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29 sept. 2008

"Caminos abiertos", nueva exposición de Carmen Catalán en Zaragoza

Está claro que éste año 2008 está siendo de gran actividad para Carmen Catalán.

Tras la presentación de su libro "Horizonte de sucesos", está a punto de inaugurar " CAMINOS ABIERTOS" una nueva exposición de su obra artística.
Será el próximo viernes, 3 de Octubre a la 20 hs., en la sala "ARTEMARK," (Fernando el Cátolico, 27, de Zaragoza) y se podrá visitar de lunes a sábado durante todo el mes (hasta el 30 de octubre). Otra alternativa para estas Fiestas del Pilar 2008.

"La pitagórica".
Obra de Carmen Catalán. (Uno de los trabajos con los que participó en la exposición "Corazones Lastimados", organizada por Artemisia y Compañía, Asociación de Mujeres Artistas")

27 sept. 2008

Los jueves al sol: reciclaje de ropa

Más información:
El sol sale para todos
C/María Moliner, 7
50007 Zaragoza

Remedios Varo: LA EXPLORACION DE LAS FUENTES DE LA LUZ.

LA EXPLORACION DE LAS FUENTES DE LA LUZ.
Por Carmen V. Vidaurre Arenas

Uno de los rasgos que caracteriza las producciones culturales del presente, es el de las relaciones múltiples que se establecen entre obras que proceden de distintos campos de la cultura. Este fenómeno no es algo nuevo, los estudiosos han observado antes, por ejemplo, la forma en que la narrativa picaresca se nutrió de prácticas discursivas características de los procesos jurídicos, así como la presencia de la plástica manierista en la obra de Cervantes, la influencia de las coplas en la obra de Quevedo, la de la filosofía, la música y el discurso religioso, en la poesía y el teatro de Juana Inés de la Cruz, la presencia de la literatura en los grabados de Francisco de Goya, el reciclaje de obras literarias en la ópera romántica y en la danza, la influencia de la fotografía en los óleos de los simbolistas, la forma en que música, arquitectura, danza, y plástica, se hacían presentes en las producciones literarias modernistas, las relaciones entre el lenguaje pictórico y los poemas en José Juan Tablada. Sin embargo, este tipo de relaciones múltiples que se han dado en el arte, a lo largo de la historia, se torna sistemático y como nunca recurrente en el siglo XX[1][1]. Sin duda, este campo de estudio ofrece un horizonte inagotable para los investigadores del arte y la cultura contemporáneos, y tiene consecuencias importantes, porque nos lleva a tomar conciencia que hay rutas comunicantes que vinculan todas las producciones culturales en formas tan estrechas que es difícil no concebir la cultura como un mosaico complejo, rico, diversificado, en el que lo semejante y lo diferente se funden; esto nos lleva a cuestionar, como nunca, las distinciones tajantes entre lo nacional y lo extranjero, lo literario y lo no literario, lo académico y lo popular. Quizás, en parte, por todo esto, hoy hemos elegido estudiar la forma en que tales fenómenos se hacen manifiestos en la obra plástica de una pintora exiliada, nacida en Anglés, un pequeño pueblo de la provincia de Gerona, el 16 de diciembre de 1908: María de los Remedios Varo y Uranga, conocida como Remedios Varo, quien produjo la mayor parte de su obra plástica y literaria en México, donde murió el 8 de octubre de 1963, poco después de haber declarado: "Soy más de México que de ninguna otra parte. Conozco poco España: era yo muy joven cuando viví en ella". Remedios Varo formó parte de muchos territorios: el de una sociedad tradicional, la España de Alfonso XIII, con su dictador, el general Primo de Rivera, con su colegio de monjas y su academia de arte, en donde las mujeres se dedicaban a la costura y al duro trabajo, participó de una cultura heredada por su madre originaria del país vasco, y de otra heredada por su padre, quien era andaluz, agnóstico, hablaba esperanto y le enseñó dibujo técnico. Remedios fue miembro de una institución conservadora, que expulsó a Dalí por mal comportamiento, pero también formo parte de una familia que viajaba mucho, debido a las investigaciones sobre vías fluviales que hacia el padre, ingeniero especializado en obras hidráulicas , a lugares como Casablanca y Tánger.
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21 sept. 2008

