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29 feb. 2008

Sobre BALTHUS: "Ante una reescritura del arte del siglo XX"; un artículo de J.P.Quiñonero

"Ante una reescritura del arte del siglo XX", J.P.Quiñonero
ABC Cultural
18 dic.1999
Pág. 37
Artículo que forma parte del "especial" que ABC Cultural dedicó, en diciembre de 1999, a la noticia de la catalogación completa de la obra de Balthus, realizada por Jean Clair. El "especial" incluye una entrevista de Jean Marie Tasset a Balthus -que contaba entonces 91 años-, y otra realizada por el propio J.P.Quiñonero al autor del Catálogo razonado.
Transcripción : "La publicación del Catálogo razonado de la obra completa de Balthus (París 1908), bajo la dirección científica de Jean Clair, editado por Gallimard, es un acontecimiento mayor para la
historia y la crítica del arte contemporáneo, porque, en definitiva, esa obra, majestuosa, nos invita y condena a revisar profundamente todos los conceptos, categorías y valores establecidos de la pintura del siglo XX.
Al final de una vida de soledad, aislamiento y purgatorio, la retrospectiva de 1983, en el Centro Pompidou,organizada por el mismo Jean Clair, inició un proceso de revisión mayor, que culmina con la edición del Catálogo razonado de su obra completa: por primera vez, al fin, es posible comezar la urgente e inmensa tarea de revisar y reescribir la historia del arte del siglo XX, más allá de la violencia despótica de las vanguardias y la especulación.
Apenas comenzamos a explorar los caminos cruzados y transitados por los grandes maestros proscritos. El doloroso diálogo Berlín-Londres donde florece la nueva figuración que encarnan Francias Bacon, Lucien Freud y toda la Escuela de Londres. La tragedia trasatlántica que une Murcia, Madrid, París y México, ida y vuelta, a través de la obra de Gaya. El diálogo Nueva York-París que nos revela Hopper. La comunidad de ideales mediterráneos de italianos y catalanes "Noucentistas". Hay otros muchos maestros proscritos.
Además de sus primeros y más eminentes críticos, Antonin Artaud, Pierre-Jean Jouve, y su hermano, Pierre Klossowski, entre los primeros amigos y admiradores de Balthus, había varios españoles influyentes, como Buñuel, Picasso, o Miró. Muchos dibujos e ilustraciones del joven Balthus nos hablan de los emas y la violencia visionaria de Buñuel. Incluso llegan a trabajar en los mismos temas que vienen de la novela negra inglesa. El retrato de Miró y su hija nos recuerda una palmaria familiaridad mediterránea, que comparten los italianos, los catalanes y el picasso "nocentiste". Coleccionista muy fino, Picasso fue uno de los primeros compradores de la obra de Balthus, y la correspondencia, inédita, entre ambos maestros, pudiera descubrirnos y confirmar grandes sorpresas.
El pintor Balthus es una figura esencial, entre otras, que nos ayuda a desenterrar fabulosas capas geológicas de una historia nunca escrita del Arte del siglo XX. Esa tarea inmensa comporta una labor previa de reconstrucción arqueológica de una realidad proscrita, pero su significado último culmina con la revelación del gran arte, amenazado por las Furias de la tecnología, la especulación y el campo universal de las ruinas y las naderías desalmadas."

BALTHUS: 29 de febrero 2008, en el centenario de su nacimiento

Hoy hace un siglo, el 29 de febrero de 1908, nació en París -de origen alemán- el conde Balthasar Michel Klossowski de Rola, conocido en el mundo del Arte como BALTHUS.
Coetáneo de Remedios Varo (1908-1963), Balthus está invitado por méritos propios en este anexo de la Biblioteca de Mujeres Artistas.

Gilles Néret
Balthasar Klossowski de Rola, BALTHUS, 1908-2001: El rey de los gatos
Taschen, 2003
ISBN: 3-8228-2289-2
96 págs.:il.
23x19 cm (MGBravo.dic2003)

Balthus
"El rey de los gatos", 1935
(autorretrato)

Más acerca de BALTHUS:

J.P.Quiñonero: "Balthus, la supervivencia del arte y los últimos hombres libres" , "Ante una reescritura del arte del siglo XX" (ABC Cultural, 18 dic.1999, pág.37)

23 feb. 2008

Entrevista a Leonora Carrington (2006)

Cristina Carrillo de Albornoz realizó la siguiente entrevista a la pintora Leonora Carrington en el año 2006. En ella habla de sus origenes celtas, de su participación en el movimiento surrealista, de sus amistades y sus relaciones, de su concepto del arte, de la vida, de la muerte... Una interesante entrevista que nos permite conocer mejor a la artista y a la mujer que es Leonora Carrington, único miembro superviviente del grupo surrealista histórico:
"A sus 88 años -(2006)-, esta gran dama del surrealismo es toda una leyenda. Es más, sigue sorprendiendo al mundo con la imaginación y la audacia de sus creaciones. El Museo de Bellas Artes de México le dedica ahora una gran exposición. Allí la hemos entrevistado.




