El Museo de Rosa Bonheur. Visita guiada

Rosa Bonheur: Biografía

¿DÓNDE?:

 Museo-Estudio de Rosa Bonheur. By (Thomery)

 

Marie Vassilieff y su cantina

Marie Vassilieff, nacida en 1884 en Smolensk, estudió bellas artes en San Petesburgo.

En 1907 se instaló en Paris, donde contribuyó de diferentes formas a abrir la Academia Rusa. A partir de 1912 se dedicó a dar clases en su propio estudio del Impasse del 21 Avenue du Maine.

En 1915, durante la I Guerra Mundial, abrió allí, con la ayuda del pintor holandés Van Hoorn, una cantina que ofrecía, por sólo 65 céntimos, sopa, carne, verdura, ensalada o postre y café. Por el vino se pagaba un extra de 10 céntimos.

 

Considerada por la policía como un club privado, la cantina no estaba sujeta al toque de queda y se llenaba todas las noches.

Un pintor sueco la describe diciendo que “la cantina estaba amueblada con restos del marché aux puces; había sillas y taburetes de diversos tamaños, incluidas dos sillas de mimbre con respaldo alto y un sofá adosado a la pared, donde dormía Vassilieff. En las paredes había cuadros de Chagall y Modigliani, dibujos de Picasso y Léger, y una escultura de Zadkine en un rincón. Vassilieff colocaba diferentes papeles de coloresen las bombillas para ir cambiando la atmósfera del local.

En un rincón, detrás de una cortina, estaba la cocina, donde Aurelie, la cocinera, preparaba la comida para más de cuarenta y cinco personas con sólo un hornillo a gas de dos fuegos y un quemador de alcohol.

En enero de 1917, Marie Vassilieff y Max Jacob organizaron un banquete en honor a George Braque para celebrar su licenciamiento del ejercito después de una larga convalecencia como herido de guerra.

Modigliani, a quien Vassilieff había prohibido la entrada para evitar conflictos, apareció de repente, con un grupo de artistas y modelos que tampoco habían sido invitados. Alfredo Pina, un escultor italiano discípulo de Rodin era el nuevo amante de Beatrice Hastings –anteriormente amante de Modigliani- y en un ataque de celos sacó un revólver y apuntó a Modigliani. Vassilieff cogió a Modigliani por los hombreos y le obligó a marcharse.

Poco después Marie Vassilieff se dió cuenta de que Ortiz de Zárate y Picasso habían escondido la llave dejando encerrados a todos los invitados. Finalmente, con la intercesión de Matisse, la llave apareció y Marie pudo respirar tranquila, se comieron el pavo y brindaron por Braque y su esposa.

(El banquete de Braque. Modigliani está entrando en el local pese a no haber sido invitado. En torno a la mesa, siguiendo el sentido de las agujas del reloj: Marie Vassilieff con el cuchillo, Matisse con el pavo, Blaise Cendrars –sin el brazo que había perdido en la guerra- Marcell –la esposa de Braque-, Walter Halvorsen, Léger –con gorra-, Max Jacob, Beatrice Hastings, su amante Alfredo Pina –con el revólver- Braque con unacorona de laurel y dos personajes no identificados.)

A finales de 1915 Vassilieff cerró la cantina durante una temporada y se fué a Rusia por asuntos familiares. A finales de 1917 o principios de 1918 fue  detenida y encarcelada, acusada de ser una espía de los bolcheviques. Léger y su esposa se hicieron cargo de su hijo, cuyo padre, un soldado norteamericano, había desaparecido.

El 21 Avenue du Maine alberga actualmente el Musée du Montparnasse

CARMEN GÓMEZ PÉREZ-NEU

Pintora y autora del libro Galeria universal de pintoras, Editora Nacional, 1964.

Senti curiosidad tras leer su introduccion al libro y he encontrado esta informacion sobre ella:

Biografia (Encontrada en www.ribadavia.com)
Nace en Ribadavia en 1919. Allí pasa su infancia y comienza a destacar y a ser admirada por sus profesores dada la calidad de los dibujos que realiza.
Se traslada a vivir a Vigo donde estudia Comercio en el colegio Cluny, alternando clases de dibujo y pintura.
En 1936 pasa una temporada en Santiago de Compostela donde estudia con el profesor Mariano Tito Vázquez.
Finalizada la guerra civil, va a Madrid y se dedica exclusivamente a la pintura; copia en el Museo del Prado, da clases con Enrique Cubells y con Eduardo Chicharro.
En 1941 hace su primera presentación en público en la Exposición Nacional de Bellas Artes. En este mismo año presenta también, por primera vez, en Galicia, dos cuadros en la Exposición Regional de Bellas Artes en Compostela.
En 1943 contrae matrimonio con Joaquín Robla Díez, que fue alcalde de Ribadavia desde 1957 hasta 1964. También en este año hace su primera exposición individual en la sala Aeollán de Madrid.
En 1949 empieza a interesarse por el mundo celta, y con un grupo de amigos de Ribadavia, visita castros, lugares arqueológicos; experiencia que más tarde se verá plasmada en cuadros sobre este tema.
En 1953, expone en Madrid en la Sala do Circulo Cultural Medina tema “Os Celtas”.
En 1956 realiza las pinturas murales de la Capilla del Colegio Menor Calvo Sotelo de Ourense.
En 1959, expone en el Liceo Recreco Ourensano
En 1960-62, hace una exposición regional de arte en el Museo Municipal de Vigo y una exposición de “Arte Actual en Ourense”, celebrada en Madrid.
Así, hasta hoy en día, no darían estas lineas para cubrir su amplio currículo profesional.
Desde el año 1963 reside en Madrid donde tiene su estudio, en la Plaza España, alternando su estancia en la capital del estado con temporadas en su casa natal de Ribadavia.
Persona con una sensibilidad extraordinaria, posee una importante y tierna colección de monedas de todo las las épocas y países.

