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29 ago 2009

Museo MARIE LAURENCIN

"La pintura de Marie Laurencin debe verse con la luz más pura y transparente".
Este era el deseo de Masahiro Takano, el fundador del único museo consagrado a la pintora francesa Marie Laurencin.
Inaugurado en julio de 1983, está situado en una estación estival de montaña, Tateshina -en la región de Nagaro-, situado a unos 200 Km. al noroeste de Tokio (Japón) en un entorno natural que, desde los años 30' , a principios de la Era Suowa, fué elegido como lugar de moda entre la alta sociedad nipona.
El éxito del Museo Marie Laurencin animó a su propietario a aumentar la oferta expositiva, rodeando el Museo con un jardín de esculturas, el Tateshino Open Air Museum, que se extiende a través de 10 hectáreas de espacio natural, y añadiendo un hotel. El conjunto es conocido como Artland.
(MGBravo)

28 ago 2009

Dorothea Tanning: citas

   "Querida Señora:
   Acabo de leer su carta de 21 de mayo, que he encontrado a la vuelta de mi viaje. Realmente, con toda la mejor voluntad, no puedo, conscientemente, participar en una exposición que solo se ocupa de la mitad de los seres (las mujeres) excluyendo a la otra mitad (los hombres).
Por otra parte, ¿qué le hace suponer que soy realmente una mujer?.
   Me parece que para un proyecto como el suyo es necesario un exámen médico. Sobre todo en esta época donde la impostura renace y donde una mujer que se supone es una mujer puede resultar... ¡ser un hombre!
  Créame, querida Señora, que si mis cuadros han figurado en exposiciones de mujeres ha sido sin mi conocimiento. ¡Vaya! ¿Cómo impedirlo?"
-Dorothea Tanning-

Fuente:
VERGINA, Lea: L'autre moitié de l'avant-garde (1910-1940), Des Femmes, Paris,1982, pág.307.

4 ago 2009

Valadon-Utrillo. Exposición en la Pinacothèque, Paris




Suzanne Valadon - Maurice Utrillo
En la Pinacothèque de Paris, del 6 de marzo de 2009 al 15 de septiembre de 2009
Es una importante exposición que reúne más de cincuenta obras de cada uno de los dos artistas.

Esta "pareja" madre-hijo, atipica, bohemia y transgresora, vivió en el centro de un universo artistico a caballo entre dos periodos: el del Impresionismo y la Escuela de Paris.
Refleja la historia del difícil paso de una época de artistas pertenecientes a la clase burguesa a un nuevo grupo de artistas pertenecientes a categorías sociales mucho más populares que en algunos casos viven difícilmente su condición de artistas.

Le Moulin de la Galette, la rue Marcadet, el famoso cabaret « Lapin Agile », son algunos de los lugares que a Maurice Utrillo, artista maldito y alcóholico, le gustaba pintar y le dió la fama, poniéndole a la cabeza de la Escuela de Paris en los años 1910. Su pintura no puede desligarse de la relación que el artista mantenía con su madre, Suzanne Valadon, una pintora y una mujer libre para su época, al margen de los códigos, que realizaba una obra mucho más energica y colorista que la de su hijo, pero que comenzó a ser reconocida mucho más tarde.


Suzanne Valadon y Maurice Utrillo, 1890


Más información:

26 jul 2009


Centre Pompidou, 27 mayo 2009 - 24 de mayo 2010

Por primera vez en el mundo, un museo presenta sus colecciones en femenino. Esta nueva presentación de las colecciones del Museo nacional de arte moderno se dedica totalmente a las mujeres artistas, desde el siglo XX hasta la actualidad.

Tras Big Bang en el 2005 y el Mouvement des Images (El movimiento de las Imágenes) en 2006-2007, elles@centrepompidou es la tercera presentación temática de las colecciones del Centro Pompidou.

Asì la institución que ha sabido constituir la primera colección europea de arte moderno y contemporáneo, puede afirmar su compromiso acerca de las mujeres artistas, de todas nacionalidades y disciplinas, y volver a colocarlas al centro de la historia del arte moderno y contemporáneo del siglo XX y del siglo XXI.

Figuras emblemáticas como Sonia Delaunay, Frida Kahlo, Dorothea Tanning, Joan Mitchell y Maria-Elena Vieira da Silva se codean con las grandes creadoras contemporáneas. Entre ellas Sophie Calle, Annette Messager y Louise Bourgeois han sido el objeto de exposiciones monográficas recientes en el Centro Pompidou.

La programación pluridisciplinaria subraya los ámbitos culturales en los que las mujeres se dedican desde hace un siglo, tanto en literatura como en historia del pensamiento, del baile o también del cine.


RECORRIDO DE LA EXPOSICIÓN

Pioneras
Nivel 5. Abstractas, primitivas, funcionales, urbanas, transdisciplinarias, surreales, amazonas, objetivas... Ocho salas presentan las obras de estas pioneras que han acompañado las vanguardias y las evoluciones, en todos los medios artísticos: Shirley Jaffe, Joan Mitchell, Sonia Delaunay, Natalia S. Gontcharova, Hannah Höch, Frida Kahlo, Judit Reigl, Suzanne Valadon, Diane Arbus, Dora Maar.
LISTADO DE ARTISTAS "PIONERAS":
· Abbott Berenice
· Abraham Janine
· Albin-Guillot Laure
· André Rogi
· Arbus Diane
· Blanchard Maria
· Boom Irma
· Cahun Claude
· Chevalier Yvonne
· Delaunay Sonia
· Dulac Germaine
· Franck Martine
· Frankenthaler Helen
· Freund Gisèle
· Gontcharova Natalia
· Gray Eileen
· Halicka Alice
· Henri Florence
· Hicks Sheila
· Höch Hannah
· Hugo Valentine
· Jaffe Shirley
· Kahlo Frida
· Knoll Basset Florence Margaret
· Krull Germaine
· Laurencin Marie
· Laverrière Janette
· Lempicka Tamara de
· Maar Dora
· Mitchell Joan
· Model Lisette
· Nemours Aurélie
· Orloff Chana
· Penalba Alicia
· Perriand Charlotte
· Reigl Judit
· Richier Germaine
· Rothschild Judith
· Smithson Alison et Peter
· Tanning Dorothea
· Valadon Suzanne
· Varo Remedios
· Vieira da Silva Maria-Elena
· Weiss Sabine

