Georgia O'Keeffe y la cámara. El arte de la identidad

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Vídeo realizado por el Museo Georgia O'Keeffe

http://www.okeeffemuseum.org/

XII Muestra Internacional de Cine Realizado por Mujeres

XII Muestra Internacional de Cine Realizado por Mujeres
Seminario Interdisciplinar de Estudios de la Mujer de la Universidad de Zaragoza
27 de marzo-4 de abril de 2009

Proyecciones:

CENTRO DE HISTORIA DE ZGZ (Plaza San Agustín s/n.)
ZARAGOZA
CASA DE LA MUJER (C/ Don Juan de Aragón, 2.)
ZARAGOZA
Entrada libre excepto a la sesión de
noche en la que se pide la colaboración
de 2€ por largometraje o bono de 10€
para todas las sesiones.
Programa completo y más información: XII muestra internacional de cine realizado por mujeres

SÉRAPHINE LOUIS (Séraphine de Senlis):1864-1942

El siguente texto es un resumen extraído de:
BIHALJI-MERIN, Oto: El Arte Naïf, ed. Labor, Barcelona, 1978. ISBN: 84-335-7558-9; pp. 45-46Las notas al pie son de Mercedes García Bravo.

“Séraphine Louis, algunas veces citada como Séraphine de Senlis, nació en 1864 en Assy (Oise). Jamás estudió pintura, ni durante los tiempos de su niñez, cuando fue pastora, ni posteriormente, cuando trabajaba como sirvienta.[1] ¿Cuándo empezó a plasmar con formas y colores sus sueños y sus impulsos? ¿Por qué lo haría? Sabemos muy poco del drama íntimo de su pequeño ser. Y quizás todavía sabríamos menos de su arte si el azar no la hubiera reunido con aquél hombre que, impresionado por las imaginaciones de Rousseau, seguía la huella de los modernos primitivos.

El ignorante mundo la tomó por la humilde sirvienta de Senlis. Pero ella había sido llamada para ver, para mirar, a través de los bastidores perecederos de lo temporal, y para anunciar la eternidad. (…)”

(La casa de Séraphine Louis en Senlis)

En el año 1912 Wilhem Uhde [2] se trasladó a Senlis para descansar en la paz de esa vieja y pequeña ciudad de la Ile de France, cercana a Paris y, al mismo tiempo, alejada del Barullo. Cada mañana acudía una mujer para limpiarle la vivienda. Uhde apenas se fijó en ella. Un buen día vió en una casa de Senlis un bodegón de manzanas que le llamó la atención. Preguntó el nombre del pintor. << ¡Es su asistenta Séraphine!>> Hasta ahí le había guiado el destino a ciegas. Ahora podía cuidarse Uhde de que los estáticos ramos de flores crecieran hasta convertirse en poderosos árboles de fantasía. (…)

Uhde señala que Séraphine guardaba rigurosamente el secreto de su pintura. Nadie podía mirar cuando ella pintaba, cuando mezclaba los colores y preparaba el lienzo para que todo se efectuara con perfección artesana.[3] Vivía con un recogimiento monacal en su pequeña habitación, sobre cuya chimenea siempre ardía una eterna luz a la Virgen.[4]

Pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro, pintaba en una especie de trance, como jardinero místico, los flamantes ramilletes tras los cuales se oculta la tentación de todo lo sagrado. Plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas, en cuyo resplandeciente nervio se abren ojos. Extraña malla de susurrantes y concupiscentes ramajes con sartas de perlas compuestas por bayas del arbusto de la ternura, y umbelas estrelladas del jardín de los placeres. (…)

(…) Todas las luces y las brasas de sus sueños se apagaron un día. Entonces vagó de casa en casa y predicó el fin del mundo. Su espíritu había quedado vacío y desequilibrado. En 1934 murió en el asilo de ancianos de Clermont.[5]

Para Séraphine el arte fue como una revelación. Para ella la pintura –igual que para Van Gogh- era un acto afectivo. Era como si se redimiera mediante el acto de la creación. Con los ojos inmensamente abiertos caminaba a ciegas por la uniforme monotonía de su insignificante vida.

NOTAS:

[1]-Séraphine Louis nació en Arsy (Oise) el 3 de septiembre de 1864. Su padre era obrero-según la partida de nacimiento- y su madre procedía de una familia de campesinos. Cuando Séraphine tenía a penas un año murió su madre. Su padre, que había vuelto a casarse, murió seis años después. Huérfana, vivía con su hermana mayor. Empezó a trabajar como pastora, y a partir de 1881 trabajó como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia, en Clermont (Oise). En 1901 comenzó a trabajar como criada en diferentes casas de Senlis.

[2]-Willhem Uhde: Coleccionista, marchante, galerista y crítico de Arte, el nombre de Wilhelm Uhde se asocia con la vanguardia artística parisina de principios del siglo XX. En 1908 se casó con la pintora Sonia Delaunay. Tras dedicarse a comprar y exponer la obra de impresionistas y cubistas, comenzó a consagrar gran parte de su energía y de su fortuna a los pintores “naïfs” o ingenuos, a los que prefería llamar “primitivos modernos” y a los que también llamó “pintores del Sagrado Corazón” en la primera exposición que les dedicó en París, en 1929 , con obras de Henri Rousseau, Séraphine de Senlis, Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant...

Más: Biografía de Wilhelm Uhde (Colegas invitados)

[3]-Su técnica, completamente particular, consistía en el uso de la pintura Ripolin –la más común del mercado-, mezclada con la cera de velas que cogía en la iglesia, tierra extraída del cementerio y otros campos, de su propia sangre, que extraía de sus heridas y daba vida a sus cuadros…

[4]-Séraphine comenzó a pintar, según decía, por indicación de los ángeles y la Virgen. Cuando salía del aislamiento de su habitación iba a hablar y abrazar a los árboles y las flores.

[5]-Séraphine Louis, que había nacido el mismo año que Camille Claudel, vivió sus últimos años, como la escultora, que sólo le sobrevivió un año, internada en un asilo mental. Murió el 11 de diciembre de 1942, a los 78 años, en un anexo del hospital de Villers-sous-Erquery, a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas y la falta de alimento durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial y que fueron fatales para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. Fue enterrada en una fosa común.