Otros datos encontrados:

• 
  
  Fallecida el 25 de junio de 2005 en Madrid a los ochenta y ocho años.(Esquela en ABC); necrologica por Juan Carlos Villacorta
• 
  
  Critica en ABC de Rafael Gomez Lopez-Egea al libro de Juan Carlos Villacorta: Carmen G. Perez-Neu, pintora. Ed. Seresa, Madrid, 1975
• 
  
  Critica ABC a la exposicion realizada en Circulo de Bellas Artes –Sala Minerva- 1964
• 
  
  Critica ABC- noviembre de 1943 

Cuadro de Carmen G. Perez-Neu en venta (3.000.-Euros)

Encontrarás este anuncio en http://www.segundamano.es/

SERAPHINE, según Pérez-Neu

Transcripción de la entrada dedicada a Séraphine Louis, por Carmen G. Pérez-Neu, en el libro “Galería universal de pintoras”, escrito en 1964:

SERAPHINE (SERAPHINE LUIS, llamada) (1864-1942)

“Pintora francesa nacida en Assy (Oise) en 1864.

Fue muchacha de servicio delcoleccionista de pintura cubista, el alemán Wilhelm Uhde, quien pasando unas vacaciones en Senlis, en 1912, tomó a su servicio a Seraphine.

Esta, a escondidas, se dedicaba a pintar.

Un día la descubrió Uhde. LLeno de asombro, ya que los cuadros de Seraphine estaban hechos con rara facilidad y perfección, Wilhelm Uhde la animó a seguir trabajando y se constituyó en su protector. Pero la locura interrumpió bruscamente las actividades dela original y desgraciada artista.

La crítica estudió detenidamente la producción de esta pintora, que algunos quieren situar entre los pintores “ingenuos”.

Sin embargo, más bien se la considera como una pintora visionaria y fantástica, en que sus cuadros, siempre de flores y plantas, adquieren un raro colorido lleno de belleza y de gran sentido decorativo que hace pensar en los tapices orientales.

Hay cuadros suyos en colecciones particulares y en el Museo de Arte Moderno de París.

Seraphine Louis falleció en el asilo de Clermont dans l’Oise en 1942”

Más extractos del libro: “Galería universal de pintoras”:

• 
  
  Prólogo de doña María Luisa Caturla
• 
  
  Introducción
• 
  
  Rosa Bonheur y su hermana Julieta

Más sobre Séraphine:

• Breve biografía de SERAPHINE DE SENLIS (un poco más completa y actualizada….)
• BIBLIOGRAFÍA

SURREAL FRIENDS- Exposicion

19 junio – 12 septiembre 2010
Pallant House Gallery, Chichester, UK

 

Leonora Carrington, Remedios Varo, Kati Horna… y algunos mas

Surreal Friends, la exposicion que tiene lugar este verano en la Pallant House Gallery, de Chichester, cerquita de Londres, celebra la amistad de estas tres mujeres artistas. Es la primera muestra del trabajo de Leonora Carrington en Gran Bretaña en 19 años y por primera vez se exhiben trabajos de sus amigas Varo y Horna.

Leonora Carrington, Remedios Varo Y Kati Horna -una pintora inglesa, una pintora española y una fotografa hungara- se encontraron en Mexico en 1943. Compartian recuerdos de Paris, del surrealismo, de la guerra civil española y el estallido de la segunda guerra mundial.

La exposicion tiene lugar en Chichester, cerca de West Dean, en West Sussex, la propiedad del mecenas surrealista Edward James, que aloja una coleccion de arte surrealista. Amigo de las tres artistas, James vivio un tiempo en Mexico y pidio matrimonio a Kati Horna y Leonora Carrington. Con su amigo Plutarco Gastelum, construyo un jardin del Eden surrealista en Las Pozas, en Xitila, San Luis, Potosi, donde se encuentra una “doble escalera a ningun sitio” diseñada por Leonora Carrington, que tambien pinto un mural en El Castillo, la casa de Xilitla que Plutarco construyo para el, su esposa y su amigo Edward James.

Surreal Friends coincide con el doble aniversario de dos sucesos de la historia mejicana: el Bicentenario de la independencia de Mexico y el centenario de la Revolucion mexicana, ambos en 2010.

Mas informacion:

• Surreal friends (Ciudad de mujeres: Londres)
• Pallant House Gallery

Y una propuesta interesante: comenta tres obras de Leonora Carrington y gana un viaje a Mexico

Toda la informacion

Comenta las obras de Leonora Carrington y gana un viaje a Mexico.

En el marco de la exposicion Surrealist Friends, que reune en Chichester (West Sussex, UK) la obra de Leonora Carrington, Remedios Varo y Kati Horna, tiene lugar una propuesta  que felicitamos: consiste en comentar tres obras de Leonora Carrington.

Puedes ganar un viaje a Mexico si envias antes del 28 de agosto de 2010 tus comentarios on line-de 150 palabras como maximo- sobre estas tres obras de Leonora Carrington:

• The House Opposite, Leonora Carrington, 1945
• Are You Really Syrious?, Leonora Carrington, 1953
• Bird Pong, Leonora Carrington, 1949

  ¿No es una propuesta estupenda…? Y poco habitual. Si te animas a participar… cuentalo y dejanos una copia de tu comentario.