- Sorprende el tamaño de más de dos metros de altura de sus esculturas.
- Leonora Carrington: Yo sólo diseñé la maqueta. Soy demasiado vieja para hacerlas tan grandes sola. Pero las tres dimensiones me sientan bien.
- Usted tiene más fe en los animales, una constante en su obra, que en las personas. ¿Tan terribles somos?
- L.C.: Como sabe, no hago una separación entre humanos y animales. Tenemos un alma humana, pero también de animal. No creo que los seres humanos sean una raza muy divertida. Se está creando un mundo horrible, lleno de guerras absurdas, odios feroces e injusticias. Todo ello habla de la calidad de los animales humanos. Estoy convencida de que la raza humana no es superior a la de otros animales. Creo que el mundo animal es universal, pero su potencial no ha sido explorado. Mis pinturas preferidas son las de las cuevas de Altamira.
- ¿Qué animal tiene ahora?
- L.C.: Una gata que no se llama de ninguna manera y está tan vieja que sólo tiene un diente.
- Usted era una buena jinete…
- L.C.: Hace tantos años que ni me acuerdo, pero lo cierto es que adoraba los caballos. De niña, cuando comencé a pintar, todo eran caballos.
- ¿De ahí viene su famoso autorretrato con el caballo de juguete?
- L.C.: Ese caballo lo encontré en un chatarrero en París y lo tuve conmigo mucho tiempo. Lo pinté cuando Max (Ernst), Marie Berthe (que era su esposa) y yo estábamos en Saint Martín d’Ardèche, en el sur de Francia. No sabría decir por qué.
- En cualquier caso, es un animal clave en la mitología celta.
- L.C.: Así es; es como el renacer, un ser que conecta el subconsciente con el mundo real; el mundo masculino frente al femenino, pero no es la razón de que esté en mi autorretrato. Mi principio de vida, como artista, es no explicar nada. Las imágenes llegan, pero no sé de dónde vienen. Sospecho que del subconsciente universal. Aunque no puedo discernir qué es mío, ni de qué parte de mí surge lo que hago. Muchas veces, los personajes suben solos a los cuadros.
- ¿Tiene algún sueño?
-L.C.: El máximo es saber qué pasara después de la muerte. Es lo que más me gustaría conocer. Los sueños son lugares y la muerte, también. Cada ser humano se convierte en una personalidad diferente al dormir, y lo mismo sucede al morir. Son lugares en los que la tercera dimensión desaparece, de la misma forma que se evapora el consciente.
- ¿Qué expectativas tenía cuando empezó a pintar?
- L.C.: Nunca las tuve. Yo no decidí ser pintora. La pintura lo decidió por mí. Me escogió y me inventó y yo simplemente lo he hecho lo mejor que he podido. Estudié mucho en Londres, en París, en Italia. Necesitaba la técnica, no ideas, porque cada uno tiene las suyas. Continúo estudiando. Me considero una eterna estudiante.
- La pintura es un arte solitario. ¿Es usted de las personas que disfruta de la soledad?
- L.C.: No, no me gusta. Trato de entenderla, porque uno no puede aceptar algo que no entiende. Y cuando digo entender, me refiero a con todo el ser, con los centros vitales que tenemos, las sensaciones, las emociones.
- ¿Qué concepción de la pintura tiene? ¿Qué ritmo de trabajo lleva en la actualidad?
- L.C.: Este arte es como un centro donde todos los lugares invisibles de la mente se vuelven visibles. Sólo pinto cuando siento energía, pero continúo viviendo cada día por y para mi trabajo. Pintar es para mí un oficio artesanal, como el de los carpinteros que usan las manos y el cuerpo para crear una visión. Es algo artesanal y ese procedimiento está desapareciendo. Los surrealistas eran muy buenos en ese sentido. Picasso, que venía a visitarnos a Max y a mí, era ante todo un gran artesano.
- ¿Qué siente ante esa pérdida en el arte moderno?