En la Biblioteca de Mujeres Artistas:
CLOAREC, Françoise: Séraphine:La vie rêvée de Séraphine de Senlis

REMEDIOS VARO: ARTE POSTAL. Convocatoria

Tras la celebración en 2007 del Centenario de la pintora mejicana FRIDA KAHLO, el año2008 nos trajo otro aniversario que quisimos conmemorar: el del Centenario del nacimiento de la pintora española REMEDIOS VARO.
El próximo 16 de junio hará 101 años y medio y queremos creer que, a su personalidad juguetona, esa fecha le resultaría más sugerente que un redondo “100”.
Con ese motivo lanzamos ahora una nueva Convocatoria de ARTE POSTAL/ MAIL ART:
"REMEDIOS VARO: 101 remedios para escapar de lo cotidiano"
Si te interesa participar, puedes encontrar toda la información, presentación, bases y recursos útiles en la página REMEDIOS VARO:101 remedios para escapar de lo cotidiano o en el blog remediosvarocentenario.blogspot.com. O puedes descargar toda la información en formato pdf o documento de word.
También tenemos una cuenta de correo para atender todas las consultas, sugerencias, etc:
remediosvaro@gradiva.es
Esperamos vuestra participación y colaboración en la difusión de este proyecto.
ARTEMISIA Y COMPAÑÍA, Asociación de Mujeres Artistas
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BRIDGET BATE TICHENOR

Bridget Bate Tichenor, era hija de Sarah Gertrude Arkwright, de origen británico y famosa colaboradora de Coco Chanel, y de Frederick B. Bate, comentarista americano de la NBC en Europa durante la guerra.

Bridget Bate Tichenor vivió sus primeros cinco años en Londres antes de ir a Paris, donde estudió francés y época de la que datan sus primeros dibujos conocidos, realizados con el consejo y la enseñanza meticulosa de su padre, que había descubierto prontamente su talento artístico. Posteriormente estudió en la Slade School, de Londres.

Se instala en Roma de 1930 a 1939 y posteriormente se traslada a NuevaYork. Allí ingresa en la Art Students League y estudia bajo la tutela de H. Marsh y de H. Stenberg. También recibe clases de Paul Cadmus, de George Tooker y de Yves Tanguy. Conoce el ambiente de los surrealistas Max Ernst, André Masson, Dalí y Matta, entre otros. Trabaja como editora en Vogue.

En 1940 se casó con Hugh Chisholm, hijo de una conocida familia neoyorquina de origen canadiense, con el que tuvo a su único hijo. En 1945, tras divociarse, se casó con el fotógrafo Jonathan Tichenor.

En 1953, sola, llegó a México y conoció a Luis Barragán y Matías Goeritz, que le convencieron para que se quedara allí a pintar. Durante unos años residió en Ciudad de México hasta su traslado a Ario de Rosales -Michoacán- en 1960.
Bridget Bate Tichenor se concentró envarios temas: inicialmente dibujaba y pintaba abstractamente, usando técnicas "automáticas" (1954-1956); luego descubrió sus fantásticos personajes del mundo surrealista. En su trabajo se aprecia su gran vida interior, que refleja su gran aprecio por la naturaleza y muy particularmente por los animales. En la magia radica, también, parte de su inspiración.

En 1954 realiza su primera exposición en la Galería Arte Mexicano, de Inés Amor. Es el principio de su trayectoria como artista profesional; más tarde expuso regularmente con Antonio Souza, su protector y promotor. Su ingreso como artista en los Estados Unidos fué en la Karning Gallery, dirigida por Robert Isaacson (1955).

En 1972 y 1974 expuso en la Galería Pecannins.

En 1978 dejó su rancho de Michoacán para vivir en Ciudad de México.

De 1982 a 1984 se instaló nuevamente en Roma, volviendo frecuentemente a México, y pinta sus series de "Máscaras, Guías espirituales y Deidades duales". Estos personajes fantásticos llenan su mente y la guían en sus momentos difíciles. Su hijo Jeremy fallece en 1982.

Su última exposición, una retrospectiva muy completa, se realizó en febrero de 1990 en el Instituto de Bellas Artes de San Miguel de Allende, donde se radica los últimos años de su vida.

Su pintura es muy cuidada y depurada, en general de pequeño y mediano tamaño.

El 20 de octubre de 1990 falleció en Ciudad de México, dejando una obra de unos 200 cuadros al óleo.

La obra de Bridget Bate Tichenor se encuentra en colecciones privadas de México, Estados Unidos y Europa.

(Artículo de Carlos de Laborde -economista y coleccionista de arte-. Publicado en Intramuros -sf)

Dos retratos de María Felix, pintados por Bridget Bate Tichenor, en colaboración con Antoine Tzapoff, que pintó los rostros de María Felix.

"Si pintaba gente dentro de un huevo no sé si es cierto, pero es probable que me encontrara yomisma en un huevo que no podía romper. Por fín lo rompí y entonces salieron caras de colores; era una salida y gracias a mi vida en México y de su libertad salieron otras imágenes, otros conceptos" -Bridget Tichenor-

"Mujeres en el espejo": Una actividad de ALAM para celebrar el Día Internacional de las mujeres

ALAM -Asociación Libre de Artistas del Moncayo- realizará el próximo sábado, día 7 de marzo, a las 19 horas en la Sala Albiana de Tarazona un acto poético musical, con motivo del día internacional de las mujeres: "MUJERES EN EL ESPEJO" y la presentación de las actividades de ALAM de estos 5 años desde su sección "El ojo de la mujer".

Dicha presentacion: LOS TELARES DE ARIADNA,  fué invitada al Congreso Nacional de Violencia de género celebrado en Santiago de Compostela en el mes de febrero, como ejemplo de buenas prácticas.

Leonora Carrington, Max Ernst y el surrealismo, según Anaïs Nin

Anaïs Nin, en el siguiente extracto de su diario (invierno de 1942), recuerda a Max Ernst y Leonora Carrington, y reflexiona sobre el surrealismo y la locura:

Max Ernst viene de vez en cuando para ver qué tal salen las reproducciones de sus dibujos [en la BlacK Sun Press, con textos de Paul Éluard]. Es bajo, muy delgado, muy tieso, y tiene perfil de pájaro. La boca es pequeña; y las mejillas, ahuecadas. Tiene una sonrisa breve y parsimoniosa, y una mirada inocente; pero en conjunto, su rostro trasluce perspicacia y mordacidad.