GALERÍA UNIVERSAL DE PINTORAS. Prólogo de María Luisa Caturla

 

PÉREZ-NEU, Carmen G.
Galería Universal de pintoras

No puedo evitar la tentación de transcribir  el Prólogo de doña María Luisa Caturla  que da inicio al catálogo de mujeres artistas recopilado por Carmen G. Perez-Neu en un libro titulado Galería Universal de pintoras. Parece que se me está “pegando” el estilo, pero es que no es fácil … ¿sustraerse a su embrujo…? La Señora Caturla comienza su texto cual libro de viaje:

He visto Ribadavia a través de la ventanilla de un tren. Es una población risueña, de caserío que asciende la colina rayada de vid –vid del Ribeiro chispeante…-. No conozco más de ella: el ferrocarril, medio anticuado de locomoción, tiene en común con el viaje por carretera de los tiempos modernos esa ignorancia de la entraña que contiene un poblado. Sólo que en el conductor de un coche es omisión voluntaria: podría adentrarse en el poblado, penetrar en él; mientras que al viajero de un tren, la pasividad se le convierte en nostalgia de parar, entrar y conocer…

Imagino los trenes de la época –1964, en pleno periodo franquista, desarrollista y cutre- y recuerdo los coches que recorrían las carreteras sin arcenes de aquellos tiempos modernos –el “850” de mi padre, por ejemplo-, que se recalentaban con frecuencia y a los que había que cambiar la correa del ventilador. ¡Como para atreverse a penetrar en las entrañas de un poblado desconocido!.

Pues resulta que nuestra viajera no es valiente ni se deja llevar por la pasividad de parar, entrar y conocer. Se conforma con un cuadernito de fotografías, menos es nada:

No he entrado en Ribadavia; pero he conseguido un pequeño cuaderno de fotografías que satisfagan mi afán de captarla; y he sabido que es por dentro atractiva; que tiene bellas iglesias, calles pinas, arcos vetustos, viejas casas blasonadas. Diríase, por mi cuadernito, que no hubiera en Ribadavia cosa que fuera ingrata a la vista.

Y resulta que estas consideraciones son sólo la excusa para decirnos que la autora del libro, un ser admirable, nació en Ribadavia –en su entraña, para ser más exacta-:

Pues bien, en la entraña de esa encantadora población nació Carmen G. Pérez- Neu de Robla con una curiosidad admirable por toda manifestación espiritual; y si esto era don, le añadió por voluntad propia un conocimiento asombroso debido a su tenaz laboriosidad; y de todo ello, ha resultado el libro que aquí se presenta. Está dedicado a las pintoras, las de antes y las de ahora; y viene a ser como diccionario amorosamente compilado por una mente prendada del Arte. Porque Carmen Robla, además de escritora e historiadora de artistas femeninas, y quizá antes que todo esto, siente la vocación de la pintura. Y ello la llevó a inventariar las mujeres que sintieron pareja inclinación, un mismo vivo anhelo de pintar.

Al final de este parrafo, la verdad, me he puesto más seria y he prestado atención a la trayectoria de Carmen G. Perez-Neu –o Carmen Robla que, supongo, es su apellido de casada…-. Al fin y al cabo yo comencé a interesarme en las mujeres artistas y en la Historia del Arte por el mismo motivo y de la misma forma, aunque con otras palabras… Bueno, parece que el trabajo de investigación y recopilación de Pérez-Neu no fué en balde:

Yo he aprendido mucho en este libro. ¿Cómo es posible –me he preguntado un tanto avergonzada- que yo desconociera todo de tan crecido número de pintoras, muchas de ellas, de seguro, distinguidas en su arte? Su obra, ¿cómo será? Habrá en esa producción femenina algún rasgo constante que permita adivinar en cada caso el trabajo de una mujer?

¡Uy,uy, uy..! El tufillo de la Sección Femenina del Movimiento Nacional empieza a notarse un poco y me enciendo un cigarrillo, para compensar. Sigo leyendo:

En las pintoras que me son familiares –reflexiono- paréceme perceptible, inequívoca, la impronta de su feminidad. De manera negativa en Marieta Robusti. Es un palidísimo reflejo del genio creador de su padre. De él procede lo que la muchacha reproduce con trazo desmayado y soso colorido. No convenía a su condición apocada la grandiosidad artística del Cinquecento, el siglo en que le cupo vivir, ni sus escasas dotes le permitían moverse en el inconmensurable mundo figurativo del manierismo paterno. Probablemente, sin su nacimiento y educación entre pintores, la hija del Tintoretto no habría buscado los pinceles jamás. Es un claro ejemplo de pasividad femenina.

Vamos, que no le gusta Marieta Robusti,–por decirlo de alguna forma-. Y sigue doña María Luisa:

Berthe Morisot, al contrario, vio favorecida la feminidad de su gran talento por una técnica volátil desenvuelta en torno suyo. La touche impresionista, por su mano delicada, llegó a levedad sólo comparable a las cosas más tenues de la tierra. Quisiera con esto indicar que no es indiferente para una vocación artística el momento histórico en que aparece: puede favorecerla; y puede frustrarla. De ahí que resulte sorprendente la carencia, en el siglo XVIII, de una personalidad femenina que aprovechase para sus dotes artísticas la coyuntura del Rococó. Angélica Kaufmann es ya hija del Neoclasicismo, aparte de que no puede considerársela como un talento de gran categoría.

Al menos Berthe Morisot se salva de la dura crítica gracias a la técnica volátil desenvuelta en torno suyo, ¿como si en vez de pinceles hubiera usado mariposas?. Pero Angélica Kauffman suspende la prueba.