- L.C.: Una gran lástima. Perder la habilidad artesanal es perder la sabiduría, porque al final sólo un buen artesano puede producir con el alma y el corazón.
- Su vida con Max Ernst sólo duró dos años, pero ¿fue él su gran amor?
- L.C.: Fue amor a primera vista. Me fui con él y mi compañero, Serge Chermayeff, me llamó puta. Yo le contesté: «Así son las cosas, ¿qué quieres que haga?». Fue maravilloso. No puedo decir que fuera la relación más importante; fue un gran amor y un gran mentor. Pero no creo en superlativos ni en categorizaciones. Sin embargo, Max me mostró otro universo y me llevó por caminos a los que en mi pequeña vida ordinaria de burguesa jamás habría tenido acceso. Lo adoraba como artista y como intelectual. Era distinto de los demás surrealistas. Una persona muy complicada.
- Los surrealistas tenían una concepción de la mujer que no le va nada a usted. La consideraban un adorno. La mujer era la musa.
- L.C.: Completamente. La tumbaban desnuda y con una sonrisa en un diván, y allí la dejaban. Pero Max era distinto. Nos veíamos con ellos en el campo, en Saint Martín D’Ardèche. Fue uno de los periodos más fecundos de mi vida. Lo que yo nunca fui es la mujer-niña que Breton quería ver en las mujeres, ni consentía que me trataran como tal. Pero tampoco ambicioné cambiar al resto. Simplemente aterricé en el surrealismo; nunca pregunté si tenía derecho a entrar. En el fondo, siempre he trabajado muy aislada, en mi mundo.
- ¿Qué le gustaba de Breton?
- L.C.: Lo admiraba profundamente. Era muy inteligente, pero muy dominante.
- ¿Ha leído El amor loco, de Breton?
- L.C.: No leí nada de él, pero sé que en ese libro ofrecía una visión muy romántica del amor y de su mujer, Nadja. La realidad es que cuando ella se volvió loca, la dejó sola.
- Los surrealistas eran en el fondo unos románticos. ¿Usted lo es?
- L.C.: El romanticismo ayuda. Es innato, una forma de poder tragar las tragedias. Y yo, que no soy diferente a ninguno de mis amigos, también soy romántica. Sin embargo, he desarrollado un sentido muy práctico de la vida.
- Decía que Picasso les visitaba con frecuencia…
- L.C.: Me impresionaba. Era ya muy mayor y yo muy joven. Muy español, muy macho. Quien me parecía muy divertido, y nunca se tomaba en serio, era Duchamp. Es una actitud que comparto.
- Fue amiga de muchas mujeres artistas...
- L.C.: Sí, de Lee Miller, Leonor Fini y Meret Oppenheim. Y Remedios Varo Necesitaba amigas. Crecí con tres hermanos y con el concepto opresor de los hombres sobre las mujeres, algo que nunca he tolerado. Aunque se ha avanzado, todavía hay muchas mujeres sometidas. Y no es que seamos mejores que los hombres, pero reclamo el derecho a vivir, a ser como ellos. «El inconveniente de las mujeres –como decía Breton, obsesionado por el cuerpo femenino– es que son el más maravilloso y perturbador problema del mundo.»
- Breton decía que Max Ernst proyectaba luz interior a los demás. ¿Era así?
- L.C.: Así era, un ser que irradiaba luz. Siempre sonreía. El París de antes de la guerra era un lugar increíblemente productivo; nos reuníamos en el café en St Germain-des-près, hasta que un día Hitler comenzó a ser el principal tema de conversación. Pronto acabó aquella felicidad. Al comenzar la guerra, al que tenía un poco de inspiración o decía algo distinto con su arte, lo llevaban a un campo de concentración. Fue una confusión mental terrible. Pensaban que los artistas pertenecíamos a otra raza.
- Y en un sentido positivo ¿no era así?
- L.C.: Los artistas somos simples seres humanos, como el resto…
- … divertidamente excéntricos.