El hombre del bombin: Jules Pascin


Jules Pascin es el pseudónimo adoptado por Julius Pincas, pintor nació en Vidin (Bulgaria) hijo de un padre judío sefardí y una madre serbo-italiana.
Su carrera artística comenzó en Alemania como caricaturista de éxito y adoptó el seudónimo de Jules Pascin después de llegar a París en diciembre de 1905.


















Tocado con un sombrero hongo, era una presencia habitual en el café Le Dôme, donde solía dibujar y pintar acuarelas, en el club Le Jockey, y otros lugares favoritos de la comunidad artística y bohemia de Montparnasse.

En 1907 Pascin conoció a Hermine Lionette Cartan David -Hermine David-, también pintora, y se hicieron amantes, viviendo juntos hasta que Pascin se marchó a Estados Unidos el 3 de octubre de 1914. Hermine David permaneció en París con su madre hasta que, a petición de Pascin, marchó también a Estados Unidos el 31 de octubre de 1914.
Pascin vivió en los Estados Unidos desde 1914 hasta 1920, no interviniendo en la Primera Guerra Mundial. Estando allí dió clases en la Academia Telfair en Savannah, Georgia. Hermine y él pintaron en Nueva York, Miami y Nueva Orleans y viajaron a Cuba. (En la foto: Hermine David y Pascin en una playa de Cuba.)

Pascin y Hermine David se casaron el 25 de septiembre de 1918 en el ayuntamiento de Nueva York. Fueron testigos Max Weber y Maurice Sterne, ambos pintores residentes en Nueva York y amigos de Pascin. Pascin recibió la ciudadanía estadounidense y dos meses después regresaron a París.
De regreso a Francia, se consagró como autor de dibujos y acuarelas, sobre todo de retratos de modelos femeninos, entre ellos su mujer Hermine David y su amante Lucy Krohg.


Necesitado de cariño y compañía como consecuencia de una infancia vivida en el ambiente represivo de una familia tradicional judía que le había hecho abandonar a su primera amante por ser mayor que él, llevó una vida de festejos que organizaba para estar siempre acompañado de sus amigos. (Abajo: invitación de Pascin a Man Ray y Kiki de Montparnasse para que acudan a una fiesta en su estudio)

A pesar de estar constantemente en fiestas, Pascin creó miles de acuarelas y esbozos, además de dibujos y caricaturas que vendía a periódicos y revistas. Estudió el arte del dibujo en la Academia Colarossi y, como Henri de Toulouse-Lautrec antes de él, dibujó el ambiente que le rodeaba y a sus amigos, tanto masculinos como femeninos. Quería convertirse en un pintor serio pero con el tiempo se deprimió profundamente al ser incapaz de lograr un éxito de crítica con sus esfuerzos.
Durante los años 1920, Pascin pintó sobre todo frágiles petites filles, prostitutas esperando a clientes, o modelos esperando a que acabe el posado. Sus pinturas se vendían, pero gastaba el dinero con rapidez. (A la derecha Pascin con un amigo y dos modelos delante de uno de sus cuadros)



Era famoso por ser el anfitrión de numerosas fiestas, grandes y escandalosas, que daba en su piso; cuando le invitaban a cualquier otro lugar a cenar llegaba con tantas botellas de vino como podía llevar. Frecuentemente lideraba un gran grupo de amigos en pícnics estivales a orillas del Marne, con excursiones que duraban toda la tarde. Según su biógrafo, Georges Charensol: «apenas había elegido mesa en el Dôme o el Sélect cuando lo rodeaban cinco o seis amigos; a las nueve en punto, cuando nos levantábamos, podríamos ser 20 en total, y más tarde, cuando decidíamos ir a Montmartre donde Charlotte Gardelle o la Princesa Marfa -donde a Pascin le encantaba ponerse a tocar la batería en la orquesta de jazz- él tenía que llamar a diez taxis». (Abajo: una de las fiestas organizadas por Pascin. El aparece de perfil, a la derecha de la foto)