Fuego a voluntad
En apertura en el Nivel 4. Niki de Saint Phalle, Karen Knorr, Rosemarie Trocket entre otras, representan a todas aquellas comprometidas en la historia, feministas, críticas, fotógrafas e intérpretes, con sus visiones personales de la realidad.
LISTADO DE ARTISTAS:
· Abakanowicz Magdalena
· Aeppli Eva
· Aulenti Gae
· Axell Evelyne
· Bajevic Maja
· Barabash Ruth
· Barrada Yto
· Benzaken Carole
· Denes Agnès
· Duras Marguerite
· EXPORT VALIE
· Francken Ruth
· Fraser Andrea
· Friedmann Gloria
· Gallagher Ellen
· Ghazel
· Guerrila Girls
· Horn Rebecca
· Iturbide Graciela
· Ivekovic Sanja
· Jacob Wendy
· Knorr Karen
· Krystufek Elke
· Landau Sigalit
· Lawler Louise
· Meiselas Susan
· Messager Annette
· Moorman Charlotte
· Mréjen Valérie
· Neshat Shirin
· Pane Gina
· Ristelhueber Sophie
· Saint Phalle Niki de
· Schneemann Carolee
· Sedira Zineb
· Simon Taryn
· Spero Nancy
· Tompkins Betty
· Trockel Rosemarie
· Vasquez de la Horra Sandra
· Wilke Hannah

Cuerpo eslogan
Nivel 4. Precoces e inventivas, tanto en fotografía como en vídeo, las mujeres artistas han transformado más recientemente las prácticas del dibujo, revisitando la propia noción del cuerpo. ORLAN, Atsuko Tanaka o Ana Mendieta se han orientado hacia la representación del cuerpo, de sus estereotipos, en particular lo del género, así como su puesta en escena, en los comienzos de la performance.

Eccentric Abstraction
Nivel 4. Esenciales en la redefinición de las categorías visuales y teóricas, las mujeres artistas han comentado y explorado múltiples vías entre la abstracción y la figuración, lo orgánico y lo sistemático, lo conceptual y lo sensual. Como lo demuestran, entre otras, las obras de Louise Bourgeois, Agnes Martin, Vera Molnar, Valérie Jouve, Hanne Darboven.

Una habitación propia
Nivel 4. Juntadas bajo del libro en el que Virginia Woolf se interroga sobre las condiciones de producción de la obra de arte, aquí se puede descubrir las obras de artistas que abordan la cuestión del espacio privado, que tejen nuevos vínculos entre proyecciones mentales y espacios de exposición. Aquí encontramos a Dorothea Tanning, Tatiana Trouvé, Charlotte Perriand, Sophie Calle.
LIstado de ARTISTAS:
· Andrade Sonia
· Bedin Martine
· Boeri Cini
· Bourgeois Louise
· Bourget Marie
· Calle Sophie
· Castelli-Ferrieri Anna
· Ditzel Nanna
· Dumas Marlene
· Elemento Nathalie
· Ellena Véronique
· Export Valie
· Genzken Isa
· Hatoum Mona
· Huws Bethan
· Jeong-a Koo
· Lamiel Laura
· Messager Annette
· Mori Mariko
· Nevelson Louise
· Nicola L.
· Paradeis Florence
· Perriand Charlotte
· Quarante Danielle
· Rist Pipilotti
· Rosler Martha
· Saint Phalle Niki de
· Schneider Anne-Marie
· Skoglund Sandy
· Tanning Dorothea
· Tribel Annie
· Trouvé Tatiana
· Vignelli Lella
· Von Wulffen Amelie

La palabra a la obra
Nivel 4. Desde la narración hasta la enumeración, pasando por la autobiografía, la cita, la leyenda y las múltiples derivas del libro de artista, creadoras como Jenny Holzer, Barbara Kruger, Natacha Lesueur, Cristina Iglesias, Eija-Liisa Ahtila exploran los usos distintos del lenguaje en el arte. Arte conceptual, mitologías cotidianas, apropiación y post-modernismo, utilizan la palabra como medio, mientras que las instalaciones de vídeo redefinen la idea de narración.
LISTADO DE ARTISTAS:
· Aballéa Martine
· Abramovic Marina
· Ahtila Eija-Liisa
· Antin Eleanor
· Benglis Lynda
· Benning Sadie
· Calle Sophie
· Dean Tacita
· Geiger Anna Bella
· Gonzales Forsters Domnique
· Grau (groupe)
· Holzer Jenny
· Iglesias Cristina
· Knorr Karen
· Kruger Barbara
· Kubelka Bondy Friedl
· Lesueur Natacha
· Lublin Léa
· Messager Annette
· Melikian Nathalie
· Mouraud Tania
· Pane Gina
· Smith Alexis
· Trockel Rosemarie
· Thurnauer Agnès
· Vergier Françoise
· Yalter Nil

Las Inmateriales
Nivel 4. Matali Crasset, Alisa Andrasek, Tacita Dean, Louise Campbell, Isa Genzken, Nancy Wilson-Pajic, Geneviève Asse, entre otras, concluyen sobre una de las características más sorprendentes del arte contemporáneo, es decir la desmaterialización de la obra de arte. Su título es un guiño a una de las exposiciones culto del Centro Pompidou: Les immatériaux (Los inmateriales).
LISTADO DE ARTISTAS:
Liste des artistes exposées
· Anderson Laurie
· Andraseck Alisa
· Asse Geneviève
· Ballet Elisabeth
· Blees Luxemburg Rut
· Bloch Pierrette
· Boom Irma
· Campbell Louise
· Coutas Evelyne
· Crasset Matali
· De Bevilacqua Carlotta
· Front
· Gautrand Manuelle
· Genzken Isa
· Greiman April
· Hadid Zaha
· Hutchins Alice
· Kubisch Christina
· Levrant de Bretteville Sheila
· Lutter Vera
· Martin Agnes
· Nemours Aurelie
· Ono Yoko
· Onodera Yuki
· Oppenheim Kristin
· Reigl Judit
· Reist Delphine
· Renouf Edda
· Rickett Sophy
· Shiomi Mieko
· Smith Patti
· Smith Seton
· Somers Wieki
· Sosnowska Monika
· Strba Annelies
· Strunz Katja
· Varela Cybèle
· Villiger Hannah
· Wilson Pajic Nancy
Con motivo de la exposición «elles@centrepompidou», el Centre Pompidou y Ina han creado la página web http://elles.centrepompidou.fr/. Allí se puede recorrer virtualmente parte de la exposición, ver vídeos de archivo sobre algunas de las artistas presentes, reproducciones de las obras y más información.
También puedes verlos en nuestra MEDIATECA


5 jul 2009

Christabel Annie Cockerell,Elizabeth Forbes y Dorothea Sharp


Christabel Annie Cockerell, pintora británica, es una auténtica desconocida; muy poco se sabe de ella, más allá del hecho de haberse casado con el escultor George Frampton y haber sido la madre del pintor Meredith Frampton.