- L.C.: Para ir por este mundo es necesaria cierta locura, aunque no sea más que una simple máscara. Hay locuras sublimes y locuras perniciosas. Siempre he tratado de ser lúcida. Nunca acepté las normas ni las leyes dadas. Me horrorizan; siento un fuerte rechazo por la autoridad, que exista el código que establece lo que es normal y no. Pero las cosas son más complicadas de lo que parecen y las creencias dependen de cada país. Hay un subterráneo infinito. Para muchas civilizaciones, ese subterráneo es parte de la cultura. Sin embargo, nuestra civilización occidental, gobernada por lo llamado ‘racional’, es más rígida. La realidad es mucho más compleja de lo que imaginamos y por ello no se puede actuar sólo en un marco racional.
- Una lectura que le ha seguido desde niña es la de Lewis Carroll.
- L.C.: Es maravilloso y su lógica, nada absurda. Además, era un gran matemático.
- Tras tantos años en México, ¿se siente europea?
- L.C.: Me siento bastante europea. Actuando y en mis costumbres, me reconozco como tal. Mi idioma es el inglés, aunque ahora lo mezclo con el español. Mi madre era irlandesa y, probablemente, sea ésa la razón de mi creatividad celta y de mi atracción por Irlanda, un país de mente surrealista. Se conoce a los irlandeses y a los celtas por las hadas, los gigantes, los elfos, los gnomos... Esa mentalidad me vino de forma natural.
- La primera vez que supo de surrealismo fue cuando su madre le regaló por Navidad el libro Surrealismo, de Herbert Read. ¿Recuerda su reacción al leerlo?
- L.C.: Sentí una completa afinidad. El surrealismo es un estado de espíritu, sin más, que no se puede explicar.
- ¿Cree en el destino?
-L.C.: He pintado de una forma nada planeada, inconsciente; quizá podría llamarlo suerte, destino, inspiración, o como decía Breton: «El azar objetivo». He cambiado porque ahora sólo estoy segura de que soy completamente ignorante, de que no sé nada. Por ejemplo, ¿qué sabemos de la muerte?
- ¿Tiene miedo a la muerte?
- L.C.: Sí, mucho. Sin embargo, creo que nos la han explicado mal. La diferencia entre vida y muerte no es tan clara y, para entender la muerte, hay que entender todos los lugares en nosotros, y los sueños son lugares.
- ¿En qué cree usted?
- L.C.: Más que creer, tengo opiniones muy fuertes sobre algunos temas. No hacer daño a los demás. Luchar contra la injusticia. Siempre he tenido fe en el amor. Ahora, eso se proyecta de forma intensa en mis dos hijos. Mi amor ahora es maternal.
- Dice que lo más convincente que ha encontrado es el budismo tibetano. ¿Por qué?
- L.C. Mis padres eran estrictos católicos, pero, a mí, ninguna religión me ha convencido. Sin embargo, me he sentido cerca del budismo tibetano. Sus creencias son extraordinarias y siguen prácticas que intelectuamente son muy satisfactorias. Pero el budismo no era para mí. Siempre he intentado descubrir algo que se conectara con mis experiencias. Por eso las teorías de Jung, al que conocí antes de la guerra y que estudié mucho en los 60, me interesaban.
- Se comprende que las tradiciones mexicanas no le hayan influido.
- L.C.: Son tradiciones maravillosas, pero cada país tiene una tradición mágica, y nuestra actitud hacia lo desconocido tiene que ver en ello.
- ¿Qué le atrae del mundo de hoy?
- L.C.: Lo que queda del ayer, los árboles, los animales. A mí, la belleza es lo que me impacta.
- ¿Siente que vive más allá de la realidad?
- L.C.: Mi marido está incapacitado y tengo que cuidarlo. Además, tengo que ocuparme de la casa. Todo eso roba tiempo y devora la creatividad. A mis 88 años, me encantaría deshacerme de casi todo lo que tengo, de las montañas de papeles y cajas de libros que ya no releeré, y vivir en una casa con una pequeña cocina y un cuarto de baño. Como le decía, la realidad es demasiado compleja. Se cuela por cada poro de nuestra existencia.
Una entrevista de: Cristina Carrillo de Albornoz