Marie Laurencin todavía alcanza la última fase del impresionismo y, a su modo, arbitrario y fútil, saca partido del arte vigente. Tuve la suerte de conocerla y tratarla. Acababa de estallar la guerra del 14, la primera guerra mundial. Y, el primer día del conflicto, se le había ocurrido contraer matrimonio con el pintor alemán Otto von Waetjen. A poco, la pareja tenía que refugiarse en España y vino a Madrid. Una señora indiscreta le preguntó un buen día: “Usted francesa y su marido alemán, ¿cómo hacen para llevarse bien?” “Oh! c’est tout simple –contestó Marie, que no hablaba una palabra de español-, moi, je suis germanophile et mon marie est francophile.” Quiso Marie hacerme un retrato, pero había de ser con gafas, unas formidables gafas de concha. “Con gafas, no”, protestaba yo. “Entonces no te retrato”, declaró ella. “Pues no me retratas”, repuse yo enojada. ¡Qué desatino! Con gafas y todo, ¡cuánto daría yo hoy por tener un retrato mío debido a Marie Laurencin…, con gafas, pero quizás sin ojos…; azul y rosa y gris, como una amanerada poesía de Verlaine…!

Empiezo a entender algo: ¿quizás las apreciaciones artísticas de doña María Luisa Caturla se deben a problemas visuales como la miopía…?

Mas no vaya a parecer que, al buscarle un común denominador, estoy tratando de identificar lo eterno-femenino en el Arte con la levedad y la delicadeza… En distinta forma de feminidad, Kathe Kollwitz fue maternal y fuerte, alma grande y gran artista, madre amantísima de los desheredados… Sin embargo, sigo creyendo en épocas favorables y desfavorables al desarrollo de la producción femenina. Y ello me lleva a preguntar si es el nuestro tiempo propicio para la manifestación femenina en el Arte. Por un lado –y es fenómeno observado en casi todas las actividades de la vida femenina actual –se advierte en las pintoras un esfuerzo por descartar su diferenciación de mujer. Por el otro, llevamos medio siglo de abstracción de la realidad en el arte, y refugiados en cifras y signos que implican una renunciación casi completa a lo emotivo.Y la emotividad ha sido siempre una característica femenina… Ahí está Marie Blanchard, rompiendo la dura cristalización cubista con la intensidad de su humana nostalgia maternal.

Ni leve ni delicada, pero maternal y fuerte, alma grande y gran artista, madre amantísima de los desheredados, Kathe Kollwitz también parece aprobar y, la verdad, me sorprende un poco, ya que María Luisa Caturla vivió en España una época desfavorable al desarrollo de la producción femenina .Y todo por culpa  de los movimientos abstractos, faltos de emotividad, hasta que la llegada de Marie Blanchard devuelve las cosas a su sitio gracias a su humana nostalgia maternal. ¡Pues menos mal!

Pero basta de divagaciones, disgresiones y recuerdos tal vez demasiado personales. Dispongámonos a atender a Carmen G. Pérez-Neu de Robla, que va a hacer desfilar ante nosotros toda la feminidad pintora del mundo… hasta 1900.”

MARIA LUISA CATURLA, comentarios de La Bibliotecaria

Más extractos del libro:

• 
  
  Rosa Bonheur y su hermana Julieta

Bibliografía:

• PÉREZ-NEU, Carmen G.: Galería Universal de Pintoras (1964)

Rosa Bonheur y su hermana Julieta (1822-1899) (1830-1891)

    Hojeando y ojeando las páginas del libro GALERÍA UNIVERSAL DE PINTORAS se encuentran joyas como esta:

“Entre las numerosas pintoras del siglo XIX es, sin duda alguna, Rosa Bonheur, una de las más famosas. Sus magníficos cuadros de animales y, en especial, de caballos pintados con gran perfección y maestría, adquirieron pronto enorme fama y popularidad y honraron a su autora.

María Rosalía Bonheur, llamada Rosa, nace en Burdeos en 1822. Hija del pintor Raimundo Bonheur, fue su padre su primer maestro. Más tarde trabaja con Leon Cogniet.

Se establece su familia en París, y por haber sufrido grandes reveses de fortuna tiene Rosa que abandonar el colegio donde se educaba e instruía, para ayudar en lo posible a su padre, cuyo único ingreso era el que le proporcionaban sus pinceles.

Como Rosa para perfeccionarse en la pintura tiene que copiar del natural en el campo y en los mercados, lugares frecuentados por gentes groseras y rústicas, su padre la hace vestir con trajes masculinos.

Su éxito artístico es grande y rápido. En 1841, son admitidas en el salón sus primeras obras (conejos, cabras y carneros), que adquieren en seguida notoria reputación.

En 1845 es premiada con una tercera medalla y, en 1848, con una primera por su cuadro “La labranza en el Nirvenais”. Cuadro que el estado adquiere y que se conserva hoy en el Museo de Luxemburgo.

Rosa Bonheur fue directora de la escuela femenina de dibujo y, entre otras muchas condecoraciones, llegó a ostentar  la de Oficial de la Legión de Honor y la de Comendadora de la Orden de Isabel la Católica.

Entre sus obras más famosas  hay que citar: “Mercado de caballos de París”, “Recolección del heno en Auvernia”, “Burreros aragoneses”, “Poneys de la isla de Skye”, “Pastor bearnés” y otros muchos de animales en plena naturaleza.

Fallece en Burdeos en 1899.

Julieta Bonheur, llamada también señora Peyrol-Bonheur, hermana de Rosa, nace en París en 1830.

Discípula de su padre Raimundo se dedica primero a a.la pintura de bodegones y después ala pintura de animales, género este en el que destaca.

Contrae matrimonio con un pintor artista llamado Peyrol y después de su matrimonio dirige una academia de dibujo en París.

Fallece e la capital de Francia en 1891.”