El desconocimiento sobre ella es tal que dos famosos portales de arte no se ponen de acuerdo ni en las fechas de nacimiento y defunción:

Según AskArt: (1863–1951); Según ArtNet: (1860-died circa 1903)


Christabel A. Cockerell
Portrait of Meredith Frampton
Oil on Canvas
40.2 x 14.8 in. / 102 x 37.5 cm.
Fué vendido en Christie's London el 4 de noviembre de 1999


Christabel A. Cockerell
SUCH WISDOM AS A LITTLE CHILD DISPLAYS
Oil on Canvas
7.9 x 15.6 in. / 20 x 39.5 cm.
Firmado
Vendida en Sotheby's London el 13 de junio de 1990

Christabel A. Cockerell
Morning Play, 1910

Sólo de refilón aparece vinculada a otras dos pintoras británicas:


Dorothea Sharp (1874 – 1955)


Dorothea Sharp
fué una pintora dedicada al paisaje y la figura. Estudió arte en la Regent Street Polytechnic y siguió su formación varios años después en París. Como Elizabeth Forbes and Christabel Cockerell, formaron parte de la Escuela Impresionista Británica y es especialmente conocida por su tratamiento informal de niños, a menudo jugando en el campo o la playa. El trabajo de Dorothea Sharp se exhibió en la Royal Academy entre 1901-04. En 1907 fué admitida en la Royal Society of British Artists y en el Royal Institute of Oil Painters en 1922. Dorothea Sharp vivió en Londres, en Blewbury-Berkshire- y en St.Ives en Cornwall.

Más información: jordanchard.com


(Nota: Todo lo anterior extraído de fuentes poco contrastadas. Si sabes algo más y quieres compartirlo... deja tu comentario. Yo seguiré buscando por otras partes.)

16 jun 2009

Tamara de Lempicka. Exposición en México.

El Museo del Palacio de Bellas Artes de México inauguró, el pasado 4 de junio, una exposición retrospectiva dedicada a Tamara de Lempicka, una de las grandes artistas del siglo XX. Además de excelente dibujante, la pintora es considerada pieza clave del Art decó y la única retratista dentro de ese estilo, desarrollado entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. La obra –sin duda fascinante– de Tamara de Lempicka ha sido presentada en diversas exposiciones en Europa y los Estados Unidos; al tiempo que se cotiza dentro del mercado del arte en varios millones de dólares. Sin embargo, la exposición del Palacio de Bellas Artes –espacio que sin duda se presta a tal propósito como pocos otros, dadas las características estilísticas de sus interiores– es la primera de tal amplitud en toda Latinoamérica.

Tamara de Lempicka, en el Palacio de Bellas Artes, es una exposición “de gabinete”, conformada por 87 obras, entre óleos, dibujos y fotografía. Éstas provienen de colecciones privadas de España, Francia, Estados Unidos (entre ellas, la del actor Jack Nicholson) y México; así como de 10 museos en Francia y el Museo de Varsovia. Uno de los intereses de la muestra es, precisamente la reunión de todas estas piezas procedentes de diferentes puntos del globo. Dado que los coleccionistas y las instituciones reciben cada vez más solicitudes de préstamo de las obras de Tamara de Lempicka, la complejidad de la organización de una exposición retrospectiva aumenta a tal punto que, en opinión de Alain Blondel, ésta puede ser la última en su género.


La exposición está dividida en 4 núcleos temáticos. A saber: Olvido y descubrimiento, dedicado a sus diversas influencias (por ejemplo, en algunas naturalezas muertas), y a los temas relacionados con la guerra, la pobreza y la religión. En el siguiente apartado, Pintora de los años locos, se deja sentir toda la fuerza y el talento de la artista, de manera muy especial en sus personajes femeninos. Sujetos y afectos reúne una serie de cuadros de diferentes fechas, habiendo sido una parte fundamental de su producción los retratos de familiares, mecenas, personajes del mundo intelectual y de la sociedad. En esta sección resulta ciertamente sorprendente la variedad de recursos técnicos que Tamara era capaz de utilizar para conseguir la contundencia de la expresión. Finalmente, Narcisismo a contraluz, está dedicado a los temas del erotismo y la vida nocturna. Los espléndidos desnudos llaman poderosamente la atención, con sus particulares proporciones, su frontalidad y su cercanía.
El recorrido incluye, además, a lo largo de las cuatro salas, una serie de fotografías y reproducciones en gran formato de Tamara de Lempicka, de manera que el personaje de la artista está siempre presente. Al final, un espacio audiovisual ofrece a los visitantes un breve recorrido por la vida y la obra de la artista, así como la oportunidad de ver algunas imágenes más de su persona.
La exposición Tamara de Lempicka estará en el Museo del Palacio de Bellas Artes hasta el 2 de agosto de 2009.
Más: TAMARA DE LEMPICKA: nuestro blog especial dedicado a la artista (Biografía-Obras-Tamaramanía...)
Tamara de Lempicka en la BIBLIOTECA DE MUJERES ARTISTAS
Sobre esta exposición:

3 jun 2009

Artistas en el Moncayo. Exposición de ALAM.


Este viernes 5 DE JUNIO a las 19 horas ALAM inicia su exposición: ARTISTAS EN EL MONCAYO ( EN TIERRAS DE FRONTERA: ARAGON Y SORIA), AGREDA ( Soria).

En un palacio precioso se podrá disfrutar de música ( DOS GRUPOS), poesía , pintura , fotografia y escultura.

7 abr 2009

Remedios Varo. La aventura del saber

El programa de televisión "La aventura del saber" emitió el pasado 31 de marzo de 2009 un programa dedicado a la pintora española Remedios Varo.
Tras los comentarios de la escritora Julia Navarro -y algunas cuestiones sobre la ONU y la pena de muerte que quitaré del vídeo cuando pueda - un documental recorre la biografía y la obra de Remedios Varo. Con aportaciones de su sobrina, BeatrizVaro, de Marina Nuñez y de Juan Manuel Bonet.