Su vida ha sido intensa y tumultuosa. Sus amigos y sus amores, entre los más escogidos genios del pasado siglo: Max Ernst, André Breton, Emerico Weisz, Picasso, Peggy Guggenheim. Pero más allá de su peculiar y excéntrica personalidad, esta señora del surrealismo, atraída por la mitología celta y el arte del Renacimiento, por el ocultismo y el mundo del subconsciente, se ha apoyado en la vida familiar. De todo ello nos habla en su casa de México.

22 feb. 2008

La exposición "Leonora Carrington en la Ciudad de México"-(2008)

La exposición "Leonora Carrington en la Ciudad de México" está formada por 17 esculturas de la artista inglesa Leonora Carrington que han "tomado la calle" en una de las principales vías de Ciudad de México -Paseo de Reforma, desde el Museo de Arte Contemporáneo Tamayo hasta el Museo de Antropología- y que, desde mediados de febrero de 2008 y hasta el próximo 31 de octubre, permitirá contemplar a todo tipo de público las obras escultóricas de la pintora Leonora Carrington, único miembro del surrealismo histórico que sigue viva.
Las esculturas fueron realizadas entre 1994 y 2007 y miden entre 90 centímetros y 8,5 metros de altura.
Ahí es posible observar piezas que van desde un jabalí sin orejas hasta una silueta de tres espectros, o el “Fisher King”, una obra de ocho metros de altura y que hasta ahora es la creación más grande de la artista nacida en Lancashire, Inglaterra, en 1917.
'Fisher King' es un ser humano cargando un pez enorme sobre sus brazos estirados. Es un recordatorio al cuidado y atención que debemos tener con el entorno, una denuncia de Leonora sobre el descuido que hemos tenido con los mares". La obra que ahora se exhibe frente al monumental Tláloc, en el exterior del Museo Nacional de Antropología, será llevada después a la costa de Los Cabos, Baja California, frente al Mar de Cortés, donde permanecerá.
“Horno de Simon Mgus” es otra de las obras de gran formato que atraen la vista de transeúntes y automovilistas. Según la muestra, dicha pieza recuerda la estufa antigua de Carrington en el comedor de su casa.
Cuculati 1, 2 y 3 es otra de las piezas que se exhiben y que según Alejandro Velasco, fundidor de las piezas de Carrington, aluden a la creencia celta en los espíritus que resguardan los hogares.
De igual manera, “Blind Crow Tree” y “Cobra-cabra” son otras de las esculturas que remiten al legado imaginario de esas culturas celtas, en las que los animales y las plantas asumen una ascendencia mística como seres híbridos, transformados por la imaginación de la artista.
La exposición se acompaña de 50 paneles luminosos que nos acercan a la obra y la biografía de la artista.
La exposición "Leonora Carrington en la Ciudad de México" se hace coincidir en tiempo - a partir de febrero de 2008- y lugar -Ciudad de México- con la exposición "Remedios Varo: Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria" que, con el supuesto motivo de conmemorar el centenario del nacimiento de la pintora española Remedios Varo, muestra las 38 obras de la pintora que están actualmente en un litigio que más parece un largo culebrón mejicano.


(M.G.Bravo)

21 feb. 2008

Carmen Catalán (Sibila) presentó su libro "Horizonte de sucesos"


HORIZONTE DE SUCESOS

( En las redes del pensamiento )

El pasado día 13 de febrero (2008) se presentó en el salón de actos de la Escuela de Artes y Oficios de la ciudad de Zaragoza, el nuevo libro de Carmen Catalán (Sibila).

Horizonte de sucesos (en las redes del pensamiento), editado por la Editorial Certeza, "es un libro que revela el contenido mágico que los seres humanos poseen. Personas sencillas alcanzan experiencias extraordinarias. Desconocemos nuestro potencial mental y creativo, la mecánica para saberlo utilizar y alcanzar logros que de otro modosolamente son fracasos. Nos educan para ser utilizados cuando nuestra naturaleza es libre y sabia.
Es un libro de autoayuda, de alto contenido esotérico y espiritual, fruto de la Sabiduría oculta. Escrito en primera persona, con sencillo y fluído verbo, llega a alcanzar momentos poéticos en el contenido de la aventura.
El duro camino por el que la protagonista es conducida por su destino y la peripecia vital hasta alcanzar la iniciación en ocultismo, nos arroja luz sobre el misterio que contiene el destino, la vida y la muerte. El poder de los sueños... la fuerza del talisman dirigida por la mente, el afán de contactar con los "Extraterrestres" hacen de "HORIZONTE DE SUCESOS" un libro del que usted podrá disfrutar. Le llenará de emoción con sus relatos verídicos que, de tan fantásticos, pueden parecerle una fábula de la autora, mas son reales, vivencias de personas normales, como usted y como yo. Escrito con el limpio espíritu del conocimiento y el generoso deseo de compartirlo esta obra va dirigida a todas aquellas personas que sientan confusión o agobio por la desesperanza que nos causa la vida en este oscuro y confuso mundo tan lleno de soledad y atrocidades. De esta manera los lectores pueden llegar a descubrir la abundancia de la fuerza que reside en los sótanos de nuestra Mente-Alma, ya que, todos los seres, nacemos con ella."
(Texto de contraportada)

Laia Vaquer expone en el Museo Juan Cabré. Calaceite (Teruel)

Girant la truita ("Dar la vuelta a la tortilla") es el título de la exposición que nos propone Laia Vaquer.
Del 8 de marzo al 13 de abril de 2008.
Museo Juan Cabré
Calaceite (Teruel) Con motivo de la celebración del “Día Internacional de la Mujer” el Museo Juan Cabré de Calaceite (Teruel) y la Asociación de Mujeres y Consumidores Kalat-Zeyd, presentan la exposición “Girant la truita/ Dar la vuelta a la tortilla” de Laia Vaquer compuesta por obras en video, instalaciones y esculturas.

La inauguraciónfué el pasado sábado 8 de marzo a las 20,00 horas. La exposición permanecerá en la Sala de Exposiciones del Museo hasta el 13 de abril de 2008.

Laia Vaquer Sánchez (Barcelona, 1978) vive y tiene su taller de trabajo en Valderrobres (Teruel) desde el año 2004. Es ganadora del primer premio de la “Muestra de Arte Joven 2007” de Aragón.

