupcias, con el propietario de la revista cultural "Polemic", Rodney Phillips.
Tras su boda con Phillips, con quien Marika tuvo a su segundo hijo, ésta se trasladó al Reino Unido, donde comenzó su carrera como actriz en un teatro propiedad de su marido en el West End londinense.
En su carrera como actriz abundaron los papeles como "madame" de burdel y rodó películas junto a Julie Christie ("Darling") o bajo las órdenes de Federico Fellini ("Casanova").
En 1957, cuando Diego Rivera estaba a punto de morir, el pintor le pidió que acudiera a México para reconciliarse con él, pero Marika declinó la invitación.

“La razón es que en varias ocasiones Marika escribió cartas y envió fotografías, con la esperanza de ablandar mi viejo y duro corazón. Nunca le respondí. El pasado era el pasado. Aun en el remotísimo caso de que yo fuera su padre, ni ella ni Marevna me necesitaban”, escribió Diego Rivera.

La noticia de la muerte de Marika, que padecía demencia senil, fue confirmada hoy por Patrick Cooke, dueño de la Athelhamptom House, una residencia campestre del siglo XV en el condado de Dorset, sur de Inglaterra, donde vivieron varios años madre e hija y que conserva y exhibe pinturas de ambas.

 

En 1962, Marevna pintó el mural "Homenaje a mis amigos de París", donde se autorretrata junto a varios de sus compañeros artistas, con Marika en sus brazos delante de Diego Rivera.

 

 

MÁS:

• MAREVNA: Bibliografía
• Diego Rivera: su época europea
• Marevna (1892-1984)
• Galería de obras