5 abr 2009

Maruja Mallo: obras. Rodolfo Halffter: música

Dos exilios. Un regreso
Maruja Mallo
Rodolfo Halffter

Maruja Mallo. Obituario

Falleció Maruja Mallo, última representante del surrealismo histórico
La pintora surrealista Maruja Mallo falleció el lunes por la tarde, a los 93 años de edad, en el Hospital Geriátrico de Madrid. Maruja Mallo estuvo presente en todos los movimientos artísticos españoles antes de la guerra civil.EFE Madrid

(Artículo aparecido en Heraldo de Aragón, 8 de febrero de 1995. pag.37)

“Los restos mortales de la pintora Maruja Mallo fueron incinerados ayer en el crematorio de la Almudena en la más estricta intimidad familiar. Acompañaron a Maruja Mallo —cuyo verdadero nombre era Ana María Gómez González— en esta ceremonia sus hermanos Emilio, Angel y Lola, y sus sobrinos Elena y Antonio, hijos de Emilio. Las cenizas de la última pintora del surrealismo histórico viajarán a Galicia, donde nació Maruja Mallo hace 93 años. La pintora, que falleció el lunes en el geriátrico de Carabanchel, en el que llevaba residiendo una década, fue calificada por la ministra de Cultura, Carmen Alborch, como «una de las grandes mujeres que pertenecieron al movimiento surrealista». La ministra reveló que estaba previsto organizar una exposición de la obra de Maruja Mallo, pero que aún no había podido ser concretado el proyecto. Además de Carmen Alborch y los familiares, visitaron la capilla ardiente Fernando Baeza, senador de la primera legislatura y embajador en Estrasburgo con Fernando Morán; Pablo Jimenez, director de la Fundación Cultural Mapfre; y Juan Pérez de Ayala, critico de arte y biógrafo de Maruja Mallo. Emilio Gómez González, hermano de Maruja Mallo, confirmó que «había un proyecto en firme de hacer una exposición pronto» y recordó que la pintora había muerto «tranquila y contenta de ver que en Galicia su obra gustaba a los jóvenes y a los intelectuales». En septiembre de 1993 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago organizó la última gran muestra de la obra de Maruja Mallo, en la que se reunieron más de 100 piezas, con más de 50 óleos, procedentes de varios museos americanos, del Centro Nacional Reina Sofia y de colecciones particulares en España y extranjero.
El exilio que vivió Maruja Mallo en América Latina fue «duro», según Emilio Gómez, pero resultó «suavizado» gracias a que personalidades como Ortega y Gasset «la valoraron y colaboraron a colocarla en su sitio». Mallo volvió a España en 1965, con motivo del cincuentenario del movimiento surrealista español, y asistió a una paulatina recuperación de su obra, que culminó en 1982 con la consecución de la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes.

EFE Santiago de Compostela

El pintor coruñés Eugenio Granell calificó ayer a la pintora surrealista Maruja Mallo, como "una de las grandes artistas españolas del siglo, cuya obra tiene una trascendencia mundial". Granell, el otro gran representante del surrealismo nacido en Galicia, declaró que la obra pictórica de Mallo «no pertenece sólo a Galicia ni a España, sino al mundo», y calificó de «mujer excepcional» a la pintora, fallecida en el Hospital Geriátrico de Madrid. El pintor mostró su pesar por la muerte de esta artista y consideró que era un día «de luto para todos los que la hemos conocido y amamos
el arte».
Granell, que es junto a Mallo el único artista gallego representado en la colección del Centro de Arte Reina Sofia (CARS), recordó que conoció a la artista en Madrid en la época de la República. «Yo estudiaba música entonces y Maruja Mallo ya era una pintora reverenciada y prestigiada por todos, amiga de Juan Ramón Jiménez y de Ortega, de Pedro Salinas, Guillén y Lorca, pese a que eran mucho mayores que ella», indicó el artista coruñés. Insistió en la «dimensión internacional» del arte de Maruja Mallo, que «rebasa las fronteras españolas», y destacó especialmente además los años que vivió exiliada en Argentina, donde desarrolló brillantemente su trabajo como pintora y continuó desarrollando una intensa actividad creativa.”

Magia de meigas: Maruja Mallo



(Artículo aparecido en Galeria Antiquaria, AñoXI, nº112; Dic.1993)
EXPOSICIONES
Antológica de Maruja Mallo
Magia de meigas

J.Mascaraque

Con motivo de la apertura del Centro de Arte Contemporáneo de Galicia, en Santiago de Compostela, se ha presentado, entre los meses de septiembre a diciembre, una muestra antológica de esta veterana pintora
La elección de la artista para tal evento está justificada por tratarse de una gallega de nacimiento (Vivero, 1902). La moder nida de Maruja está fuera de toda duda. Miembro destacado de la primera vanguardia española, es una de las pocas mujeres de su tiempo que enlazan con la modernidad desde su más temprana juventud. Como Salvador Dalí, es el prototipo de artista cuya obra trasciende a lo plasmado en papeles y lienzos. Al final es el ser humano propio la más genuina creación de su arte. Vestida y tocada de algas, en la Isla de Pascua, o abrigada con su chaquetón de piel de lince y el pelo teñido de «rubio veneciano», en sus últimas apariciones en Madrid Maruja destila la autenticidad del artista que entendió la vanguardia como una actitud vital y una forma de ser. En el caso de la Mallo el asunto parece entroncar con la tradición mágica de su Galicia natal. Es como si la artista hubiera estado tocada por las meigas. Porque el sentido mágico de lo humano sus costumbres, necesidades y mitología estará constantemente presente en su obra, al margen de las evoluciones formales.
Comienza a dibujar de forma espontánea siendo una niña, copiando las ilustraciones de las revistas de la época. El traslado de la familia a Madrid posibilita que, junto a su hermano Cristino, entren a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En Madrid conoce a Rafael Alberti, José Bergamín, Luis Felipe Vivanco, Federico García Lorca y Salvador Dalí. Entra en contacto con la Residencia de Estudiantes y con otras jóvenes «emancipadas» como María Zambrano y Concha Méndez. Ha entrado en la modernidad, en un momento en el que gran número de sus representantes estaban en Madrid. Pronto encontrará una gran oportunidad: conoce a D. José Ortega y Gasset, quien decide organizar una exposición de su obra en los salones de la «Revista de Occidente». Esta fue la única exposición que realizó la citada revista, y constituyó un éxito resonante. Era el año 1928. Por aquel entonces colabora con Alberti en la ilustración de su libro «Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos», y realiza decorados y figurines para la obra «La pájara pinta», también de Alberti.