Coincidiendo con el “Día de la Mujer” Laia nos muestra, a través de su trabajo, la situación de la mujer todavía muy precaria en un mundo muy masculino.
En la exposición encontraremos aspectos, situaciones y acciones que se atribuyen a la mujer desde el inicio de la existencia del ser humano, a los que Laia ha querido dar un nuevo sentido, de ahí el título “Dar la vuelta la tortilla”.
En realidad la artista va más allá, la exposición es un “grito” a favor y en defensa de la diversidad y la libertad de todas las personas en general de cualquier cultura, sexo o raza.

19 feb. 2008

"Historia de Mujeres Artistas en México del Siglo XX"

"Historia de Mujeres Artistas en México del Siglo XX" (más información)
Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO)
De febrero a mayo-2008
Salas 6 a 11
planta alta
Sueños, miedos, ideologías, sentimientos y emociones emanados del imaginario de más de medio centenar de artistas, se reúnen en Historia de Mujeres. Artistas en México del siglo XX. En esta exposición, organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, se aprecia el talento tanto de artistas nacionales, así como de aquellas que durante el pasado siglo desarrollaron sus actividades, dentro de diversas disciplinas, en suelo mexicano. Firmas como las de Joy Laville, Leonora Carrington, Lola Álvarez Bravo, María Izquierdo, Remedios Varo, Tina Modotti, Graciela Iturbide, Helen Escobedo, Magali Lara, Miriam Medrez, Pola Weiss y el colectivo Mónica Mayer y Maris Bustamante, se acompañan, contrastan y coinciden en la forma de obras de pintura, escultura, fotografía, instalación y arte objeto que se ofrecen a quien quiera disfrutar de su mensaje.
La muestra reúne ejemplos representativos del modernismo de 1920 a 1950, las poéticas surrealista y abstraccionista, el feminismo de los 70, el “neomexicanismo” de los 80 y las propuestas alternativas y el cosmopolitismo globalizador de los años noventa como eslabón entre los siglos XX y XXI, a través de la experiencia de cada una de estas artistas.

17 feb. 2008

REMEDIOS... y Compañía: el entorno personal de Remedios Varo

LEONORA CARRINGTON:
"Leonora Carrington: cronología"
"Leonora Carrington en la Ciudad de México". Esculturas realizadas por la artista entre 1994 y 2007.
"La debutante". Un vídeo basado en el relato de Leonora Carrington.
Obras (vídeo-galería)
Entrevista

16 feb. 2008

"Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria.": Exposición y litigio

La inauguración de la Exposición "Remedios Varo: Colección Isabel Gruen. En memoria" que tuvo lugar el pasado 14 de febrero (2008) en el Museo de Arte Moderno, de México, se convirtió en el -hasta ahora- último capítulo del culebrón que tiene enfrentados al estado mexicano y a Beatriz Varo, sobrina de la pintora.
Teresa Franco, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), informó anoche que las 39 obras de Remedios Varo que estaban en litigio, a partir de ayer, por sentencia dictada por el Tercer Tribunal Unitario, son ya patrimonio de la Nación.

Al respecto, la titular del INBA destacó: “Compartimos hoy un día de suerte, ello se debe al espíritu de Remedios Varo que nos acompaña, porque este miércoles a las seis de la tarde nos fue notificada la sentencia dictada por la magistrada Guadalupe Molina Covarrubias, titular del Tercer Tribunal Unitario en materia civil y administrativa, que resolvió que la Federación, entendida ésta como la nación mexicana, es la legítima propietaria de las 39 obras de Remedios Varo de la colección del Museo de Arte Moderno”.

En el marco de la inauguración de las exposiciones Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria y La colección: la tradición de las rupturas, Teresa Franco agradeció a todos los que hicieron posible el montaje de ambas muestras.

Ruptura y restauración, decía Octavio Paz, son inseparables; ambas son hijas de la tradición, es decir, del tiempo en su doble ritmo: cambio y repetición, precisó la funcionaria.

“Es en esta amplia zona, en perpetua tensión, donde se imbrican los discursos de las exposiciones paralelas que inauguramos hoy. Se trata de dos muestras que tienen en común el reunir obras que forman parte del acervo del Museo de Arte Moderno y, al mismo tiempo, dar testimonio del trabajo que aquí se realiza para apreciar y entender cada vez más y mejor el arte de nuestro tiempo”, enfatizó.

La directora general del INBA detalló que con la exposición La tradición de las rupturas, el equipo de curadores del museo, bajo la dirección de Osvaldo Sánchez, nos ofrece una aguda revisión, una relectura de las propuestas innovadoras que nacieron durante la segunda mitad del siglo XX, así como de las concepciones que en ese periodo tuvieron cobijo en el Museo de Arte Moderno.