-PEREZ-NEU, Carmen G.: Galería Universal de mujeres pintoras. Editora Nacional, Madrid, 1964: XXV aniversario DE LA PAZ ESPAÑOLA, pág.55-56; LÁMINA XXXI.

ROSA BONHEUR

(1822-1899)

“Labranza en el Auvernais”

El texto tiene “su aquél” y el tufillo de la época: 1964: “XXV aniversario DE LA PAZ ESPAÑOLA” –como puede leerse en su portada, y está editado por la Editora Nacional – ahí es nada-. Así que… ¿qué esperabas…?

Sobre la lámina y el título de la obra reproducida… :

• 
  
  El título original de la obra, es “Labranza en nivernés”, también llamado El Sombreado” (Labourage nivernais, dit aussi Le Sombrage). El cuadro está en el Musée d’Orsay  – Paris -.
  
  

Fechada de 1849, esta escena describe la primera labranza, llamada el "sombreado", que se realiza a comienzos del otoño y que abre la tierra, para que se ventile durante el invierno. Vemos en una pradera en medio de unos acertados valles, cercada por un cerro boscoso, dos tiros de bueyes arrastrando pesados arados y girando la tierra de un campo del que percibimos los surcos ya levantados.
Todo el interés se concentra en el tiro del primer plano, sobre estos bueyes del Charolés-Nivernés cuyo pelaje claro, rojizo y blanco, está realizado por la luz fría y clara que envuelve toda la escena. Se trata en primer lugar de una escena de animales, cuyos héroes son los mismos bueyes, dejando poco espacio al hombre: el ganadero parece bastante pequeño en este lienzo. Es un himno a la labor campestre cuya grandeza está todavía más magnificada que resulta fácil de oponerlo, en estos días que siguen la revolución, a las infamias de la ciudad. También es un reconocimiento de la provincia, aquí el Nivernés, de sus tradiciones agrícolas y de sus paisajes.
Todo ello logró que esta obra realista fuera casi por unanimidad alabada por la crítica. El Estado que la encargó a Rosa Bonheur en 1848 para el museo de Lyon, optó por conservarla en París, en el museo del Luxemburgo. Después entró en el Louvre tras la muerte de la artista, rica y famosa, en Francia, en Inglaterra, pero sobre todo en Estados Unidos, antes de añadirse a las colecciones del museo de Orsay.

 

Pues a pesar de todo, agradezco enormemente el trabajo realizado por Carmen G. Perez-Nau -que no debió ser nada fácil en su momento-.

Si quieres leer una versión casi igual de breve pero más acorde con nuestros tiempos…

• 
  
  Rosa Bonheur (1822-1899)
• Museo Rosa Bonheur
• Y algo sobre su padre Raimond Oscar Bonheur –Raimundo-.
• Y algo sobre Anna Elisabeth Klumpke
• …
• O más extractos del libro Galería Universal de Mujeres

Victoria Dubourg, señora de Fantin Latour, y familia.

Henri Fantin-Latour(1836-1904) trabajó en el taller de Courbet y fue amigo de Manet, aunque se mantuvo al margen del impresionismo. En su madurez se dedicó especialmente a los bodegones de flores.

Henri Fantin-Latour estuvo casado con la también pintora Victoria Dubourg (1840-1926) , de la que en el año 1873 hizo un retrato que ahora está colgado en las paredes del Musée d'Orsay: Henri Fantin-Latour realizó también un retrato colectivo de la familia de Victoria Dubourg:

 LA FAMILLE DUBOURG, (1878) Henri FANTIN-LATOUR 

Óleo/lienzo 146.5 x 170.5 cm

Musée d’Orsay

Sentados, el Sr. y la Sra. Dubourg; de pie sus hijas: al fondo, apoyando la mano sobre su madre, Victoria, esposa del artista-con quien se había casado en1876- y Charlotte Dubourg,  que aparece delante, con sombrero y capa.

Es evidente que el protagonismo lo tiene Charlotte, destacada frente a la puerta blanca. ¿Acaba de llegar…? ¿Se marcha…? El gesto de sus manos… ¿es casual? ¿Se trata de un mensaje…?

El entorno muestra un espacio típicamente burgués. Las líneas que conforman la puerta y el cuadro sirven para equilibrar la composición. A la derecha: un ramo de flores, motivo que tantas veces pintaron Victoria Dubourg y Henri Fantin Latour.

Cuatro años después, Fantin Latour volvió a retratar a Charlotte, hermana de su esposa Victoria:

Henri Fantin-Latour (1836-1904)

Charlotte Dubourg, 1882

Óleo/liezo 118 x 92.5 cm

Paris, Musée d'Orsay

Donación de Charlotte Dubourg, 1921

© RMN (Musée d'Orsay) / Hervé

El caso es que Victoria Dubourg, que firmó cuadros con su nombre, cuadros con el nombre Victoria Fantin Latour y realizó cuadros en colaboración con Fantín Latour…es apenas conocida mientras que su marido –pintando lo mismo…- es una figura imprescindible del arte de finales del s.XIX.

¿Nos encontramos ante uno de esos casos en que la alumna hace el trabajo del maestro…?

Obras de Victoria Dubourg:

Ver álbum completo

Obras de Fantin-Latour:

 

Obras adjudicadas a ambos (en colaboración):

• Cotizaciones de Victoria Dubourg. Sotheby’s,  junio 2010.
• Más obras de Henri Fantin Latour

Louise Bourgeois (1911-2010). CITAS

La escultora estadounidense –nacida en Francia- Louise Bourgeois falleció en Nueva York el pasado 31 de mayo de 2010.