En su relato París era una fiesta, Ernest Hemingway escribió un capítulo titulado "Con Pascin en el Dôme", recordando una noche en 1923 cuando se había detenido en Le Dôme y encontrado a Pascin acompañado por dos modelos. La descripción de Hemingway de los acontecimientos de esa noche se consideran una de las imágenes que simbolizan en Montparnasse de la época.
Tras la brillantez de Pascin se escondía el terror de una mente torturada: sufría fuertes depresiones y alcoholismo. «Enloquecido por su propia leyenda», según el crítico de arte Gaston Diehl, se suicidó el 2 de julio de 1930, en vísperas de una prestigiosa exposición individual, cortándose las venas de las muñecas y ahorcándose en su estudio de Montmartre. Sobre la pared dejó un mensaje escrito con su propia sangre que decía adiós a su amor perdido, Cecile Vidil Krohg -Lucy Krohg-. En su testamento Pascin dejó su patrimonio a partes iguales a su amante, Lucy Krohg, y a su esposa, Hermine David.

El día del funeral de Pascin, el 7 de junio de 1930, cerraron todas las galerías de París. Miles de conocidos de la comunidad artística junto a docenas de camareros de los restaurantes y los salones que frecuentaba, todos vestidos de negro, caminaron detrás de su ataúd a lo largo de los casi cinco kilómetros qu había desde su estudio en el bulevar de Clichy, número 36, al cementerio de Saint-Ouen.(Abajo: Jules Pascin en su lecho de muerte)

Hermine David in blue. Jules Pascin, 1916

Hermine David (1886-1970)


"Era una francesa de ojos muy separados, a veces algo estrábicos, con un rostro delgado y empolvado en el que destacaba, de un modo notable incluso para los gustos del momento de París, una extraordinaria boca de labios rojo geranio. Estaba íntimamente relacionada con uno de los pilares del grupo del Dôme y, al igual que su compañero(1), siempre estaba dibujando o pintando acuarelas en el café. Sus cuadros eran encantadores, algo ingenuos pero ingeniosos. También hacía miniaturas, unas cosas extraordinariamente pequeñas que se podían engastar en joyas. Era callada y jamás protestaba si nos pasábamos toda la noche hablando alemán lengua de la que ella no entendía nada" (Ahhlers-Hestermann)(2).


Hermine-Lionette Cartan nació en Paris, en 1886. Siendo niña sufrió un accidente doméstico con la ballena de un corsé que casi costó a Hermine el ojo derecho.

Tras recibir clases particulares de pintura en miniatura, dibujo y grabado, fué aceptada en la Escuela de Bellas Artes, que aceptaba mujeres desde sólo hacía dos años. Pero a los pocos meses optó por abandonar los estudios oficiales y acudir a la Académie Julian, que ofrecía un ambiente más libre.

En 1907 conoció al pintor búlgaro Jules Pascin que, llegado a París en 1905, se había convertido en el alma del grupo de artistas que se reunía en el Dôme.
Las mujeres no eran en general demasiado bien recibidas en este círculo: "...sólo unos pocos camaradas traían al café a sus esposas y novias del momento, e incluso en estos casos tampoco éramos demasiado educados con ellas... El pequeño grupo de asiduas que pasaban por el café eran en su mayoría modelos."(2)

Durante la guerra, Hermine y Pascin se refugiaron en EEUU, donde se casaron el 25 de septiembrede 1918. En 1920 regresaron a París y se instalaron en un estudio en Villa des Arts, un conjunto de viviendas de Montmartre. Al poco de llegar, se reencontraron con algunas antiguas amistades, y en especial con Lucy Krogh, de quien Pascin se enamoró. Hermine pasó a alojarse en el Hôtel d'Odessa de Montparnasse y nunca volvieron a vivir juntos, si bien su relación continuó hasta la muerte de Pascin, que se suicidó en 1930.