En el acto también estuvieron presentes Ricardo Calderón, subdirector general del INBA; Osvaldo Sánchez, director del Museo de Arte Moderno; Tania Ragasol, subdirectora de Curaduría de ese recinto cultural; Teresa Arcq, comisaria de la exposición, y Guadalupe Ramos Cárdenas, presidenta de la Sociedad de Amigos del Museo de Arte Moderno.

De cara a los invitados, Teresa Franco subrayó: “Por otra parte, esta noche volvemos la mirada a la obra de Remedios Varo, una de las autoras más relevantes en el panorama plástico contemporáneo”.

Con la reapertura de esta exposición, puntualizó, conformada por las obras de la colección Isabel Gruen Varsoviano, una de las más significativas con que cuenta el Museo de Arte Moderno, “conmemoramos el centenario del nacimiento de la pintora haciendo honor al propósito que animó a sus artífices, la pareja formada por Walter Gruen y Ana Alexandra Varsoviano”.

Ese propósito fue, redondeó Franco, reunir un grupo representativo de los trabajos de la artista con el interés de que se conservaran, se difundieran y que formaran parte de la herencia artística de un país, que también fue la patria elegida por la propia Remedios Varo.

Valga mencionar que por primera vez el Museo de Arte Moderno exhibe la más completa colección de Remedios Varo en México, a cien años de su natalicio.

En cuanto a La tradición de las rupturas, con una visión más contemporánea de su colección, el Museo de Arte Moderno integra más de 250 obras que cubren aproximadamente de 1950 a 1990, en diálogo con colecciones privadas y públicas.

Entrevistado por separado, el director de Asuntos Jurídicos del INBA, Víctor Manuel Amezcua, aseveró que si bien los abogados de Beatriz Varo podrían apelar esta sentencia, “estamos optimistas, porque contamos ya con dos resoluciones a nuestro favor”.

La noticia fue recibida con aplausos por el público que abarrotó el recinto para apreciar, por primera vez reunidas, las 39 obras de Remedios Varo, las cuales estarán en exhibición hasta finales de mayo.

Remedios Varo: 8 de octubre de 1963.

"Te voy a contar cómo fué el último tramo de la vida de Remedios: pensaba irse de vacaciones el día 22 de octubre con Eva Sulzer. Estaba muy cansada e irascible, había dejado de pintar y se dedicaba a coser vestidos y pantalones para el viaje. El ocho de octubre amaneció soleado, era el único día de sol después de una serie de días grises que pesaban sobre el ánimo de Remedios. Al mediodía traje a casa a nuestro amigo el ingeniero Roger Díaz de Cosío que acababa de comprar Los Amantes, un gouache hermosísimo. (...). Remedios se sentía incomoda al saber que el ingeniero Roger Díaz de Cosío había pagado 8.500 pesos, unos 650 dólares por el cuadro. Lo compró para regalárselo a su señora, esto la emocionó. Le quería devolver por lo menos la comisión de la galería. Con motivo de la visita de este señor, bebió un poco de coñac, quizás fué esto lo que le sentó mal, ella no tenía costumbre de beber. Se acostó a dormir la siesta como todas las tardes y después ocurrió todo..."

La pintora Remedios Varo murió el 8 de octubre de 1963, víctima de una crisis cardíaca.
Declaraciones de Walter Gruen en conversación con Beatriz Varo Jiménez, recogidas por ésta en su libro "Remedios Varo: en el centro del microcosmos", pág.104

14 feb. 2008

Trampantojos. El círculo en la obra de Remedios Varo.

"Trampantojos. El círculo en la obra de Remedios Varo."
Magnolia Rivera
México, Siglo XXI, 2005.
Ensayo.
Encuadernación rústica.
ISBN 9682325986
219 págs.



“Escribo este libro por dos razones principales," dice la autora Magnolia Rivera, "Una, para dar respuesta a las voces que demandan un estudio iconológico profundo de la obra de la artista del siglo XX Remedios Varo.
Otra, porque espero aclarar algunas suposiciones apresuradas – interpretaciones inexactas – que algunos críticos e historiadores del arte han hecho en torno la producción plástica de Remedios Varo.
Para ello, recurro al análisis del símbolo, el número y la composición, factores que en las obras de esta pintora se encuentran íntimamente entrelazados y no de manera casual o intuitiva.
En torno a la figura de esta artista española se han escrito diversos ensayos y algunos libros a los que hago referencia en este estudio. Lo ya presentado por otros investigadores del tema es en ocasiones un punto de partida o una oportunidad para la controversia y la aclaración de conceptos.
A través del estudio de tópicos como la simbólica medieval y la geometría sacra ha sido posible comprender la rotunda coherencia que posee toda la producción artística – plática y literaria – de Remedios Varo.
Con maestría vela y desvela acertijos a través del tampantojo (“trampa al ojo”), jugando con formas que ocultan a otras y que encierran simbolismo ancestrales.
La obra de Remedios Varo es el trampantojo del círculo porque de esta figura parte y en ella concluye.
El círculo como eterno retorno y como sentido pleno de la existencia. Todo está encerrado en esta figura, visible e invisible, simbólica y literal, geométrica y conceptual.
Tengo la certeza de que quien lea este libro sentirá la inquietud de seguir buscando caminos aún más profundos hacia el conocimiento de una obra plástica que expresa, ante todo, al universo.”