Revisando los libros y archivos de la Biblioteca de Mujeres artistas, he encontrado estas citas, que algún día subrayé:

   "UNA MUJER NO TIENE LUGAR COMO ARTISTA HASTA QUE PRUEBA UNA Y OTRA VEZ QUE NO SERÁ ELIMINADA" (Respuesta a la pregunta "¿Qué le parece la posición actual de las mujeres en el mundo del arte?, para el artículo "Forum: Women in Art", de Cindy Nemser, publicado en 1971 en Arts Magazine, y recogido en "DESTRUCCIÓN DEL PADRE/RECONSTRUCCIÓN DEL PADRE: escritos y entrevistas 1923-1997", Madrid, SINTESIS, 2002

 

   "TENÍA LA SENSACIÓN DE QUE LA ESCENA ARTÍSTICA PERTENECÍA A LOS HOMBRES Y DE QUE YO ESTABA, EN CIERTO SENTIDO, INVADIENDO SUS DOMINIOS. POR ELLO, HACÍA LAS OBRAS Y LUEGO LAS ESCONDÍA. ME ENCONTRABA MÁS CÓMODA SI LAS ESCONDÍA, AUNQUE AL MISMO TIEMPO, NUNCA DESTRUÍ NINGUNA. GUARDÉ CADA PIEZA.
     NO OBSTANTE, HOY ESTOY HACIENDO UN ESFUERZO POR CAMBIAR." (1979) incluido en el libro " Originals: American Women Artists", de Eleanor Munro y recogido en el capitulo "Apuntes(!979) de L.B., Destrucción del padre(...), Madrid, ed. Síntesis, 2002, pp54.

 

Louise Bourgeois, fotografiada por Annie Leibovitz

   "EL PRIMER SUCESO AFORTUNADO DE MI VIDA CONSISTIÓ EN QUE EL MERCADO ARTÍSTICO DECIDIÓ DEJARME A UN LADO, ASÍ QUE ME QUEDÉ SOLA PARA TRABAJAR A MI AIRE DURANTE QUINCE AÑOS", Publicado en 1986 EN PARKETT, nº9 de una entrevista con Robert Storr. Aparece en L.B. DESTRUCC(...),Madrid, Síntesis, 2002, pp.80.

 

"UNA HIJA CONSTITUYE UNA DECEPCIÓN. CUANDO SE TRAÍA UNA HIJA A ESTE MUNDO, HABÍA QUE SER PERDONADA. ASÍ, POR EJEMPLO, SE PERDONÓ A MI MADRE GRACIAS A QUE YO ERA LA VIVA IMÁGEN DE MI PADRE. ESE FUÉ MI PRIMER GOLPE DE SUERTE.", Apunte recogido en 1992 por Ammann Verlag, Zurich, en "Louise Bourgeois: Designing by Free Fall", aparece en L.B. destrucción(...) Madrid, Síntesis, 2002 pp 125

 

"LA NECESIDAD INTERIOR DEL ARTISTA DE SER UN ARTISTA CONECTA ÍNTIMAMENTE CON SU GÉNERO Y SU SEXUALIDAD. LA FRUSTRACIÓN DE LA MUJER ARTISTA Y SU FALTA DE UN PAPEL INMEDIATO DE ARTISTA DENTRO DE LA SOCIEDAD ES CONSECUENCIA DE ESTA NECESIDAD, Y SU IMPOTENCIA (INCLUSO SI LLEGA A TENER ÉXITO) ES CONSECUENCIA DE ESTA NECESARIA VOCACIÓN" Fragmento del texto"tiene el arte un género?, escrito para una mesa redonda  en YMCA, N.Y. 16 de feb de 1972, recogido en L.B. destrucción(...), Madrid, Síntesis, 2002, pp.47

"Me sentí atraída del arte porque me aislaba de las difíciles conversaciones en las que mi padre se jactaba de lo bueno y maravilloso que era... Cogí un pedazo de pan blanco, lo mezclé con saliva y moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura empecé a amputarle los miembros con un cuchillo. Considero esto como mi primera solución escultórica. Fue apropiada para el momento y me ayudó. Fue una importante experiencia y determinó ciertamente mi dirección futura."

"Todos los días uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor." 
Louise Bourgeois. Memoria y Arquitectura. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Catálogo de la exposición del mismo nombre del 16 de noviembre de 1999 al 14 de febrero del 2000.

  Spider, Louise Bourgeois

The White Mouse, Nancy Wake (2001), Melissa Beowulf

The White Mouse, Nancy Wake (2001), Melissa Beowulf

National Portrait Gallery. Canberra, Australia

El cuadro de Melissa Beowulf nos muestra frontalmente a su modelo, Nancy Wake, una activista de la resistencia que volvió locos –literalmente- a los agentes de la Gestapo, durante la II Guerra Mundial. Nancy Wake posa con un sobrio traje azul sobre fondo neutro sobre el que destacan, en primer plano, las manos firmemente unidas y sujetando sus rodillas.

Su rostro refleja… ¿amablemente firme…?

Nancy Wake posa con las medallas obtenidas por su labor durante la II Guerra Mundial:

Companion of the Order of Australia

George Medal

1939-1945 Star

France and Germany Star

Defence Medal

War Medal 1939–1945

Officier de la Légion d'Honneur (France)

Croix de Guerre with two Palms and a Star (France)

Presidential Medal of Freedom with Bronze Palm (USA)

Médaille de la Résistance (France)

LA MODELO: Nancy Wake

Nancy Wake, nació en Wellington, Nueva Zelanda en 1912. Fue la menor de seis hijos. Sus padres se mudaron a Sidney, Australia, en 1914, cuando Nancy tenía 20 meses de edad y poco después su padre abandonó a la familia.

Mucho más joven que sus hermanos y muy independiente, a los 16 años dejó la casa familiar. Viajó a Nueva York y a Inglaterra y luego a París, donde trabajó como periodista.