Recuerdo lo que se contaba de él cuando se casó con Leonora Carrington. Era una chica inglesa muy guapa. Los surrealistas, como grupo,fomentaron su neurosis hasta llevarla cerca de la locura. Era pintora. Pintaba una tela y la dejaba apoyada contra la pared. Cuando al cabo de unos días iba a buscarla, no la encontraba. Oí decir que cuando MaxErnst necesitaba telas tomaba el cuadro de ella y pintaba encima.Y luego le decía a su esposa: -¿Estás segura de que habías pintado algo? Yo no he visto ese cuadro que dices-.

Ahora Max Ernst está casado con Peggy Guggenheim.[...]
[...] Cuando encontré a Eleanora Carrington en la oficina del Doctor Jacobson, me sorprendió diciéndome que lo que más le preocupa es que pueda llegar a secársele la fuente que le proporciona las imágenes que pinta o la materia prima para la escritura. A mí esto ha sido siempre lo que menos me ha preocupado.

A mí me parece que cuando se desentierra el inconsciente se encuentra una fuente infinita de creatividad y que el problema se reduce simplemente a encontrar una forma elocuente de expresar lo que ese rico yacimiento produce. Eleanora ha ido muy lejos, casi demasiado lejos como para regresar de esas regiones. ¿Cómo puede hablar del miedo a quedarse seca?
Creo que muchos surrealistas simularon sus sueños. Simularon el inconsciente, la locura y lo fantástico. La simulación siempre se traiciona a sí misma, porque al final desemboca en la aridez.
[...] Siempre sentí en presencia de los surrealistas, como grupo, que en ellos era el intelecto quien convocaba al inconsciente y le hacía actuar. Ninguno de ellos anda, llora, rie, siente. Cuando el inconsciente se manifiesta de manera auténtica, pasas a ser como el primitivo poseído. En cambio, los surrealistas no son poseídos, sino que poseen. Para ellos todo es un juego, un juego de ingenio y brillantez. Los que estaban verdaderamente poseídos perdieron la razón." [*]

-ANAÏS NIN, Diario III, invierno de 1942-

[*] NIN, Anaïs, Diario III (1939-1944), Barcelona, Bruguera, 1981. pp 316-18.

FOTOGRAFÍA: Leonora Carrington y Max Ernst en Saint Martin d'Ardèche, 1939.

Tora Vega Holmström: Retrato de María Blanchard (1921)

La autora del cuadro es la pintora sueca Tora Vega Holmström (1880-1967).

La mujer retratada es la pintora cubista española María Blanchard (1881-1932).

Aparece vestida de rojo, tal como Federico García Lorca la había imaginado al ver por primera vez un cuadro de la pintora santanderina (1) , y los rasgos angulosos de su rostro pueden llevarnos a pensar -como García Lorca- en una mujer alta.

Pero María Blanchard había nacido con serios problemas físicos y deformidades a raíz de una caída de su madre durante el embarazo. Era enana, jorobada, coja y miope.

Las gruesas lentes que la modelo sostiene en su mano derecha son la única referencia que podemos encontrar a estos problemas físicos. Y quizás la forzada torsión del cuerpo.

María Blanchard, sin sus gafas, mira sin ver el papel escrito que sostiene en su otra mano -¿quizás una carta, quizás un poema de alguno de sus amigos...? A lo mejor Tora le había dejado leer alguna de las muchas cartas que intercambiaba con Rainer María Rilke...Quién sabe-. Pero hay cierta melancolía en su expresión pensativa.

1921, el año en que fué pintado el cuadro, María Blanchard ya había abandonado el cubismo y había vuelto -como otros pintores de la época- a interesarse por la pintura figurativa, retomando la figura humana en sus cuadros y retratando niños y maternidades. Con esta "vuelta al orden" perdió el interés del galerista Leonce Rosenberg y comenzó a sufrir dificultades económicas. Pero participó en el Salon des Indépendents presentando La comulgante, una obra cubista, pintada en 1914, que tuvo una gran acogida.

...¿Y de Tora Vega Holmström, autora del retrato...?

Poco he logrado saber.

Sueca, un año mayor que María Blanchard, debió llegar en algún momento a Paris -como cualquiera que quisiera ser artista en esa época- y debieron conocerse, como evidencia la existencia de este retrato -perteneciente a una colección privada-. Ambas practicaron el cubismo, las dos se relacionaron con grandes artistas y pensadores de la época... Pero María Blanchard, la modelo, parece haber llegado a ser más conocida que Tora Vega Holmström, la artista escandinava (2).

-Mercedes García Bravo-

Otras obras de Tora Vega Holmström:

Ryttaren, 1921

FigurKomposition, 1916

Fruktsalmot bla fond, 1924

NOTAS:

(1)"(...)me hicieron pensar en una María alta, vestida de rojo, opulenta y tiernamente cursi como una amazona.(...)" -Federico García Lorca, Elegía a María Blanchard-

(2) Está claro que, al hablar de la historia del arte, seguimos refiriéndonos, casi siempre, a la "historia del arte occidental", y que incluso dentro de "éste occidente", es dificil abarcarlo todo. Encontrar información sobre el trabajo realizado por las mujeres artistas no es fácil, y en algunos casos, como el de las artistas escandinavas, es doblemente difícil. Lo poco que he podido encontrar sobre Tora Vega Holmström está escrito en sueco, y francamente...

Para mí era una auténtica desconocida hasta hoy, pero creo que en la cultura escandinava debe ser una mujer con cierto reconocimiento -el que se empieza a dar algunas mujeres-, y he visto que existe bibliografía sobre ella, al menos la que la relaciona con el poeta Rainer Maria Rilke, con quien, al parecer, mantuvo una estrecha relación de la que queda una voluminosa correspondencia, parte de la cual ha sido editada.
SOS:

¿Conoces más datos sobre esta artista...? ¿Podrías ayudarme a traducir los pocos datos que sobre ella he conseguido encontrar...?

MARÍA BLANCHARD (Santander, 1881- Paris, 1932)

   El 6 de marzo de 1881 nació en Santander María Gutiérrez Blanchard, primogénita del matrimonio formado por Enrique Gutiérrez Cueto y Concepción Blanchard Santisteban. María nació con una deformidad, producida por una caída sufrida por su madre durante el embarazo. Su joroba, cojera, enanismo y miopía marcaron su vida convirtiéndola en una persona solitaria, pese a los cuidados y la atención constante con la que sus padres quisieron recompensarle.