(imágenes: Estampa., 1927. «Actriz», 1942)

Su pintura, hasta ese momento colorista, se transforma radicalmente. Inicia las series, monocromáticas de «Cloacas y campanarios», «Fósiles», «Espantapájaros» y «Espantapeces». Al comienzo de los años 30 viaja a París, donde expone. En 1933, de nuevo en Madrid, inicia su serie de «Arquitecturas minerales y vegetales», que revelan su preocupación por la Naturaleza. Conoce a Miguel Hernández, a los pintores Luis Castellanos y Benajmín Palencia y al escultor Alberto Sánchez, participa en los postulados de la primera «Escuela de Vallecas» y se compromete con las labores educativas y sociales de la República. Realiza platos de cerámica decorados con motivos populares españoles. Colabora también en el intento de Torres-García de poner en marcha en Madrid el «Grupo constructivo». En 1936 participa en la exposición «L’Art espagnol contemporain» de París, en la «Exposición Lógicofobista» de los surrealistas en Barcelona y expone en las salas del ADLAN madrileño. Estaba presente, pues, en cuantas manifestaciones de la modernidad se le presentaban a mano.
La guerra civil le sorprende en Galicia, donde estaba con las Misiones Pedagógicas. Desde allí pasa a Portugal y, ayudada por Gabriela Mistral, parte hacia la Argentina. En América del Sur residirá hasta comienzos de los sesenta. Trabaja intensamente, expone en numerosos países, y da conferencias sobre teoría del Arte. En 1948 había expuesto en Nueva York. Durante la década de los cincuenta permanece retirada de la actividad pública. En 1962 regresa a Madrid, donde pasará veinte años trabajando, hasta que en 1984 enferma y es ingresada en una residencia, donde continúa alojada en la actualidad. Su obra, aunque influida por los diversos movimientos de vanguardia durante el largo trayecto de su vida, destila una gran personalidad, dentro de las varias evoluciones que ha atravesado.
(Imágenes: «El mago, 1926. «Sin título»)
Más:

4 abr 2009

Maruja Mallo: 1902-1995

MARUJA MALLO
(Vivero, Lugo, 1902 - Madrid, 1995)

1902-1929

El 5 de enero de 1902 nace Ana María Gómez González, cuarta hija de Justo Gómez Mallo, madrileño, y María del Pilar González Lorenzo, gallega.
Debido a la profesión paterna, perteneciente al Cuerpo de Aduanas, la familia se traslada a Gijón, Vigo, Vivero, Tuy, Verín, Madrid y Avilés, donde permanecerán desde 1913 a 1922.
En Avilés, Maruja Mallo comienza a pintar copiando las ilustraciones de las revistas y, dada su capacidad, su padre le busca profesor de dibujo.
En 1922 la familia se traslada a Madrid. Maruja Mallo y su hermano Cristino entran a estudiar Bellas Artes en la Escuela de San Fernando. Pronto se relaciona con los artistas y escritores jóvenes, entablando gran amistad con Concha Méndez, Gregorio Prieto, María Zambrano, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Salvador Dalí y Luis Buñuel, entre otros.
En 1927 muere su madre.
Estancia en las islas Canarias.
El 26 de mayo de 1928 tiene lugarla primera exposición de Maruja Mallo, celebrada en los salones de la Revista de Occidente y objeto de un grandísimo éxito.
Por estos años frecuenta el Lyceum Club Femenino de Madrid y mantiene una relación con Rafael Alberti, hasta que el poeta conoce a María Teresa León.

1930-1936

Comienzaa realizar viñetas para la Revista de Occidente y otras revistas, así como portadas de libros, y se interesapor la escenografía, disciplina para la que obtiene una beca de la Junta para Ampliación de Estudios para estudiar en Paris.
En 1932 consigue una ampliación de la beca de estudios y expone en la Galerie Pierre de Paris. La exposición es visitada por Picasso, André Breton, Vicente Huidrobo, Jean Cassou y Teriade.
En 1933 regresa a Madrid. Su interés por el orden geométrico e interno de la naturaleza se refleja en sus nuevas obras.
Gana la cátedra de dibujo en el Instituto de Arévalo y da clases de dibujo en el Instituto Escuela de Madrid y en la Escuela de Cerámica.
Frecuenta a Miguel Hernández y a los pintores Luis Castellanos y Benjamín Palencia y al escultor Alberto Sánchez.
En 1934 vuelve a tratar a Pablo Neruda, a quien ya había conocido en Paris.
Durante 1935 prepara la escenografía y los figurines de la ópera de Rodolfo Halffter Clavileño, que no llegó a estrenarse.



(Foto: Maruja Mallo en su estudio. Madrid, 1936)

En 1936 viaja con las Misiones Pedagógicas por Galicia, donde le sorprende el estallido dela guerra civil. Logra pasar a Portugal y llega a Lisboa, donde su amiga Gabriela Mistral, embajadora de Chile en Portugal, la aloja y prepara su partida hacia Argentina.

1937 -1961

El 9 de febrero de 1937 Maruja Mallo llega a Buenos Aires. Invitada por la Asociación Amigos del Arte viaja a Montevideo para dar una conferencia, acompañada de proyecciones, sobre el "Proceso histórico de la forma en las arte plásticas", que volverá apronunciar en Buenos Aires unos meses después.
Vuelve a encontrarse con su amigo Alfonso Reyes, embajador de México en Argentina, con quien permanecerá hasta 1938, año en que regresa a México.
El 2 de agostode 1938 se estrena la Cantata en la tumba de Federico García Lorca, de Alfonso Reyes, con música de Jaime Pahissa y escenografía de Maruja Mallo.
En 1939 es invitada a Santiago de Chile a pronunciar un ciclo de conferencias. Viaja a Valparaíso y conoce las playas de Chile.
En 1940 viaja a Montevideo y visita las playas atlánticas de Punta del Este y Punta Ballena.
En 1942 se publica el libro Maruja Mallo, con un texto previo de Ramón Gómez de la Serna y donde se reproducen textos de la autora.
Colabora con la Casa Compte de Buenos Aires realizando decoraciones funcionales, "plástica ornamental" incorporada a textiles, murales, muebles y objetos para edificios y viviendas.
En 1945, durante el mes de febrero, viaja a Chile y se traslada a Viña del Mar buscando inspiración para el encargo de un mural en un cine de Buenos Aires. En compañía de Pablo Neruda visita la Isla de Pascua.
En octubre de 1945 se inaugura el cine Los Ángeles con tres murales que decoran el hall de entrada realizados por Maruja Mallo, como tres paneles o "Armonías plásticas", en los que utilizó como modelos a bailarinas de una compañía de ballet ruso.
El 11 de octubre de 1948 realiza una exposición en la galería Carroll Carstairs de Nueva York.
En el mes de marzo de 1950 expone en la Galerie Silvagni de Paris y, en 1959, en la galería Bonino de Buenos Aires.
En 1961 regresa a España y se instala en Madrid, donde, en el mes de octubre, realiza una exposición en la galería Mediterráneo.