Fue testigo en Viena del ascenso de Hitler, el nacionalsocialismo, el antisemitismo y la violencia hacia judíos, homosexuales, gitanos, negros y protestantes. Esa experiencia la llevó a la firme determinación de luchar en la Resistencia Francesa.

En 1939 se casó en Marsella con el industrial francés Henri Fiocca. Juntos tuvieron una vida sofisticada, llena de fiestas, cenas y viajes. Vivían en un lujosos apartamento en Marsella, ubicado en una colina, desde donde se veía la bahía y el puerto. Seis meses después de su matrimonio, Alemania invadió Francia. Lentamente pero con gran resolución Nancy se fue incorporando a la lucha. En 1940 pasó de la simple observación, a la acción decidida, uniéndose a la entonces embrionaria Resistencia. Su trabajo inicial fue de simple correo, llevando mensajes y comida a los grupos clandestinos en el sur de Francia.

Compró una ambulancia que usó para ayudar a los refugiados que escapaban del avance alemán. Siendo la esposa de un acaudalado industrial, se le abrían las puertas con facilidad en los medios oficiales del gobierno de Vichy. Logró obtener papeles con una identidad falsa que le permitieron trabajar en la Francia ocupada.

Su trabajo en la Resistencia puso en riesgo su vida y pronto se convirtió en sospechosa de actividades ilícitas y fue vigilada por la Gestapo. Los agentes alemanes llegaron a intervenir su teléfono y su correspondencia. Cambió varias veces de identidad para eludir a los agentes de la Gestapo, que la apodaron "Ratón Blanco"-The white mouse-.

En 1943, Nancy Wake encabezó la lista de los más buscados por la Gestapo, que ofreció una recompensa de 5 millones de francos para quien ayudara en su captura. La Resistencia decidió que era muy arriesgado para la vida de Nancy y la envió a Londres. Se despidió de su esposo, a quien no volvió a ver más.

La fuga no fue fácil. Tuvo que hacer numerosos intentos para cruzar los Pirineos y llegar a España. En uno de esos intentos fue capturada por las milicias francesas de Vichy e interrogada durante cuatro días consecutivos. Finalmente la soltaron sin que lograran sacarle ninguna información.  Finalmente y al sexto intento logró cruzar los Pirineos y desde España embarcó a Inglaterra.

A la edad de 31 años, Nancy Wake fue una de las 39 mujeres y 430 hombres pertenecientes a la Sección Francesa del Special Operations Executive (SOE) que trabajó con los Maquis saboteando las instalaciones alemanas en la Francia Ocupada. Fue entrenada en el uso de armas y explosivos, defensa personal, uso de códigos y radio, supervivencia y paracaidismo nocturno. Oficialmente, las mujeres estaban asignadas a servicios de ambulancias, pues su identidad era mantenida en estricto secreto por la SOE.

En febrero de 1944, Nancy Wake y el Mayor John Farmer, otro miembro del SOE, fueron lanzados en paracaídas en la región de Auvergne en el centro de Francia con órdenes de localizar y organizar las bandas de Maquís, estableciendo depósitos de armas con los materiales que les lanzarían en paracaídas e instalando un transmisor para las comunicaciones con Inglaterra.

La misión principal de Nancy Wake, fue preparar el terreno para el día de la invasión aliada de Francia. Sus blancos principales fueron, instalaciones alemanas, convoyes y tropas que en número de 22 mil estaban acantonados en el área. Los Maquís eran entre 3 y 4 mil en esos momentos, pero una campaña de reclutamiento elevó el número a 7 mil.

En una ocasión, Nancy viajó 500 Kms en bicicleta para reemplazar los códigos de radio que fueron destruidos por un operador, para evitar que cayeran en manos de la Gestapo. Sin esos códigos no era posible comunicarse con Gran Bretaña y menos recibir pertrechos. Cubrió la distancia en 71 horas a través de campos y montañas, casi sin parar.

La zona de operaciones era un hervidero de tropas alemanas y agentes de la Gestapo tratando de desactivar los grupos de resistencia. Los enfrentamientos armados fueron muchos y sangrientos. Nancy Wake lideró el ataque a las oficinas de la Gestapo en Motucon. Mató a un centinela con sus propias manos para evitar que diera la alarma en un ataque a una fábrica de armas y en una oportunidad ejecutó a una espía alemana.

El 6 de Junio de 1944, Día-D, las tropas aliadas comenzaron el desembarco y con ello, la liberación de Francia. El día 25 de Agosto de ese mismo año, París era liberada y Nancy Wake fue a Vichy para celebrar el triunfo. Fué entonces cuando se enteró que el mismo día que se había despidió de su marido, Henri había sido detenido y torturado para que confesara el destino de su esposa.  Al no divulgar el paradero de Nancy, había sido ejecutado.

Después de la guerra, Nancy Wake recibió medallas y trabajó para el el Servicio de Inteligencia del Ministerio del Aire Británico, en las embajadas de Praga y Paris.  Regresó a Australia tras su matrimonio con John Forward en 1957.
A pesar de ser el soldado australiano más condecorado de la Segunda Guerra Mundial, no recibió ninguna condecoración del gobierno australiano. La razón era de índole legal: fue considerada ciudadana neozelandesa y no australiana. En 1994 rechazó entregar sus condecoraciones al Museo de Australia diciendo que ella era neozelandesa y le recordó a la prensa que mantenía su pasaporte de Nueva Zelanda, a pesar de vivir fuera de su país durante 80 años.

Durante los años 50-60 se dedicó a la política, presentándose como candidata al senado australiano en varias elecciones.