   Pronto empezó a mostrar grandes dotes para el dibujo y su padre aceptó que María se trasladara a Madrid para estudiar con el pintor Emilio Sala, en 1902.

   Tras la muerte de su padre, en 1904, la familia se trasladó a Madrid y María continuó sus estudios de pintura con diferentes maestros.

   En 1906 presentó su obra "Gitana" a la Exposición Nacional de Bellas Artes, y en 1908 obtuvo la Tercera Medalla por su obra "Los primeros pasaos".

   En 1909 se trasladó a Paris, donde asistió a la Academia Vitti, con Hermen Anglada Camarasa, que le enseñó a superar el academicismo y usar libremente los colores, y Kees Van Dongen, que le acercó a la estética fauvista, como profesores.

   En 1910 obtuvo la Segunda Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes por su cuadro "Ninfas encadenando a Sileno".

   En Paris, donde siguió viviendo los años siguientes, María mantuvo estrecha relación con los pintores Diego Rivera, Angelina Beloff y Jacques Lipchitz, con quienes se encontraba de viaje en Mallorca cuando les sorprendió el estallido de la I Guerra Mundial, en 1914.

   Ante la imposibilidad de regresar a Paris, el grupo se traslada a Madrid, donde María comparte estudio con Diego Rivera, en la calle Goya, y se encuentra con los pintores Marie Laurencin, Foujita y el matrimonio formado por Robert y Sonia Delaunay.

   En 1915 Ramón Gómez de la Serna organizó la exposición Pintores Integros, primera muestra de Arte de vanguardia que se celebró en el Salón de Arte Moderno de Madrid, y en la que participaron, entre otros, Diego Rivera y la propia María Blanchard. La exposición fué un fracaso y su obra "Venus de Madrid", hoy en paradero desconocido, causó un gran escándalo.

   Obligada por la precaria situción económica de su familia, María aceptó la cátedra de dibujo en la Escuela Normal de Salamanca, pero las burlas de sus alumnos respecto a su aspecto físico le hicieron abandonar la enseñanza y trasladarse definitivamente a Paris, donde se alojó en casa de su amigo Juan Gris y comenzó a integrarse en un nuevo movimiento artístico: el cubismo.

   En 1918 conoció al galerista Leonce Rosenberg, propietario de "L'Effort Moderne", y a los pintores André Lothe, Francis Picabia y George Braque. Comenzó a exponer y fué bien considerada por la crítica. Participó en exposiciones internacionales y su obra se incluyó las muestras del Salon des Indépendants.

    Pero María Blanchard fué abandonando poco a poco el cubismo e inclinándose hacia la figuración. Perdió el apoyo de Leonce Rosenberg y volvió a sufrir dificultades económicas, hasta que el mecenas belga Frank Flausch le ofreció un contrato mensual que le permitió seguir pintando y exponiendo hasta 1926, cuando su amigo y mecenas murió.

    La muerte de su otro gran amigo, Juan Gris,en 1927, sus problemas de salud agravados por la tuberculosis y el hecho de tener que hacerse cargo de su hermana Carmen y sus sobrinos, que buscaron refugio en su casa, llevaron a María Blanchard a un gran aislamiento y a la búsqueda de consuelo en la religión, llegando a plantearse entrar como novicia en el convento de las Ursulinas de Paris, pero fué disuadida por su confesor.

   Durante sus últimos años, su salud siguió empeorando y sus apuros económicos, teniendo que mantener a su familia, siguieron aumentando, lo que llevó a María Blanchard a caer en un delirio obsesivo, pintando flores de extraños colores.

   María Gutiérrez Blanchard murió a los cincuenta y un años en su estudio de la calle Boulard de Paris, en abril de 1932.

   Poco después Federico García Lorca escribió su "Elegía a María Blanchard", que él mismo leyó en el Ateneo de Madrid.

BIBLIOGRAFÍA:

  

- VVAA, Fuera de Orden: Mujeres de la Vanguardia Española, Fund. Cultural Mapfre Vida, Madrid, 1999. Catálogo de exposición.

- COMBALÍA, Victoria, Amazonas con pincel: vida y obra de las grandes artistas del siglo XVI al siglo XXI.Ed. Destino, Barcelona, 2006, pp 98-102.

- CAFFIN MADAULE, Liliane, Catalogue raisonné des oeuvres de Maria Blanchard, London, Liliane Caffin Madaule, 1992-94. (2 v.)

- Siete pintores españoles de la Escuela de París : María Blanchard, Juan de Echevarría, Juan Gris, Francisco Iturrino, Joan Miró, Pablo Ruiz Picasso, Daniel Vázquez Díaz, Madrid, Caja de Madrid, 1993

  MÁS:

- Federico GARCÍA LORCA, Elegía a María Blanchard

"Elegía a María Blanchard". Federico García Lorca.

Transcripción de la conferencia pronunciada por Federico García Lorca en el Ateneo de Madrid, poco después de la muerte de María Blanchard, en 1932.

"Señoras y Señores:

Yo no vengo aquí, ni como crítico ni como conocedor de la obra de María Blanchard, sino como amigo de una sombra. Amigo de una dulce sombra que no he visto nunca pero que me ha hablado a través de unas bocas y de unos paisajes por donde nunca fue nube, paso furtivo o animalito asustado en un rincón. Nadie de los que me conocen pueden sospechar esta amistad mía con María Gutiérrez Cueto, porque jamás hablé de ella, y aunque iba conociendo su vida a través de relatos originales siempre volvía los ojos al otro lado, como distraído, y cantaba un poco porque no está bien que la gente sepa que un poeta es un hombre que está siempre ¡por todas lascosas! a punto de llorar.
    ¿Usted conocía a María Blanchard? Cuénteme...
   Uno de los primeros cuadros que yo vi en la puerta de mi adolescencia, cuando sostenía ese dramático diálogo del bozo naciente con el espejo familiar, fue un cuadro de María. Cuatro bañistas y un fauno. La energía del color puesto con la espátula, la trabazón de las materias y el desenfado de la composición me hicieron pensar en una María alta, vestida de rojo, opulenta y tiernamente cursi como una amazona.
   Los muchachos llevan un carnet blanco, que no abren más que a la luz de la luna, donde apuntan los nombres de las mujeres que no conocen para llevarlas a una alcoba de musgos y caracoles iluminados, siempre en lo alto de las torres. Esto lo cuenta Wedekind muy bien y toda la gran poesía lunar de Juan Ramón está llena de estas mujeres que se asoman como locas a los balcones y dan a los muchachos que se acercan a ellas una bebida amarguísima de tuétano de cicuta.
   Cuando yo saqué mi cuartilla para apuntar el nombre de María y el nombre de su caballo me dijeron: "es jorobada".
   Quien ha vivido como yo y en aquella época en una ciudad tan bárbara bajo el punto de vista social como Granada, cree que las mujeres o son imposibles o son tontas. Un miedo frenético a lo sexual y un terror al "que dirán" convertían a las muchachas en autómatas paseantes, bajo las miradas de esas mamás fondonas que llevaban zapatos de hombre y unos pelitos en el lado de la barba.
   Yo había pensado con la tierna imaginación adolescente que quizá María, como era artista, no se reiría de mí por tocar al piano "latazos clásicos", o por intentar poemas, no se reiría, nada más, con esa risa repugnante que muchachas y muchachos y mamás y papás sucios tenían para la pureza y el asombro poético, hasta hace unos años, en la triste España del 98.
   Pero María se cayó por la escalera y quedó con la espalda combada expuesta al chiste, expuesta al muñeco de papel colgado de un hilo, expuesta a los billetes de lotería.
   ¿Quién la empujó? Desde luego la empujaron; "alguien", Dios, el demonio, alguien ansioso de contemplar a través de pobres vidrios de carne la perfección de un alma hermosa.
   María Blanchard viene de una familia fantástica. El padre un caballero montañés, la madre una señora refinada; de tanta fantasía que casi era prestidigitadora. Cuando anciana iban unos niños amigos míos a hacerle compañía y ella, tendida en su lecho, sacaba uvas, peras y gorriones de debajo de la almohada. No encontraba nunca las llaves y todos los días tenía que buscarlas y las hallaba en los sitos más raros, por debajo de las camas o dentro de la boca del perro. El padre montaba a caballo y casi siempre volvía sin él, porque el caballo se había dormido y le daba lástima el despertarlo. Organizaba grandes cacerías sin escopetas y se le borraba con frecuencia el nombre de su mujer. En esta distracción y este dejar correr el agua, María Gutiérrez se iba volviendo cada vez más pequeña, una mano le tiraba de los pies y le iba hundiendo la cabeza en su cuerpo como un tubo de "Don Nicanor que toca el tambor".
   En este tiempo que corresponde a la apoteosis final de Rubén, vi yo el único retrato de María que he visto, y era una criatura triste, no sé de quién, en la que está al lado de Diego Rivera el pintor mexicano, verdadera antítesis de María, artista sensual que ahora, mientras que ella sube al cielo, él pinta de oro y besa el ombligo terrible de Plutarco Elías Calles.
   En la época en que María vive en Madrid y cobija en su casa a todo el mundo, a un ruso, a un chino, a quien llame a la puerta, presa ya de este delicado delirio místico que ha coronado con camelias frías de Zurbarán su tránsito en París.
   La lucha de María Blanchard fue dura, áspera, pinchosa, como rama de encina, y sin embargo no fue nunca una resentida, sino todo lo contrario, dulce, piadosa, y virgen.
   Aguantaba la lluvia de risa que causaba, sin querer, su cuerpo de bufón de ópera, y la risa que causaban sus primeras exposiciones, con la misma serenidad que aquel otro gran pintor, Barradas, muerto y ángel, a quien la gente rompía sus cuadros y él contestaba con un silencio recóndito de trébol o de criatura perseguida.
   Aguantaba a sus amigos con capacidad de enfermera, al ruso que hablaba de coches de oro, o contaba esmeraldas sobre la nieve, o al gigantón Diego Rivera que creía que las personas y las cosas eran arañas que venían a comerlo, y arrojaba sus botas contra las bombillas y quebraba todos los días el espejo del lavabo.
   Aguantaba a los demás y permanecía sola, sin comunicación humana, tan sola, que tuvo que buscar su patria invisible, donde corrieran sus heridas mezcladas con todo el mundo estilizado del dolor.
   Y a medida que avanzaba el tiempo, su alma se iba purificando y sus actos adquiriendo mayor trascendencia y responsabilidad. Su pintura llevaba el mismo camino magistral, desde el cuadro famoso de "La primera comunión" hasta sus últimos niños y maternidades, pero atormentada por una moral superior daba sus cuadros por la mitad del precio que le ofrecían, y luego ella misma componía sus zapatos con una bella humildad.
   La vida y pasión de Cristo fue tomando luz en su vida y, como el gran Falla, buscó en ella norma, dogma y consuelo. No con beatería, sino con obras, con grave dolor, con claridad, con inteligencia. Lo más español de María Blanchard es esta busca y captura de Cristo, Dios y varón realísimo; no al modo de la fantástica Catalina de Siena que se llega a casar con el niño Jesús y en vez de anillos se cambian corazones, sino de un modo seco, tierra pura y cal viva, sin el menor asomo de ángeles o milagro.
   Su cintura monstruosa no ha recibido más caricia que la de ese brazo muerto y chorreando sangre fresca, recién desclavado de la cruz.
   Ese mismo brazo fue el que, lleno de amor, la empujó por la escalera para tenerla de novia y deleite suyo, y esa misma mano la ha socorrido en el terrible parto, en que la gran paloma de su alma apenas si podía salir por su boca sumida. No cuento esto para que meditéis su verdad o su mentira, pero los mitos crean al mundo, y el mar estaría sordo sin Neptuno y las olas deben la mitad de su gracia a la invención humana de la Venus.
   Querida María Blanchard: dos puntos... dos puntos, un mundo, la almohada oscurísima donde descansa tu cabeza...
   La lucha del ángel y el demonio estaba expresada de manera matemática en tu cuerpo.
   Si los niños te vieran de espaldas exclamarían: "¡la bruja, ahí va la bruja!". Si un muchacho ve tu cabeza asomada sola en una de esas diminutas ventanas de Castilla exclamaría: "¡el hada, mirad el hada!". Bruja y hada, fuiste ejemplo respetable del llanto y claridad espiritual. Todos te elogian ahora, elogian tu obra los críticos y tu vida tus amigos. Yo quiero ser galante contigo en el doble sentido de hombre y de poeta, y quisiera decir en esta pequeña elegía, algo muy antiguo, algo, como la palabra serenata, aunque naturalmente sin ironía, ni esa frase que usan los falsos nuevos de "estar de vuelta". No. Con toda sinceridad. Te he llamado jorobada constantemente y no he dicho nada de tus hermosos ojos, que se llenaban de lágrimas, con el mismo ritmo que sube el mercurio por el termómetro, ni he hablado de tus manos magistrales. Pero hablo de tu cabellera y la elogio, y digo aquí que tenías una mata de pelo tan generosa y tan bella que quería cubrir tu cuerpo, como la palmera cubrió al niño que tú amabas en la huída a Egipto. Porque eras jorobada, ¿y qué? Los hombres entienden poco las cosas y yo te digo, María Blanchard, como amigo de tu sombra, que tú tenías la mata de pelo más hermosa que ha habido en España."