1962-1995

Regresa a Argentina pero vuelve, ya definitivamente, a España, instalándose de nuevo en Madrid.
Retoma el dibujo de viñetas para la Revista de Occidente, es incluída en varias exposiciones sobre la pintura española de la vanguardia y vuelve a ser figura asidua de las tertulias y los acontecimientos culturales del momento.
En 1979 se organiza una exposición antológica de su obra, en la que por primera vez se muestran sus últimos cuadros de la serie Moradores del vacío.
En 1982 recibe la Medalla de Oro de Bellas Artes concedida por el Ministerio de Cultura.
(Maruja Mallo y Andy Warhol. Madrid, 1982)
Cae enferma y es internada en una residencia de Madrid.
En 1990 recibe la Medalla de Oro de la Comunidad de Madrid y en 1991 la Medalla de Oro de la Xunta de Galicia.
En 1992, con motivo de su 90 cumpleaños, se celebra una exposición anológica en la galería Guillermo de Osma de Madrid, donde se muestran, por primera vez, series de los cuadros pintados en América.
En 1993 tiene lugar una gran exposición antológica en Santiago de Compostela que inaugura el nuevo Centro de Arte Contemporáneo de Galicia. Esta muestra viaja, después, al Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.
En 1995 Maruja Mallo muere a la edad de 93 años. [1]
Notas:
[1]- Biografía extraída del catálogo: Fuera de orden: Mujeres de la Vanguardia Española, pp 191-193.
[2]-Fotografías publicadas en DIEGO, Estrella de, Maruja Mallo, 2008
Más:

30 mar 2009

Georgia O'Keeffe y la cámara. El arte de la identidad

´



Vídeo realizado por el Museo Georgia O'Keeffe



XII Muestra Internacional de Cine Realizado por Mujeres


XII Muestra Internacional de Cine Realizado por Mujeres
Seminario Interdisciplinar de Estudios de la Mujer de la Universidad de Zaragoza
27 de marzo-4 de abril de 2009
Proyecciones:
CENTRO DE HISTORIA DE ZGZ (Plaza San Agustín s/n.)
ZARAGOZA
CASA DE LA MUJER (C/ Don Juan de Aragón, 2.)
ZARAGOZA
Entrada libre excepto a la sesión de
noche en la que se pide la colaboración
de 2€ por largometraje o bono de 10€
para todas las sesiones.
Programa completo y más información: XII muestra internacional de cine realizado por mujeres

23 mar 2009

SÉRAPHINE LOUIS (Séraphine de Senlis):1864-1942

El siguente texto es un resumen extraído de:
BIHALJI-MERIN, Oto: El Arte Naïf, ed. Labor, Barcelona, 1978. ISBN: 84-335-7558-9; pp. 45-46
Las notas al pie son de Mercedes García Bravo.
“Séraphine Louis, algunas veces citada como Séraphine de Senlis, nació en 1864 en Assy (Oise). Jamás estudió pintura, ni durante los tiempos de su niñez, cuando fue pastora, ni posteriormente, cuando trabajaba como sirvienta.[1] ¿Cuándo empezó a plasmar con formas y colores sus sueños y sus impulsos? ¿Por qué lo haría? Sabemos muy poco del drama íntimo de su pequeño ser. Y quizás todavía sabríamos menos de su arte si el azar no la hubiera reunido con aquél hombre que, impresionado por las imaginaciones de Rousseau, seguía la huella de los modernos primitivos.

El ignorante mundo la tomó por la humilde sirvienta de Senlis. Pero ella había sido llamada para ver, para mirar, a través de los bastidores perecederos de lo temporal, y para anunciar la eternidad. (…)”
(La casa de Séraphine Louis en Senlis)

En el año 1912 Wilhem Uhde [2] se trasladó a Senlis para descansar en la paz de esa vieja y pequeña ciudad de la Ile de France, cercana a Paris y, al mismo tiempo, alejada del Barullo. Cada mañana acudía una mujer para limpiarle la vivienda. Uhde apenas se fijó en ella. Un buen día vió en una casa de Senlis un bodegón de manzanas que le llamó la atención. Preguntó el nombre del pintor. << ¡Es su asistenta Séraphine!>> Hasta ahí le había guiado el destino a ciegas. Ahora podía cuidarse Uhde de que los estáticos ramos de flores crecieran hasta convertirse en poderosos árboles de fantasía. (…)
Uhde señala que Séraphine guardaba rigurosamente el secreto de su pintura. Nadie podía mirar cuando ella pintaba, cuando mezclaba los colores y preparaba el lienzo para que todo se efectuara con perfección artesana.[3] Vivía con un recogimiento monacal en su pequeña habitación, sobre cuya chimenea siempre ardía una eterna luz a la Virgen.[4]
Pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro, pintaba en una especie de trance, como jardinero místico, los flamantes ramilletes tras los cuales se oculta la tentación de todo lo sagrado. Plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas, en cuyo resplandeciente nervio se abren ojos. Extraña malla de susurrantes y concupiscentes ramajes con sartas de perlas compuestas por bayas del arbusto de la ternura, y umbelas estrelladas del jardín de los placeres. (…)
(…) Todas las luces y las brasas de sus sueños se apagaron un día. Entonces vagó de casa en casa y predicó el fin del mundo. Su espíritu había quedado vacío y desequilibrado. En 1934 murió en el asilo de ancianos de Clermont.[5]
Para Séraphine el arte fue como una revelación. Para ella la pintura –igual que para Van Gogh- era un acto afectivo. Era como si se redimiera mediante el acto de la creación. Con los ojos inmensamente abiertos caminaba a ciegas por la uniforme monotonía de su insignificante vida.

NOTAS:
[1]-Séraphine Louis nació en Arsy (Oise) el 3 de septiembre de 1864. Su padre era obrero-según la partida de nacimiento- y su madre procedía de una familia de campesinos. Cuando Séraphine tenía a penas un año murió su madre. Su padre, que había vuelto a casarse, murió seis años después. Huérfana, vivía con su hermana mayor. Empezó a trabajar como pastora, y a partir de 1881 trabajó como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia, en Clermont (Oise). En 1901 comenzó a trabajar como criada en diferentes casas de Senlis.