En 1932, Hermine David recibió la medalla de la Legión de Honor, y siguió trabajando en la pintura, grabado e ilustración de libros.
Murió en 1970, en Bry-sur-Marne (Francia).
Hermine David en su mesa de trabajo

Hermine David ocupada en una miniatura. Dibujo de J.Pascin.
Hermione David. Dibujo de J. Pascin
Jules Pascin en una pose íntima y relajada. Dibujo de Hermine David

(1) Jules Pascin; (2) Ahhlers-Hestermann, miembro del grupo de artistas alemanes, escandinavos y de los Balcanes que llegaron a París y se reunían en el Dôme, café de Montparnasse.

L'Atelier Julian. Marie Bashkirtseff.

L'atelier Julian" Obra de Marie Bashkirtseff, 1881 Oleo sobre tela, 145 x 185 cm.
Localización actual: Museo de Bellas Artes de Dnipropetrovsk, Ucrania.
L'Atelier Julian, una academia privada, que aún existe en nuestros días, era el único lugar donde una mujer con inquietudes artísticas podía recibir una instrucción comparable a las escuelas oficiales de Bellas Artes, que no admitieron la presencia femenina hasta 1897.

Alumnas de la Academia fueron, entre otras:
-Marie Bashkirtseff
Durante el año 2000 el museo Dahesh de Manhattan organizó una exposición titulada: "Superando Todos los Obstáculos: Las Mujeres de la Academia Julian", con obras de Marie Bashkirtseff y sus condiscípulas.

20 sept. 2008

Leonora Carrington: cronología

Leonora Carrington nació el seis de abril de 1917 en Clayton Green, cerca de Chorley, en el condado de Lancashire, Inglaterra. Su madre era irlandesa y su padre inglés, magnate de la industria textil.
1920- La familia se muda a Crookhey Hall, cerca de Lancaster, y Leonora y sus tres hermanos quedan bajo los cuidados de una institutriz francesa, un instructor de religión, y una nana irlandesa, Nanny, que alentó su ardiente imaginación con historias de crímenes terribles y cuentos de lo sobrenatural de origen irlandés y alemán.

Crookhey Hall

1926- Leonora asiste sucesivamente a dos colegios católicos (Holy Sepulchre, situado en un castillo construido por Enrique VIII, en Reading, y Saint Mary's en Ascot), de ambos fué expulsada. Decían que no mostraba ningún interés en las asignaturas impartidas y hacía contínuamente preguntas del estilo de "¿Quién dijo que dos y dos son cuatro...?"; su escritura era ilegible, aparentemente, hasta que descubrieron que cobraba sentido al verse en un espejo.
Leonora Carrington, ca 1930
Leonora Carrington a lomos de su caballo, Winkie, 1931

1932- Decididos a encontrar la manera de civilizar a su hija, sus padres la enviaron a la Academia de Miss Penrose, un internado en Florencia. Los estudios de arte y los cuadros que descubrió en la Galería de los Ufizzi marcaron toda su vida como pintora. Después le enviaron a París. En un internado duró dos meses y de otro, el estricto colegio de Miss Sampson, se éscapó una noche. Mientras tanto, la madre soñaba con un enlace adecuado para Leonora.
1934- El uno de mayo es presentada en la corte del rey George V, y sus padres ofrecen un baile en su honor en el Ritz. (En la foto: Leonora Carrington y su madre el día de su presentación en la corte). Esta experiencia está reflejada en su historia La debutante.
1936- Decidida a convertirse en artista, pese a lo que se esperaba de ella, Leonora logró convencer a sus padres para que le permitieran asistir a una escuela de pintura. Ingresó en la Academia que Amedée Ozenfant, el pintor futurista, acababa de fundar en Londres. Fué su primera alumna. En esa misma época comenzó a interesarse en la alquimia.
1937- A través de una compañera de clase conoce a Max Ernst, que estaba en Londres con motivo de su exposición en la Mayor Gallery. Leonora se había interesado en el surrealismo tras leer varias publicaciones y visitar la Exposición Internacional Surrealista de Londres.