Nancy Wake fué galardonada con la medalla de la Legión de Honor en 1970. En 1985, Wake escribió su autobiografía The White Mouse –El ratón blanco- . En 1988 el gobierno francés le otorgó la medalla de Oficial de la Legión de Honor.
En febrero de 2004, fué nombrada Companion of the Order of Australia. En abril de 2006, se le concedió el mayor honor de la Royal New Zealand Returned and Services' Association. 

En 2009, seguía viviendo en su casa de Richmond, Londres.

Nancy Wake

MÁS:

National Portrait Gallery, Canberra, Australia: Vídeo sobre Nancy Wake   2.   Wikipedia   3.  Melissa Beowulf   4.  Nancy Wake

Falleció Louise Bourgeois (1911-2010)

La escultora francesa Louise Bourgeois murió este lunes, 31 de mayo, a los 98 años de edad en la ciudad de Nueva York, dos días después de sufrir un infarto.

Nacida en Paris, el día de Navidad de 1911, en el seno de una familia dedicada a la restauración y venta de tapices y textiles antiguos, Louise Bourgeois siempre reconoció que su trabajo se inspiraba en las experiencias de su infancia y adolescencia.

Con gran talento para las matemáticas, en la adolescencia comenzó a ayudar en el negocio familiar, reparando pequeñas partes de tapices y añadiendo hojas de parra en los genitales de las figuras desnudas que aparecían en obras destinadas a los pudorosos clientes americanos. En esa época su mujeriego padre introdujo en casa a su joven amante, una inglesa llamada Sadie, que se convirtió en su tutora. Con ella aprendió inglés, y supo de celos y odios.

Todo esto se convirtió en parte de la leyenda de Bourgeois y en clave de su arte. Como artista francesada emigrada, llegó a Nueva York en 1938 y su carrera se desarrolló lentamente. Alcanzó el éxito comercial y de crítica cumplidos los sesenta años. Cuando en 1982 el MOMA de Nueva York le dedicó una retrospectiva –la primera organizada en torno a una mujer- ya era bien conocida, aunque vista como inclasificable, marginal e incluso excéntrica. La exposición la convirtió en la Gran Dama del Arte americano.

Ese mismo año, el fotógrafo Robert Mapplethorpe realizó varios retratos de Bourgeois que se ha hecho célebres.

Louise Bourgeois realizó esculturas en todo tipo de soporte y medio, realizó también grabados y dibujos, creó instalaciones claustrofóbicas, pequeñas muñecas de trapo y gigantescas arañas de metal, criaturas con múltiples pechos, manos esculpidas en mármol, objetos sexuales y extraños que sugieren secretos y una violencia apenas escondida.

Su reconocido prestigio internacional viene avalado por los premios recibidos: Grand Prix en Escultura del Ministerio de Cultura Francés (1991), León de Oro en la 48 Bienal de Venecia; Praemium Imperiale, Asociación Japonesa de Arte (1999) y Wexner Prize Wall de Wexner Center for the Arts de la Ohio State University (1999).

El año 2008 Louise Bourgeois recibió el Premio Aragón-Goya "por la  trayectoria de una obra que, con una singular visión femenina en donde la introspección psicoanalítica se funde con la narratividad, es deudora directa de las consecuencias que el arte de Goya tiene en el presente". El mismo año se celebró una retrospectiva en el Centre Pompidour, de Paris

A pesar de haber vivido gran parte de su vida en Estados Unidos y contar con la nacionalidad de ese país, el presidente de Francia, Nicolas Sarkozy, ya ha decidido conceder la Legión de Honor como homenaje a la "gran artista" fallecida.

Sin duda se ha ido una de las artistas más originales.

BIBLIOTECA DE MUJERES ARTISTAS:

 Bibliografía sobre Louise Bourgeois

Jessie Lipscomb

(13 de junio 1861 - 12 de enero 1952)

Jessie Lipscomb, escultora inglesa, nació el 13 de junio de 1861, en Grantham. Su padre era encargado en una mina de carbón y su madre camarera. En 1875 la familia se trasladó a Peterborough.

Jessie Lipscomb ingresó en  la National Art Training School, en South Kensington. En 1882 ganó el Queen's Prize y en 1883 una Medalla de Plata.

  Viajó a Paris para continuar su aprendizaje, visitando allí a dos antiguas estudiantes de la  National Art Training School : Amy Singer y Emily Fawcett, que compartían el estudio que Camille Claudel tenía en el 117 Rue Notre Dame des Champs. En enero de 1884 la madre de Camille escribió a Jessie confirmando el acuerdo por el que se alojaría con la familia Claudel por  200 francos mensuales.

Camille Claudel, trabajando en la escultura “Sakuntala”, y Jessie Lipscomb (1886)

Jessie Lipscomb, trabajando en  una escultura

En 1886 Jessie y Camille viajaron juntas a Inglaterra. Por entonces, Jessie estaba exponiendo un busto en terracota. –Day dreams (1886)- en la Royal Academy. A través de Jessie, Camille Claudel conoció a Florence Jeans, con quien inició una amistad que se prolongó durante años y un intercambio de correspondencia que ha permitido conocer datos que no se conocían sobre Camille Claudel y su obra y sobre aspectos de su vida y su relación con Jessie Lipscomb y August Rodin.

En 1887 expuso otra obra titulada  Sans Souci, y un retrato en escayola de Camille Claudel.

Se casó con William Elborne el 26 de dieciembre de 1887 y la pareja se estableció en Manchester.

La relación de Jessie Lipscomb con Camille Claudel se rompió y a pesar de que Camille Claudel no quiso volver a saber nada de Jessie, ésta fué una de las pocas personas que visitaron a Camille Claudel cuando, años después, fué confinada en el Asilo de Montdevergues.