Remedios Varo: El excelente negocio de especular con los muertos

Por JP Quiñonero.

"A la vista de la rapacidad del Estado mexicano, mi director general para negocios informáticos me interpela, no sé si altruista o interesado: “¿No sería urgente lanzar una gran campaña nacional, pidiendo el retorno a España de la obra de Remedios Varo?”
“Un gentleman solo defiende causas perdidas”, me digo, irónico, sin atreverme a contradecir su locura, a sabiendas que, en verdad, Remedios fue otra española víctima de España: una mujer de rompe y rasga. Mucha mujer. Víctima de su generosidad, sus pasiones, sus locuras.
A Octavio Paz se le abrían los ojos, enormes, cuando hablaba de ella.
Su talento y su sensibilidad, como la de Buñuel, vienen de lo más hondo de una España proscrita por España. ¿Si no les interesaba cuando era joven y bella, porqué podría interesarles ahora, cuando sus huesos esperan el juicio final en un polvoriento cementerio mexicano, entre jaramagos, en tierra extraña? Quizá porque su obra, rara, escasa, proscrita, pudiera cotizarse a la alza en la tumba del Rey Midas. Caína"

JP Quiñonero.
Posted on September 20th, 2005
Una temporada en el infierno

13 feb. 2008

"Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria": Exposición

El Museo de Arte Moderno, de México, presenta una exposición sobre la pintora española, exiliada en México, Remedios Varo (1908-1963), con la que se conmemora el centenario de su nacimiento (Anglés -Gerona- 16 de diciembre de 1908).
La muestra "Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En memoria" exhibe entre el 14 de febrero y el 27 de julio (2008) 39 obras realizadas por esta pintora, considerada una de las mayores aportaciones españolas al surrealismo.
La exposición incluye cuadros, bocetos, dibujos, collages, acuarelas y trabajos publicitarios realizados por la artista para la Casa Bayer, y forma parte de los actos conmemorativos del nacimiento de la artista que se están preparando -en México- y que al parecer incluirán un simposio internacional sobre su obra en mayo, otra exposición con "nuevas lecturas de su obra basadas en estudios recientes", y la presentación de un libro sobre la artista escrito por Tere Arcq, comisaria de esta exposición.
La "Colección Isabel Gruen Varsoviano. In memoriam", está inmersa en un fuerte litigio que enfrenta, desde el año 2000, a diferentes instituciones culturales del estado mexicano con Beatriz Varo Jiménez, sobrina de Remedios Varo, sobre los derechos hereditarios de los bienes de la artista, que incluyen las 39 obras que forman parte de ésta colección que vuelve a exponerse en el Museo de Arte Moderno de México (MAM), en ésta ocasión con motivo del Centenario del nacimiento de la pintora española.

2 feb. 2008

Amazonas del Arte Nuevo


29 de enero a 30 de marzo 2008 -¡Prorrogada hasta el 27 de abril!
SALA DE EXPOSICIONES DE FUNDACIÓN MAPFRE

En 1999 la Fundación Mapfre organizó la exposición "Fuera de orden: mujeres de la vanguardia española". Se iniciaba así una línea de actuación que pretendía reivindicar el papel desempeñado por la mujer en el desarrollo del arte moderno.
En esta ocasión la exposición "Amazonas del arte nuevo" se vuelve internacional y recupera la obra de cuarenta y una artistas de diferentes nacionalidades, representativas de los distintos movimientos y estilos artísticos que se desarrollaron entre 1880 y 1950.
Algunas de las "Amazonas del arte nuevo" son artistas muy conocidas y otras prácticamente desconocidas, apenas estudiadas y cuya obra, en algunos casos y a pesar de su indudable valor, jamás había sido expuesta anteriormente en España, por lo que esta exposición, organizada por la Fundación Mapfre, es una gran ocasión de comprobar y evidenciar la importancia del papel desempeñado por las mujeres artistas en el desarrollo del arte moderno.



Amazonas del arte nuevo


29 de enero a 30 de marzo 2008
(Prorrogada hasta el 27 de abril)
SALA DE EXPOSICIONES DE FUNDACIÓN MAPFRE
Dirección: Avda. General Perón, 40. Madrid 28020

Teléfono: 91 581 16 28

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