Ese mismo verano viaja a Cornwall con Ernst, Paul Eluard y Nusch Eluard, Man Ray, Lee Miller y Roland Penrose.
Lee Miller, Ady Fidelin, Nush Eluard y Leonora Carrington, 1937.

Poco después de este viaje, con 19 años, Leonora se fugó a París con Max Ernst y comenzó una relación que duró tres años. Sus padres le repudiaron y Leonora nunca volvió a ver su padre, una separación que le marcó y aparece en algunas de sus obras literarias. Escribe "El pequeño Francis", una historia sobre la relación triangular entre ella, Max Ernst y la esposa de éste, Marie-Berthe, con el inicio de la Guerra Civil española como fondo.
En Paris, Leonora ayuda a Ernst con el diseño de los escenarios para la producción de Ubu Roi de Alfred Jarry.


1938- Ernst y Carrigton se mudan a Saint-Martin-d'Ardèche en el sur de Francia, donde restauraron una casa abandonada y la poblaron de caballos y seres míticos en frescos, esculturas y relieves que cubrían muros enteros. recibían las visitas de Lee Miller, Roland Penrose, Remedios Varo, Leonor Fini y otros.
Leonora Carrington en St. Martin d'Ardèche
Expone con los surrealistas en París y en Amsterdam. Aparece "La casa del miedo" y escribe los relatos que recogerá en "La dama Oval", con ilustraciones de Ernst.
1939- Estalla la guerra y Ernst -de origen alemán- es recluido en calidad de extranjero enemigo en el campo de concentración de L'argentière, en Francia. Carrington se encarga de su liberación, en diciembre.
1940- En mayo, Max Ernst vuelve a ser apresado, esta vez en Les Milles, cerca de Aix en Provence. Tras un intento fallido por obtener su liberación, Leonora sale hacia España. Durante el trayecto sufrió una crisis nerviosa y fué ingresada en un asilo mental en Santander. Más tarde escribió "Memorias de Abajo", un recuerdo autobiográfico de esta penosa experiencia, durante la que fué sometida a un tratamiento excesivo con medicamentos que provocaban fuertes convulsiones. Una primera versión, escrita en inglés, fué rechazada por la editora americana Jannet Flanner y se perdió. La versión que conocemos fué escrita en francés en 1943.
1941- Liberada del asilo y tras pasar por Madrid, viajó a Lisboa. Allí pidió asilo en la embajada Mexicana, donde se encontró con el periodista y diplomático Renato Leduc, diecinueve años mayor que Leonora, con quien se casó para poder viajar a América.
1942- Tras una estancia en Nueva York, donde también se encontraban Max Ernst y su nueva mujer, Peggy Guggenheim, Leonora llegó a Ciudad de México y obtuvo la nacionalidad mexicana, que el país ofrecía a todos los europeos refugiados de la Segunda Guerra Mundial. Se divorció de Leduc en 1943 y comenzó a mantener una estrecha amistad con Remedios Varo y su compañero, el poeta Benjamín Péret, así como con el trío formado por Wolfgang Paalen, su esposa la pintora Alice Rahon y Eva Sulzer. Conoció al psicoanalista y escritor Pierre Mabille, que le animó a escribir "Memorias de Abajo", al director de cine aragonés Luis Buñuel, con quien entabló una buena amistad, y al fotógrafo húngaro Emerico "Chiki" Weisz.
(De izda. a dcha.: Gerardo Lizarraga, Chiki Weisz, José Horna, Leonora Carrington, Remedios Varo, Günter Gerszo, Benjamin Péret y Miriam Wolf)

1944- Conoce a Edward James, el rico y extravagante inglés, mecenas de los surrealistas, que se convierte en el coleccionista más importante de su obra. James, además, la introduce en el conocimiento del Libro Tibetano de los Muertos.
1946- Se casa con Chiki Weisz. Tienen dos hijos: Gabriel, quien nace ese mismo año, y Pablo, nacido en 1947.
Gabriel, Leonora y Pablo

1948- Primera exposición retrospectiva de La obra de Leonora Carrington en la Galería Pierre Matisse de Nueva York.