TARSILA do AMARAL (1886-1973)

Tarsila do Amaral nació el 1 de septiembre de 1886 en la hacienda Sao Bernardo, en el municipio de Capivari, en el interior del estado de Sao Paulo. Hija de José Estanislau do Amaral y Lydia Dias de Aguiar do Amaral. Era nieta de José Estanislau do Amaral, conocido como“el millonario” por su inmensa fortuna, que acumuló abriendo haciendas en el interior de Sao Paulo. Su padre heredó una apreciable fortuna y diversas fincas en la que Tarsila pasó su infancia y adolescencia.

Estudió en Sao Paulo en el Colegio Sión y completó sus estudios en Barcelona, en España, donde pintó su primer cuadro, “Sagrado Corazón de Jesús”, a los 16 años (1902). En 1906 se casó con André Teixeira Pinto, con quien tuvo a su única hija, Dulce. Al separarse de él comienza a estudiar escultura en 1916 con Zadig e Mantovani en Sao Paulo. Posteriormente estudia dibujo y pintura con Pedro Alexandrino.

En 1920 embarca de nuevo hacia Europa, donde estudia en el taller de Émile Renard (1850-1930). En 1922 una tela suya es admitida en el Salón Oficial de Artistas Franceses. En ese mismo año regresa a Brasil y se integra con los intelectuales del grupo modernista. Forma parte del “grupo de los cinco” juntamente con Anita Malfatti, Oswaldo de Andrade, Mário de Andrade y Menotti del Picchia. En esa época comienza su relación con el escritor Oswaldo de Andrade.

De regreso a Europa en 1923 tiene contacto con los modernistas que se encontraban allí: intelectuales, pintores, músicos y poetas. Estudia con André Lothe (1885-1962), Albert Gleizes (1881-1953) y Fernand Léger (1881-1955), grandes maestros cubistas, y mantiene estrecha amistad con Blaise Cendrars, el poeta vanguardista franco-suizo.

Ese año -1923- escribe en una carta a su familia:

"Me siento incluso más brasileña. Voy a ser una pintora de mi pais. ¡Qué agradecida estoy por haber pasado toda mi infancia en la granja! Los recuerdos de esos tiempos han llegado a ser muy queridos para mí. Quiero, en arte, ser la niñita de campo se Sao Bernardo, que juega con muñecas de paja, como en el último cuadro en que estoy trabajando... no penseis que esta tendencia se considera aquí negativamente. Por el contrario. Lo que aquí quieren es que cada uno traiga la contribución de su propio pais. Esto explica el éxito de los ballets rusos, las artes gráficas japonesas y la música negra. París ya ha tenido demasiado arte parisiense"

Acompañada por Andrade y Cendrars, regresa a Brasil, donde el trío comenzó a explorar la cultura popular de Brasil. En Semana Santa hicieron un viaje a las ciudades históricas de Minas Gerais, con sus casas rústicas y sus iglesias barrocas del s.XVIII. Tarsila escribió:

"En Minas encontré los colores que había adorado de niña. Más tarde me enseñaron que esos colores eran feos y sencillos"

En 1926 expone en Paris, con gran éxito y ese mismo año se casa con Oswaldo de Andrade. En 1928 comienza su periodo más creativo: pinta “Abaporu -hombre que come-” como regalo de aniversario a Oswaldo que se sorprende con la tela y crea el Movimento Antropofágico, cuyo principio central era que los artistas brasileños debían devorar influencias extranjeras, digerirlas cuidadosamente y convertirlas en algo nuevo.

En 1929 expone individualmente por primera vez en Brasil y su pintura comienza a evolucionar hacia un realismo social. Se separa de Oswaldo en 1930.

En 1933 pinta el cuadro “Operarios” . El año siguiente participa en I Salón Paulista de Bellas Artes. Comienza a vivir con el escritor Luis Martins durante casi veinte años, desde mediados los años 30 hasta mediados los años 50. De 1936 a 1952, trabaja como columnista en los Diarios Asociados.

En los años 50 vuelve al tema “pau brasil"-pobre Brasil-. Participa en 1951 en la I Bienal de Sao Paulo. En 1963 le dedican una sala especial en la VII Bienal de Sao Paulo y el año siguiente tiene una participación especial en la XXXII Bienal de Venecia.

Tarsila do Amaral falleció en Sao Paulo el día 17 de enero de 1973.

BIBLIOGRAFÍA:

-LUCIE-SMITH, Edward, "Arte latinoamericano del siglo XX". Ed. Destino, Barcelona,1994.

-MARTÍNEZ DÍEZ, Noemí, "Arte y artistas latinoamericanas", en L.F. CAO, Marian (Coord.), "Creación artística y mujeres: recuperar la memoria". Narcea, Madrid, 2000.

-AMARAL, Aracy, "Tarsila", en "Tarsila, Frida y Amelia", Fund. La Caixa, Barcelona,1997. Cat. expo.

EXPOSICIONES:
-"Tarsila, Frida, Amelia". Barcelona. Fundación la Caixa, 1997.
-"Tarsila do Amaral". Madrid. Fundación Juan March. 2009. -Del 6 de febrero al 3 de mayo-

MÁS:
- "Manifiesto antropofágico" (extracto). Oswald de Andrade.

OBRAS COMENTADAS:

-Abaporu, 1928

"Tarsila do Amaral", exposición en la Fundación Juan March.