[2]-Willhem Uhde: Coleccionista, marchante, galerista y crítico de Arte, el nombre de Wilhelm Uhde se asocia con la vanguardia artística parisina de principios del siglo XX. En 1908 se casó con la pintora Sonia Delaunay. Tras dedicarse a comprar y exponer la obra de impresionistas y cubistas, comenzó a consagrar gran parte de su energía y de su fortuna a los pintores “naïfs” o ingenuos, a los que prefería llamar “primitivos modernos” y a los que también llamó “pintores del Sagrado Corazón” en la primera exposición que les dedicó en París, en 1929 , con obras de Henri Rousseau, Séraphine de Senlis, Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant...
Más: Biografía de Wilhelm Uhde (Colegas invitados)

[3]-Su técnica, completamente particular, consistía en el uso de la pintura Ripolin –la más común del mercado-, mezclada con la cera de velas que cogía en la iglesia, tierra extraída del cementerio y otros campos, de su propia sangre, que extraía de sus heridas y daba vida a sus cuadros…

[4]-Séraphine comenzó a pintar, según decía, por indicación de los ángeles y la Virgen. Cuando salía del aislamiento de su habitación iba a hablar y abrazar a los árboles y las flores.
[5]-Séraphine Louis, que había nacido el mismo año que Camille Claudel, vivió sus últimos años, como la escultora, que sólo le sobrevivió un año, internada en un asilo mental. Murió el 11 de diciembre de 1942, a los 78 años, en un anexo del hospital de Villers-sous-Erquery, a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas y la falta de alimento durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial y que fueron fatales para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. Fue enterrada en una fosa común.


En la Biblioteca de Mujeres Artistas:
CLOAREC, Françoise: Séraphine:La vie rêvée de Séraphine de Senlis

18 mar 2009

REMEDIOS VARO: ARTE POSTAL. Convocatoria


Tras la celebración en 2007 del Centenario de la pintora mejicana FRIDA KAHLO, el año2008 nos trajo otro aniversario que quisimos conmemorar: el del Centenario del nacimiento de la pintora española REMEDIOS VARO.
El próximo 16 de junio hará 101 años y medio y queremos creer que, a su personalidad juguetona, esa fecha le resultaría más sugerente que un redondo “100”.
Con ese motivo lanzamos ahora una nueva Convocatoria de ARTE POSTAL/ MAIL ART:
"REMEDIOS VARO: 101 remedios para escapar de lo cotidiano"
Si te interesa participar, puedes encontrar toda la información, presentación, bases y recursos útiles en la página REMEDIOS VARO:101 remedios para escapar de lo cotidiano o en el blog remediosvarocentenario.blogspot.com. O puedes descargar toda la información en formato pdf o documento de word.
También tenemos una cuenta de correo para atender todas las consultas, sugerencias, etc:
remediosvaro@gradiva.es
Esperamos vuestra participación y colaboración en la difusión de este proyecto.
ARTEMISIA Y COMPAÑÍA, Asociación de Mujeres Artistas
Publicado por La Bibliotecaria 0 comentarios

17 mar 2009

BRIDGET BATE TICHENOR

Bridget Bate Tichenor, era hija de Sarah Gertrude Arkwright, de origen británico y famosa colaboradora de Coco Chanel, y de Frederick B. Bate, comentarista americano de la NBC en Europa durante la guerra.

Bridget Bate Tichenor vivió sus primeros cinco años en Londres antes de ir a Paris, donde estudió francés y época de la que datan sus primeros dibujos conocidos, realizados con el consejo y la enseñanza meticulosa de su padre, que había descubierto prontamente su talento artístico. Posteriormente estudió en la Slade School, de Londres.
Se instala en Roma de 1930 a 1939 y posteriormente se traslada a NuevaYork. Allí ingresa en la Art Students League y estudia bajo la tutela de H. Marsh y de H. Stenberg. También recibe clases de Paul Cadmus, de George Tooker y de Yves Tanguy. Conoce el ambiente de los surrealistas Max Ernst, André Masson, Dalí y Matta, entre otros. Trabaja como editora en Vogue.
En 1940 se casó con Hugh Chisholm, hijo de una conocida familia neoyorquina de origen canadiense, con el que tuvo a su único hijo. En 1945, tras divociarse, se casó con el fotógrafo Jonathan Tichenor.
En 1953, sola, llegó a México y conoció a Luis Barragán y Matías Goeritz, que le convencieron para que se quedara allí a pintar. Durante unos años residió en Ciudad de México hasta su traslado a Ario de Rosales -Michoacán- en 1960.
Bridget Bate Tichenor se concentró envarios temas: inicialmente dibujaba y pintaba abstractamente, usando técnicas "automáticas" (1954-1956); luego descubrió sus fantásticos personajes del mundo surrealista. En su trabajo se aprecia su gran vida interior, que refleja su gran aprecio por la naturaleza y muy particularmente por los animales. En la magia radica, también, parte de su inspiración.
En 1954 realiza su primera exposición en la Galería Arte Mexicano, de Inés Amor. Es el principio de su trayectoria como artista profesional; más tarde expuso regularmente con Antonio Souza, su protector y promotor. Su ingreso como artista en los Estados Unidos fué en la Karning Gallery, dirigida por Robert Isaacson (1955).
En 1972 y 1974 expuso en la Galería Pecannins.
En 1978 dejó su rancho de Michoacán para vivir en Ciudad de México.
De 1982 a 1984 se instaló nuevamente en Roma, volviendo frecuentemente a México, y pinta sus series de "Máscaras, Guías espirituales y Deidades duales". Estos personajes fantásticos llenan su mente y la guían en sus momentos difíciles. Su hijo Jeremy fallece en 1982.
Su última exposición, una retrospectiva muy completa, se realizó en febrero de 1990 en el Instituto de Bellas Artes de San Miguel de Allende, donde se radica los últimos años de su vida.
Su pintura es muy cuidada y depurada, en general de pequeño y mediano tamaño.
El 20 de octubre de 1990 falleció en Ciudad de México, dejando una obra de unos 200 cuadros al óleo.
La obra de Bridget Bate Tichenor se encuentra en colecciones privadas de México, Estados Unidos y Europa.
(Artículo de Carlos de Laborde -economista y coleccionista de arte-. Publicado en Intramuros -sf)



Dos retratos de María Felix, pintados por Bridget Bate Tichenor, en colaboración con Antoine Tzapoff, que pintó los rostros de María Felix.

"Si pintaba gente dentro de un huevo no sé si es cierto, pero es probable que me encontrara yomisma en un huevo que no podía romper. Por fín lo rompí y entonces salieron caras de colores; era una salida y gracias a mi vida en México y de su libertad salieron otras imágenes, otros conceptos" -Bridget Tichenor-

4 mar 2009

"Mujeres en el espejo": Una actividad de ALAM para celebrar el Día Internacional de las mujeres

ALAM -Asociación Libre de Artistas del Moncayo- realizará el próximo sábado, día 7 de marzo, a las 19 horas en la Sala Albiana de Tarazona un acto poético musical, con motivo del día internacional de las mujeres: "MUJERES EN EL ESPEJO" y la presentación de las actividades de ALAM de estos 5 años desde su sección "El ojo de la mujer".
Dicha presentacion: LOS TELARES DE ARIADNA,  fué invitada al Congreso Nacional de Violencia de género celebrado en Santiago de Compostela en el mes de febrero, como ejemplo de buenas prácticas.