1950- Exposición retrospectiva en la Galeria Clardecor, Mexico D.F. Se involucra con los seguidores del movimiento espiritual de Gurdjieff.
1957-Diseña y produce para el escenario una de sus propias obras, Penélope.
1960-1970- "Exposición Retrospectiva de pinturas y tapices de Leonora Carrington" en el Museo Nacional de Arte Moderno, de Ciudad de Mexico (1960). Estudia los escritos de Jung. Diferentes exposiciones y publicaciones.
1963- Es comisionada para pintar un gran mural, El mundo mágico de los mayas, en el que celebra a los mayas de Chiapas, en el Museo de Antropología de la Ciudad de México(1963)
1968- Abandona México con sus hijos como protesta por el salvaje manejo del movimiento estudiantil. Regresa a México, el año siguiente. Durante el periodo 1968-70 realiza frecuentes viajes a Nueva York.
1971- Estudia bajo la guía del lama tibetano -en el exilio en Canadá y Escocia-y permanece como discípula suya.
1972- Participa en la formación del Movimiento feminista de México DF., y diseña el póster Mujeres Conciencia1985 -Abandona nuevamente México y se establece en Nueva York.
1988-90 Se muda a Chicago. Retrospectivas en EEUU, Tokio (Japón) y México.

1990-Regresa a México.2000-Nombrada Ciudadana de Honor de México D.F. El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) celebra un Coloquio Internacional sobre Leonora Carrington.
2008-Leonora Carrington sigue viviendo y trabajando en Ciudad de México. Gran Exposición de esculturas al aire libre.Enlaces:
Descargas:

19 sept. 2008

De agua y otros cuentos: nueva exposición de María José Povar

En colaboración con el Ayuntamiento de Ejea de los Caballeros y con el Centro de Profesores de dicha localidad, la exposición De agua y otros cuentos, a través de obras realizadas con técnica mixta y óleo/tela y de dos instalaciones, pone el acento en la importancia del agua y del medio ambiente y de lo que podemos hacer para preservarlos.

Se Inaugura el 26 de Septiembre a las 20 h. en la Sala de Exposiciones de la Casa Parroquial. Iglesia del Salvador. Ejea de los Caballeros (Zaragoza).

6 sept. 2008

Edward Munch: autorretratos

Autorretratos del pintor noruego, Edward Munch, cuya obra más famosa es "El grito".
Foto cortesía del Museo Munch en Noruega.
Foto cortesía del Museo Munch en Noruega.
Munch vivió en París hasta 1892. Este autorretrato con un brazo de un esqueleto (1895) demuestra la relación de Much con la muerte, un tema común en sus pinturas.
Foto cortesía del Museo Munch en Noruega.
Munch tuvo una relación con la mujer que aparece en esta pintura, Tulla Larsen, que terminó cuando él se disparó en una mano para expresar su rechazo al matrimonio convencional. Munch cortó la pintura después de haberla terminado.
Foto cortesía del Museo Munch en Noruega.
Foto cortesía del Museo Munch en Noruega.
Algunos expertos sugieren que "La Cruz vacía" (1899-1901) demuestra la lucha que tenía Munch entre la religión y la idea bohemia del placer sin culpa.
Foto cortesía del Museo Munch en Noruega.
En 1908, Munch sufrió un ataque de nervios e ingresó a una clínica psiquiátrica. Fue una temporada de mucha producción. Al salir del centro, regresó a Noruega y dejó la bebida.
Foto cortesía del Museo Munch en Noruega.
Entre 1922 y su muerte, en 1944, Munch se aisló del mundo y decidió vivir como un ermitaño. Este autorretrato de "El caminante de la noche" demuestra su inquietud y su soledad.
Foto cortesía del Museo Munch en Noruega.

Esta litografía de 1895 muestra las líneas básicas de "El grito". Munch llegó a producir cuatro versiones de la pintura, dos de las cuales fueron robadas y sólo una fue recuperada.

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