El pasado 6 de febrero -2009- se inauguró en la Fundación Juan March (Madrid), la primera muestra individual en España y una de las más importantes dedicadas en Europa a la artista brasileña Tarsila do Amaral (Capivari, São Paulo, 1886 - São Paulo, 1973), figura emblemática de la pintura en Brasil e introductora de las vanguardias europeas en su país. Para Juan Manuel Bonet, comisario de la exposición, Tarsila do Amaral “es una de las figuras clave de una vanguardia todavía mal conocida entre nosotros, pero cuyas contribuciones más significativas son de lo más importante que ha dado el continente americano a la cultura moderna”.

   La exposición, que puede visitarse hasta el 3 de mayo -2009-, se centra en la producción de su deslumbrante período central, los años veinte, vividos entre Sâo Paulo y París, con un final simbólico en Moscú (a donde viajó en 1931). Subraya sus conexiones vanguardistas en la capital francesa, su aprendizaje con pintores como André Lhote y Fernand Léger, y su amistad con algunos poetas franceses de vanguardia, especialmente con Blaise Cendrars.

  

   Las obras de Tarsila do Amaral están contextualizadas en el recorrido de la exposición con obras de otros artistas: pinturas como "Mujer Tapuia", (1641) o "Naturaleza muerta" (1641-44), ambas de Albert Eckhout, o trabajos de algunas de las más destacadas figuras del modernismo brasileño, como "Figura sentada" (1924) de Vicente do Rego o "Cabeza de mulata" (1927) de Lasar Segall.

   Otras piezas, como brazaletes, coronas o máscaras de la Amazonía, contribuyen a recrear una atmósfera brasileña y ambientar una muestra en la que se exhiben también obras sobre papel, revistas y una abundante documentación relacionada con esta artista, figura central del movimiento antropófago.

   La obra de Tarsila do Amaral, según Bonet, ha sido de lo más importante que ha dado el continente americano a la cultura moderna, como se puede contemplar en pinturas como "La negra" o "Antropofagia", pieza emblemática del modernismo brasileño que se pueden contemplar en un recorrido en el que también destaca "La familia" (1925), obra que el Museo Reina Sofía compró en el año 2003.

   Aracy Amaral-sobrina nieta de la pintora-, experta en arte brasileño y en Tarsila do Amaral en particular, ha comentado la dificultad que conllevan exposiciones como la de la Fundación March, ya que la obra de Tarsila do Amaral se encuentra principalmente en colecciones privadas "muy reacias a prestarlas, por lo que es todo un éxito haber reunido tantas obras suyas".

Más información (Fundación Juan March)

BIOGRAFÍA:

-Tarsila do Amaral (1886-1973)

Mujeres Artistas: Textos / Artículos / Ensayos

-“Maika Rivera: obituario”

- Vorticismo
- BRESLAU versus BARKITSHEFF, Janet Flanner (1927)
- Rebuscando en la biblioteca de Remedios Varo: otra excusa para una nueva exposición
- "Elegía a María Blanchard". Federico García Lorca
- "Sonia Delaunay: Arte y moda".
- "El ángel del hogar": un modelo de mujer en el siglo XIX
- "Suzanne Valadon y Erik Satie: Arte, música y una relación tempestuosa".
- "Vexations, o cómo sobrevivir a Suzanne Valadon".
- "Artistas Australianas en Paris: un descubrimiento".
- "Leonora Carrington, Max Ernst y el surrealismo, según AnaïsNin".
- Maruja Mallo. Obituario-
-"Maruja Mallo: Magia de meigas"
- "Meraud Guinness Guevara, ma mère", Alladine Guevara.
- "Eva Bonnier: 1857-1909".
- "Transgresiones: Ellas llevan los pantalones". Mercedes G. Bravo
- "Especial Centenario: Frida Kahlo". Recopilación de blogs.
- "El ángel del hogar: un modelo de mujer en el s.XIX".Mercedes G. Bravo
- 46, Gordon Street: Vanessa Bell y Virginia Woolf
- "12 rue Cortot: un estudio, tres artistas"
- "Suzanne Valadon y su hijo, Maurice Utrillo". Y lo que no es lo mismo, aunque lo parezca:
- "Maurice Utrillo y su madre, Suzanne Valadon"
- "Dos mujeres del entorno surrealista: Remedios Varo y Claude Cahun".

Mujeres Artistas: BIOGRAFÍAS / CRONOLOGÍAS

-Katia ACÍN

- Tarsila do AMARAL

- Bridget BATE TICHENOR

- Angelina BELOFF
- María BLANCHARD (María Gutiérrez Blanchard)
- Rose BONHEUR
- Louise BRESLAU
- Claude CAHUN
- Leonora CARRINGTON
- Hermine DAVID
- Meraud GUEVARA
- Natalia GONCHAROVA
- Agnes GOODSIR
- Anna Elisabeth KLUMPKE
- Tamara de LEMPICKA

- Maruja MALLO
- MAREVNA (Marie Vorobieff-Stebelska)
- Ana MENDIETA
- Gabriele MÜNTER
- Chana ORLOFF
- Ethel SANDS

- SÉRAPHINE Louis (Séraphine de Senlis)
- TOYEN (Maria Cerminova)
- Suzanne VALADON

- Remedios VARO (Documental. Vídeo)

Remedios Varo:Los años de formación

Remedios Varo:Contacto con las vanguardias (1932-1937)

Remedios Varo:Surrealista en Paris (1937-1941)

Remedios Varo:8 de diciembre de 1963

CITAS

- Sonia DELAUNAY
- Dorothea TANNING

Obras Comentadas

 

“Espagnole”, Natalia Gontcharova, (ca 1916)
"Los vorticistas en el Restaurate dela Torre Eiffel, primavera 1915", William Roberts,1961-62
"Abaporu", Tarsila do Amaral, 1928
"Le Bal Bullier", Sonia Delaunay, 1913
"A la orilla del mar", Romaine Brooks, 1912
"Té con Sickert", Ethel Sands, ca. 1911-12
"Pastora desnuda tumbada", Berthe Morisot, 1891
"Retrato de Erik Satie", Suzanne Valadon
"Agustina de Aragón" , Agustina Atienza Cobos, 1885
"L'Atelier Julian" , Marie Bashkirtseff, 1881
"Pesca"(Pescadores) , Natalia Goncharova
"Las escuelas" , Gabriele Münter, 1908
"Berthe Morisot con ramillete de violetas" , Edouard Manet
"Retrato de Maria Blanchard", Tora Vega Holmströng, 1921
“Madame X”, John Singer Sargent
Todas las entradas con obras comentadas

Boris Anrep (1883-1969)

Nacido en San Petersburgo, pintor pero sobre todo mosaiquista, fué gran admirador del arte bizantino y desarrolló su carrera sobre todo en Inglaterra.