22 feb 2009

Leonora Carrington, Max Ernst y el surrealismo, según Anaïs Nin

Anaïs Nin, en el siguiente extracto de su diario (invierno de 1942), recuerda a Max Ernst y Leonora Carrington, y reflexiona sobre el surrealismo y la locura:

Max Ernst viene de vez en cuando para ver qué tal salen las reproducciones de sus dibujos [en la BlacK Sun Press, con textos de Paul Éluard]. Es bajo, muy delgado, muy tieso, y tiene perfil de pájaro. La boca es pequeña; y las mejillas, ahuecadas. Tiene una sonrisa breve y parsimoniosa, y una mirada inocente; pero en conjunto, su rostro trasluce perspicacia y mordacidad.


Recuerdo lo que se contaba de él cuando se casó con Leonora Carrington. Era una chica inglesa muy guapa. Los surrealistas, como grupo,fomentaron su neurosis hasta llevarla cerca de la locura. Era pintora. Pintaba una tela y la dejaba apoyada contra la pared. Cuando al cabo de unos días iba a buscarla, no la encontraba. Oí decir que cuando MaxErnst necesitaba telas tomaba el cuadro de ella y pintaba encima.Y luego le decía a su esposa: -¿Estás segura de que habías pintado algo? Yo no he visto ese cuadro que dices-.


Ahora Max Ernst está casado con Peggy Guggenheim.[...]
[...] Cuando encontré a Eleanora Carrington en la oficina del Doctor Jacobson, me sorprendió diciéndome que lo que más le preocupa es que pueda llegar a secársele la fuente que le proporciona las imágenes que pinta o la materia prima para la escritura. A mí esto ha sido siempre lo que menos me ha preocupado.



A mí me parece que cuando se desentierra el inconsciente se encuentra una fuente infinita de creatividad y que el problema se reduce simplemente a encontrar una forma elocuente de expresar lo que ese rico yacimiento produce. Eleanora ha ido muy lejos, casi demasiado lejos como para regresar de esas regiones. ¿Cómo puede hablar del miedo a quedarse seca?
Creo que muchos surrealistas simularon sus sueños. Simularon el inconsciente, la locura y lo fantástico. La simulación siempre se traiciona a sí misma, porque al final desemboca en la aridez.
[...] Siempre sentí en presencia de los surrealistas, como grupo, que en ellos era el intelecto quien convocaba al inconsciente y le hacía actuar. Ninguno de ellos anda, llora, rie, siente. Cuando el inconsciente se manifiesta de manera auténtica, pasas a ser como el primitivo poseído. En cambio, los surrealistas no son poseídos, sino que poseen. Para ellos todo es un juego, un juego de ingenio y brillantez. Los que estaban verdaderamente poseídos perdieron la razón." [*]



-ANAÏS NIN, Diario III, invierno de 1942-

[*] NIN, Anaïs, Diario III (1939-1944), Barcelona, Bruguera, 1981. pp 316-18.
FOTOGRAFÍA: Leonora Carrington y Max Ernst en Saint Martin d'Ardèche, 1939.

21 feb 2009

Tora Vega Holmström: Retrato de María Blanchard (1921)


La autora del cuadro es la pintora sueca Tora Vega Holmström (1880-1967).
La mujer retratada es la pintora cubista española María Blanchard (1881-1932).
Aparece vestida de rojo, tal como Federico García Lorca la había imaginado al ver por primera vez un cuadro de la pintora santanderina (1) , y los rasgos angulosos de su rostro pueden llevarnos a pensar -como García Lorca- en una mujer alta.
Pero María Blanchard había nacido con serios problemas físicos y deformidades a raíz de una caída de su madre durante el embarazo. Era enana, jorobada, coja y miope.
Las gruesas lentes que la modelo sostiene en su mano derecha son la única referencia que podemos encontrar a estos problemas físicos. Y quizás la forzada torsión del cuerpo.
María Blanchard, sin sus gafas, mira sin ver el papel escrito que sostiene en su otra mano -¿quizás una carta, quizás un poema de alguno de sus amigos...? A lo mejor Tora le había dejado leer alguna de las muchas cartas que intercambiaba con Rainer María Rilke...Quién sabe-. Pero hay cierta melancolía en su expresión pensativa.
1921, el año en que fué pintado el cuadro, María Blanchard ya había abandonado el cubismo y había vuelto -como otros pintores de la época- a interesarse por la pintura figurativa, retomando la figura humana en sus cuadros y retratando niños y maternidades. Con esta "vuelta al orden" perdió el interés del galerista Leonce Rosenberg y comenzó a sufrir dificultades económicas. Pero participó en el Salon des Indépendents presentando La comulgante, una obra cubista, pintada en 1914, que tuvo una gran acogida.
...¿Y de Tora Vega Holmström, autora del retrato...?
Poco he logrado saber.
Sueca, un año mayor que María Blanchard, debió llegar en algún momento a Paris -como cualquiera que quisiera ser artista en esa época- y debieron conocerse, como evidencia la existencia de este retrato -perteneciente a una colección privada-. Ambas practicaron el cubismo, las dos se relacionaron con grandes artistas y pensadores de la época... Pero María Blanchard, la modelo, parece haber llegado a ser más conocida que Tora Vega Holmström, la artista escandinava (2).
-Mercedes García Bravo-
Otras obras de Tora Vega Holmström:

Ryttaren, 1921

FigurKomposition, 1916

Fruktsalmot bla fond, 1924
NOTAS:
(1)"(...)me hicieron pensar en una María alta, vestida de rojo, opulenta y tiernamente cursi como una amazona.(...)" -Federico García Lorca, Elegía a María Blanchard-
(2) Está claro que, al hablar de la historia del arte, seguimos refiriéndonos, casi siempre, a la "historia del arte occidental", y que incluso dentro de "éste occidente", es dificil abarcarlo todo. Encontrar información sobre el trabajo realizado por las mujeres artistas no es fácil, y en algunos casos, como el de las artistas escandinavas, es doblemente difícil. Lo poco que he podido encontrar sobre Tora Vega Holmström está escrito en sueco, y francamente...
Para mí era una auténtica desconocida hasta hoy, pero creo que en la cultura escandinava debe ser una mujer con cierto reconocimiento -el que se empieza a dar algunas mujeres-, y he visto que existe bibliografía sobre ella, al menos la que la relaciona con el poeta Rainer Maria Rilke, con quien, al parecer, mantuvo una estrecha relación de la que queda una voluminosa correspondencia, parte de la cual ha sido editada.
SOS:
¿Conoces más datos sobre esta artista...? ¿Podrías ayudarme a traducir los pocos datos que sobre ella he conseguido encontrar...?

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