Lo que le llevó a abandonar su carrera de derecho y su San Petersburgo natal fué su pasión por el arte bizantino. En sus viajes recorrió toda Rusia, parte de Italia y los Países del Este.

Su formación artística la realizó en Paris -en la Academia Julian, donde se dieron cita muchos postimpresionistas importantes escapando del academicismo y la rigidez de la enseñanza tradicional- y en Edimburgo, en la Escuela de Artes.
Tras la II Guerra Mundial, en la que sirvió en la Armada Rusa, se estableció en Londres y realizó mosaicos para la Tate Gallery y la National Gallery.El propio Anrep decía con respecto a su trabajo que resulta mucho mas natural para nosotros mirar al suelo que mirar al techo, aunque siempre hayan parecido mas relevantes los techos decorados al fresco que las teselas del suelo. También decía que la idea de decorar los suelos de la National Gallery se la dieron los mendigos que decoraban los suelos y pedían dinero a los turistas en el exterior del museo. Boris Anrep se sentía como uno de los artistas del exterior que había conseguido entrar.

Anrep se relacionó con el Grupo de Bloomsbury, artistas y escritores de vanguardia. Los personajes de sus mosaicos son retratos de algunas de las personalidades que formaban parte de su propio mundo: Greta Garbo -como Musa de la Tragedia- Virginia Woolf -Musa de la Historia-, Clive Bell -como Bacco-...

Principales Obras de Arte:
- Pavimento en la Tate Gallery con el tema de los “Proverbios” de William Blake.

- Entrada principal de la National Gallery representando: “El despertar de las Musas”, “Las virtudes modernas”, “Los trabajos de la vida” y “Los placeres de la vida”

- Pavimento del recibidor de la residencia de Ethel Sands en Chelsea, su tema, “Varios momentos en la vida de una mujer de la moda”

Virginia Woolf y Greta Garbo: "por los suelos".

La mayoría de los visitantes de la National Gallery no se dan cuenta, pero la primera obra de arte que encuentan no cuelga de las paredes.
El suelo de la entrada principal, pisado una y otra vez, es un mosaico en marmol titulado "The Awakening of the Muses" - El despetar de las musas-, obra del artista Boris Anrep (1885-1969).
En este mosaico podemos reconocer a Greta Garbo como Melpómene, musa de la Tragedia, y a Virginia Woolf como Clío, musa de la historia. Clive Bell, crítico de arte y marido de la pintora Vanessa Bell -hermana de Virginia Woolf- aparece encarnado en la figura del dios Bacco.

Realizado en 1933, con motivo de una ampliación del museo, estas modernas musas de Anreip son la pieza central de una obra que incluye los mosaicos 'The Labours of Life'-Los trabajos de la vida al oeste, 'The Pleasures of Life'-Los placeres de la vida- al este, y 'The Modern Virtues'-Las Virtudes modernas-, al norte.

Virginia Woolf como Clío, a la entrada de la National Gallery.

Quizás ahora mires por dónde pisas.

Otros mosaicos de Boris Anrep en Londres:
- Pavimento en la Tate Gallery con el tema de los “Proverbios” de William Blake.
- Pavimento del recibidor de la residencia de Ethel Sands en Chelsea, su tema, “Varios momentos en la vida de una mujer de la moda”.
-Chapel of the Blessed Sacrament, en la Catedral de Westminster.

"Palabra de Sonia Delaunay": citas

   “Me conquistó el poeta que llevaba dentro, el visionario, el luchador.”(Sobre Robert Delaunay)(1)

   “Éramos dos fuerzas en movimiento. Uno hacía una cosa y el otro hacía otra.”[2]

   “Desde que empezamos a vivir juntos, yo estuve en segunda fila y antes de la década de 1950 jamás dí el paso adelante. Robert era brillante; tenía el instinto del genio. Por mi parte, yo vivía a mayor profundidad.”[3]
   “Se comete una auténtica y flagrante injusticia con nosotros dos. A mí me colocaron en las artes decorativas y no quisieron admitirme como pintora completa.”[4]
   “Él pensaba mucho y yo estaba pintando siempre. Coincidíamos en muchas cosas, pero había una diferencia esencial. Su actitud era más científica que la mía en lo que se refiere a la pintura pura, porque él buscaba una justificación a sus teorías.”[5]
   “Estoy convencida de que, más allá de todo, existe algo fundamental que será la base de la pintura del futuro. El sol sale a medianoche.” [6]

   "Importa llevar nuestra visión personal a las grandes audiencias. Cuanta más gente te aprecie más intensamente de vive, y más profunda es la emoción creativa. No, no es verdad: es más bien el haberte proyectado en la vida personal de miles de desconocidos que se acostumbran a ver a través de tus ojos, de tus colores, de tu gusto y de tu estilo personal..."

   "He tenido tres vidas: una para Robert, otra para mi hijo y misnietos y otra más corta para mí. No me arrepiento de no haberme preocupado más de mí misma. No tuve tiempo." [7]
   “A aquel que conoce cómo apreciar las relaciones entre los colores, la influencia de un color con otro, sus contrastes y disonancias, le es prometido una infinita diversidad de imágenes”[8]

FUENTES:
[1-5] Sherry Buckberrough, Sonia Delaunay: A Retrospective (cat. de la exposición, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, 1980). Recogidas en Chadwick, Whitney y de Courtivron, Isabelle, Los otros importantes: Creatividad y relaciones íntimas.
[6] Sonia Delaunay, Nous irons jusqu’au soleil, Paris, Laffont, 1978. En Chadwick, op.cit.
[7] Recogida en GROSENICK, Uta, Mujeres Artistas de los siglos XX y XXI. Taschen, 2002, pp.98.
[8]extraída del Dossier de Prensa de la exposición "CREADORAS DEL SIGLO xx", Valladolid, Sala Municipal de Exposiciones del Museo de Pasión,2009. Texto de Marisa Oropesa.

Más:

- Le Bal Bullier. Sonia Delaunay. 1913 (Obra comentada)

- Sonia Delaunay: arte y moda

Biblioteca de Mujeres Artistas:

-Sonia Delaunay: magique magicienne.